Kalendarium
ZNAJDŹ WYDARZENIE
dostosuj wyszukiwania
DNI FESTIWALU
Kategorie wydarzeń
Udogodnienia
Żadne z naszych wydarzeń nie spełnia kryteriów. Zrezygnuj z jednego z filtrów i spróbuj ponownie lub otwórz się na inne propozycje Malta Festival
22.06/poniedziałek
Polska premiera i specjalna odsłona opery‑performansu La Mort de la Mer autorstwa CocoRosie z udziałem Justyny Wasilewskiej to pierwsze teatralne ogłoszenie Malta Festival 2026. Spektakl – inspirowany ośmioma fazami księżyca, rytmami natury i refleksją ekologiczną – zostanie zaprezentowany 22 i 23 czerwca 2026 roku w Sali Wielkiej CK Zamek w Poznaniu. To pierwszy pokaz spektaklu od światowej premiery na festiwalu Transart w Bolzano we wrześniu 2025 roku i powrót CocoRosie na Malta Festival po 20 latach od ich pierwszego koncertu w Polsce.
La Mort de la Mer to opera audiowizualna o eksperymentalnej, immersyjnej konstrukcji, w której muzyka, performans i teatr wizualny tworzą jedno sceniczne środowisko. Spektakl ma cykliczny przebieg i rozwija się jako poetycki, rytualny proces, a publiczność doświadcza go z różnych perspektyw — w bliskości działania i z możliwością zmiany punktu obserwacji.
Przewodniczkami tej opowieści są dwie symboliczne figury — Moon i Sea (Księżyc i Morze), które otwierają przed widzami przestrzeń refleksji nad czasem, pamięcią i relacją człowieka z kosmosem i naturą. Całość układa się w medytacyjne tableau zawieszone pomiędzy tym, co intymne, a tym, co planetarne.
Warstwa muzyczna spektaklu łączy charakterystyczny język CocoRosie – balansujący na pograniczu muzyki eksperymentalnej, elektroniki i pieśni – z imersyjną formą doświadczania.
Centralnym tematem spektaklu jest relacja człowieka z naturą w dobie kryzysu ekologicznego. Motyw „śmierci morza” pojawia się tu jako doświadczenie utraty równowagi i żałoby po świecie, który znika, ale także jako impuls do redefinicji relacji człowieka z otaczającym środowiskiem.
W polskiej premierze spektaklu weźmie udział Justyna Wasilewska – jedna z najważniejszych polskich aktorek teatralnych, związana m.in. z TR Warszawa. Współpracowała z Kornélem Mundruczó (Cząstki kobiety), René Polleschem i Anną Smolar. Szerokiej publiczności znana jest również z serialu Heweliusz Jana Holoubka oraz z filmu Serce miłości w reżyserii Łukasza Rondudy.
COCOROSIE
CocoRosie to duet artystyczny z oddaną, międzynarodową publicznością – od Europy, przez Stany Zjednoczone, po Amerykę Południową i inne regiony świata. Od ponad dwóch dekad siostry Bianca i Sierra Casady konsekwentnie wydają nowatorskie albumy studyjne i występują przed wyprzedanymi salami koncertowymi. Ich twórczość rozpoznawalna jest dzięki mistrzowskiej poezji, ponadczasowym harmoniom oraz charakterystycznemu połączeniu lo-fi, „zabawkowych” brzmień z klasyczną instrumentacją i rytmami wymykającymi się gatunkowym klasyfikacjom.
Sierra Casady jest klasycznie wykształconą śpiewaczką operową i aktorką sceniczną, Bianca Casady zaś poetką, reżyserką teatralną i artystką wizualną. Wspólnie łączą muzykę, praktyki teatralne oparte na ruchu i pracy z postacią, modę oraz sztukę współczesną, tworząc wielowymiarowe projekty opowiadające o pięknie i smutku wspólnego doświadczenia. Poprzez wywrotową, precyzyjnie skonstruowaną sztukę CocoRosie sięgają po ironię i zabawę, by zabierać głos w sprawach praw człowieka i kwestionować społeczne normy – często dotykając tematów tabu. Szeroko podziwiane, bywa że niezrozumiane, lecz zawsze konsekwentne, CocoRosie pozostaje jednym z najbardziej wyrazistych projektów artystyczno-muzycznych ostatnich dwóch dekad.
CocoRosie wydały dotąd osiem albumów studyjnych, z których najnowszy – Little Death Wishes (2025) – zamyka kolejną fazę ich twórczości. Wcześniejsze wydawnictwa to m.in. Put The Shine On (2020), Heartache City (2015), Tales of a Grasswidow (2013), Grey Oceans (2010), The Adventures of Ghosthorse and Stillborn (2007), Noah’s Ark (2005) oraz La Maison de Mon Rêve (2004).
Poza intensywną działalnością koncertową i festiwalową CocoRosie komponowały muzykę do czterech spektakli teatralnych w reżyserii Roberta Wilsona (Peter Pan, Pushin’s Fairy Tales, Edda, Jungle Book), a kolejne współprace są w przygotowaniu. Duet współpracował również z Kronos Quartet podczas San Francisco Jazz Festival, rozwijając materiał na wspólny album.
Bianca Casady od lat rozwija własną praktykę teatralną, tworząc multimedialne projekty taneczno-teatralne w ramach rezydencji i szkół teatralnych w całej Europie. Jej styl jest surowy i „ręczny”, jednocześnie silnie zakorzeniony w obrazie i muzyce. Narracje często czerpią z archetypów zdeformowanego świata baśni, a teatr eksploruje tematy szaleństwa, wygnania i podległości poprzez mroczne, poetyckie obrazy i transgresyjne środki wyrazu. Charakterystyczne są tu przedmioty znalezione, historyczne kostiumy i wpisywanie się w lokalne konteksty. Twórczość Bianki łączy poezję, muzykę i sztuki wizualne w intensywne, intymne, a zarazem prowokujące wizje sceniczne.
Do jej wcześniejszych realizacji należą m.in. NightShift (2012, Kampnagel w Hamburgu), Mother Hunting (2015, Narodowy Teatr w Oslo) oraz The Angel Show (2017, Narodowa Akademia Teatralna w Norwegii). Bianca wystawiała również swoje prace wizualne na wystawach indywidualnych, m.in. w Deitch Projects (2007) i Cheim & Read Gallery (2012), a także prowadzi eksperymentalny kurs poezji Remembering The Miracle. W 2023 roku opublikowała debiutancki tom poezji Au bord du ciel: Heaven bound.
Sierra Casady występowała i aranżowała muzykę na całym świecie, współpracując z orkiestrami i instytucjami takimi jak Orkiestra Symfoniczna w Amsterdamie, ICA w Londynie czy Sydney Opera House. Jest również autorką opery Soul Life, zaprezentowanej na Donau Festival w Krems.
JUSTYNA WASILEWSKA
Justyna Wasilewska jest jedną z najważniejszych polskich aktorek teatralnych i filmowych, związaną z TR Warszawa. Współpracowała m.in. z Kornélem Mundruczó, René Polleschem i Anną Smolar. Znana jest także z serialu Heweliusz oraz z filmu Serce miłości w reżyserii Łukasza Rondudy. Za rolę Mai w spektaklu Cząstki Kobiety dostała nagrodę im. Aleksandra Zelwerowicza, nagrodę miesięcznika „Teatr”, nagrodę dla za najlepszą rolę żeńską na festiwalu Boska Komedia. Spektakl z jej udziałem prezentowany był na wszystkich najważniejszych festiwalach w Europie.
ICHIHARA AKIHITO (tancerz butoh)
Akihito Ichihara jest jednym z czołowych japońskich tancerzy butoh, przez wiele lat pierwszym wykonawcą legendarnej grupy Sankai Juku oraz założycielem zespołu ELF. Blisko 30 lat spędzonych w Sankai Juku pozwoliło mu nie tylko zachować, ale i twórczo rozwijać charakterystyczną technikę zespołu, uznawaną za jedną z fundamentalnych metod współczesnego butoh. Ichihara współpracował z kluczowymi postaciami tej dziedziny, brał udział w projektowaniu scenografii i konsekwentnie traktuje taniec jako narzędzie empatii oraz kulturowego dialogu. Od momentu powołania ELF w 2022 roku działa na rzecz upowszechniania butoh wśród nowych odbiorców i młodszych pokoleń poprzez międzynarodowe spektakle i warsztaty.
CHRISTOPHER NELL (nagrany głos mówiony)
Christopher Nell współpracował z takimi reżyserami jak Claus Peymann, Peter Stein, Mona Kraushaar i Manfred Karge, występując w licznych spektaklach, m.in. Romeo, Mackie Messer, Hamlet czy Mephisto. W 2011 roku zagrał u Roberta Wilsona w spektaklu The Life and Death of Marina Abramović, wystawionym na Manchester International Festival, obok Willema Dafoe, Anthony’ego Hegarty’ego i Mariny Abramović.
W grudniu 2018 roku wystąpił w Volksbühne Berlin, a w sezonie 2022/23 zadebiutował na scenie Schauspiel Leipzig w spektaklu Lazarus w reżyserii Huberta Wilda. Od 2003 roku koncertuje także z Claudią Graue i Marcusem Melzwigiem jako członek nagradzanego tria a cappella Muttis Kinder, występując w krajach niemieckojęzycznych oraz m.in. w Singapurze, Tajwanie, Kanadzie, Wielkiej Brytanii, Rumunii i Chorwacji.
MARC CHOURAIN (cristal Baschet, theremin, instrumenty klawiszowe)
Na przestrzeni lat Marc Chourain wypracował pozycję jednego z najwybitniejszych wykonawców gry na cristal Baschet i thereminie – instrumentach o eterycznym brzmieniu, które wykorzystuje do budowania intensywnych, zapadających w pamięć emocji. Współpracował m.in. z Benjaminem Biolayem, Diam’s, Woodkidem, Orelsanem, Boobą, Keren Ann, Raphaëlem, Dannym Elfmanem i Isabellą Rossellini.
DOUGLAS WIESELMAN (gitara elektryczna, instrumenty dęte)
Douglas Wieselman jest wszechstronnym muzykiem i multiinstrumentalistą. W swojej karierze współpracował z artystami z różnych obszarów sztuki, m.in. z Johnem Luriem, Anohni and the Johnsons, Laurie Anderson, Lou Reedem, CocoRosie, Marthą Wainwright, Jerome’em Robbinsem, Halem Willnerem, Butchem Morrisem, Kronos Quartet oraz Robertem Wilsonem.
SIMONE DRAETTA (skrzypce)
Eklektyczny skrzypek, którego kariera obejmuje szerokie spektrum gatunków i kontekstów – od muzyki klasycznej i współczesnej po jazz i pop. Jako muzyk orkiestrowy regularnie współpracuje z orkiestrą Istituto Rusconi w Rho oraz Canova Chamber Orchestra. Jest także jedną z kluczowych postaci włoskiej sceny jazzowych skrzypiec. Od 2025 roku współpracuje z CocoRosie.
VIOLA MARIETTI (performerka / aktorka)
Viola Marietti jest włoską aktorką (ur. 1992). Do jej najważniejszych ról teatralnych należą Teukros w Helenie oraz Lampitò w Lizystracie wystawionej w Greckim Teatrze w Syrakuzach – kreacje, które przyniosły jej nagrodę Enrico di Luciano dla najlepszej wschodzącej aktorki. Jest córką cenionej włoskiej aktorki Lelli Costy oraz Andrei Mariettiego.
A.J. WEISSBARD (reżyseria światła)
A.J. Weissbard jest wszechstronnym artystą, który światło i przestrzeń traktuje jak podstawowe tworzywo swojej pracy. Tworzy projekty wymykające się gatunkowym klasyfikacjom, realizowane na styku teatru, opery i tańca. Współpracował m.in. z Robertem Wilsonem, Peterem Steinem, Mariną Abramović, Peterem Greenawayem, Davidem Cronenbergiem, Gae Aulenti, Giorgiem Armanim, Hugo Bossem, Ermenegildo Zegną, CocoRosie oraz Martha Graham Dance Company.
DARIO FELLI (projekt dźwięku)
Dario Felli jest artystą dźwięku mieszkającym obecnie w Amsterdamie. Jego praktyka obejmuje projektowanie dźwięku do spektakli teatralnych, produkcję muzyczną oraz kompozycję elektroakustyczną. Regularnie współpracuje jako sound designer z uznanymi reżyserami teatralnymi, a jego kompozycje funkcjonują również jako elementy instalacji sztuki współczesnej prezentowanych na całym świecie.
CORENTIN JPM LEVEN (wideo / scenografia)
Corentin JPM Leven to multidyscyplinarny artysta pracujący w Oslo. Wykształcony jako scenograf, z czasem rozszerzył swoją praktykę o performans, teatr i taniec, łącząc pracę z obrazem i działaniami scenicznymi. W ramach CJPM Productions prezentuje międzynarodowo projekty podejmujące tematykę queerową oraz zagadnienia związane z HIV/AIDS, w tym DIWRIZIENNET – Lost Genealogies. Jego prace były pokazywane m.in. w La MaMa, Judson Memorial Church oraz MoMA w Nowym Jorku.
GASPARD YURKIEVICH (kostiumy)
Francuski projektant Gaspard Yurkievich od ponad dekady należy do grona najbardziej rozpoznawalnych twórców mody na świecie. Jego projekty wyróżniają się wyrazistym charakterem i konsekwentnym, autorskim stylem.
Spektakl dla widzów powyżej 15. roku życia.
Możliwość zakupu biletu OzN uprawniającego do wstępu na wydarzenie wraz z osobą towarzyszącą
Miejsca na widowni są stojące, występuje swobodny ruch publiczności
Dostępny sektor z miejscami siedzącymi (ograniczona liczba miejsc) – aby skorzystać z dostępnego sektora należy posiadać bilet OzN lub zgłosić potrzebę skorzystania z miejsca siedzącego wysyłając maila na adres: natalia.dabrowska@malta-festival.pl i otrzymać z ww. adresu potwierdzenie rezerwacji miejsca
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Sala Wielka w CK Zamek
LA MORT DE LA MER
19:00
/ Teatr, Opera, Performans
Sala Wielka CK Zamek
czytaj więcej
23.06/wtorek
Polska premiera i specjalna odsłona opery‑performansu La Mort de la Mer autorstwa CocoRosie z udziałem Justyny Wasilewskiej to pierwsze teatralne ogłoszenie Malta Festival 2026. Spektakl – inspirowany ośmioma fazami księżyca, rytmami natury i refleksją ekologiczną – zostanie zaprezentowany 22 i 23 czerwca 2026 roku w Sali Wielkiej CK Zamek w Poznaniu. To pierwszy pokaz spektaklu od światowej premiery na festiwalu Transart w Bolzano we wrześniu 2025 roku i powrót CocoRosie na Malta Festival po 20 latach od ich pierwszego koncertu w Polsce.
La Mort de la Mer to opera audiowizualna o eksperymentalnej, immersyjnej konstrukcji, w której muzyka, performans i teatr wizualny tworzą jedno sceniczne środowisko. Spektakl ma cykliczny przebieg i rozwija się jako poetycki, rytualny proces, a publiczność doświadcza go z różnych perspektyw — w bliskości działania i z możliwością zmiany punktu obserwacji.
Przewodniczkami tej opowieści są dwie symboliczne figury — Moon i Sea (Księżyc i Morze), które otwierają przed widzami przestrzeń refleksji nad czasem, pamięcią i relacją człowieka z kosmosem i naturą. Całość układa się w medytacyjne tableau zawieszone pomiędzy tym, co intymne, a tym, co planetarne.
Warstwa muzyczna spektaklu łączy charakterystyczny język CocoRosie – balansujący na pograniczu muzyki eksperymentalnej, elektroniki i pieśni – z imersyjną formą doświadczania.
Centralnym tematem spektaklu jest relacja człowieka z naturą w dobie kryzysu ekologicznego. Motyw „śmierci morza” pojawia się tu jako doświadczenie utraty równowagi i żałoby po świecie, który znika, ale także jako impuls do redefinicji relacji człowieka z otaczającym środowiskiem.
W polskiej premierze spektaklu weźmie udział Justyna Wasilewska – jedna z najważniejszych polskich aktorek teatralnych, związana m.in. z TR Warszawa. Współpracowała z Kornélem Mundruczó (Cząstki kobiety), René Polleschem i Anną Smolar. Szerokiej publiczności znana jest również z serialu Heweliusz Jana Holoubka oraz z filmu Serce miłości w reżyserii Łukasza Rondudy.
COCOROSIE
CocoRosie to duet artystyczny z oddaną, międzynarodową publicznością – od Europy, przez Stany Zjednoczone, po Amerykę Południową i inne regiony świata. Od ponad dwóch dekad siostry Bianca i Sierra Casady konsekwentnie wydają nowatorskie albumy studyjne i występują przed wyprzedanymi salami koncertowymi. Ich twórczość rozpoznawalna jest dzięki mistrzowskiej poezji, ponadczasowym harmoniom oraz charakterystycznemu połączeniu lo-fi, „zabawkowych” brzmień z klasyczną instrumentacją i rytmami wymykającymi się gatunkowym klasyfikacjom.
Sierra Casady jest klasycznie wykształconą śpiewaczką operową i aktorką sceniczną, Bianca Casady zaś poetką, reżyserką teatralną i artystką wizualną. Wspólnie łączą muzykę, praktyki teatralne oparte na ruchu i pracy z postacią, modę oraz sztukę współczesną, tworząc wielowymiarowe projekty opowiadające o pięknie i smutku wspólnego doświadczenia. Poprzez wywrotową, precyzyjnie skonstruowaną sztukę CocoRosie sięgają po ironię i zabawę, by zabierać głos w sprawach praw człowieka i kwestionować społeczne normy – często dotykając tematów tabu. Szeroko podziwiane, bywa że niezrozumiane, lecz zawsze konsekwentne, CocoRosie pozostaje jednym z najbardziej wyrazistych projektów artystyczno-muzycznych ostatnich dwóch dekad.
CocoRosie wydały dotąd osiem albumów studyjnych, z których najnowszy – Little Death Wishes (2025) – zamyka kolejną fazę ich twórczości. Wcześniejsze wydawnictwa to m.in. Put The Shine On (2020), Heartache City (2015), Tales of a Grasswidow (2013), Grey Oceans (2010), The Adventures of Ghosthorse and Stillborn (2007), Noah’s Ark (2005) oraz La Maison de Mon Rêve (2004).
Poza intensywną działalnością koncertową i festiwalową CocoRosie komponowały muzykę do czterech spektakli teatralnych w reżyserii Roberta Wilsona (Peter Pan, Pushin’s Fairy Tales, Edda, Jungle Book), a kolejne współprace są w przygotowaniu. Duet współpracował również z Kronos Quartet podczas San Francisco Jazz Festival, rozwijając materiał na wspólny album.
Bianca Casady od lat rozwija własną praktykę teatralną, tworząc multimedialne projekty taneczno-teatralne w ramach rezydencji i szkół teatralnych w całej Europie. Jej styl jest surowy i „ręczny”, jednocześnie silnie zakorzeniony w obrazie i muzyce. Narracje często czerpią z archetypów zdeformowanego świata baśni, a teatr eksploruje tematy szaleństwa, wygnania i podległości poprzez mroczne, poetyckie obrazy i transgresyjne środki wyrazu. Charakterystyczne są tu przedmioty znalezione, historyczne kostiumy i wpisywanie się w lokalne konteksty. Twórczość Bianki łączy poezję, muzykę i sztuki wizualne w intensywne, intymne, a zarazem prowokujące wizje sceniczne.
Do jej wcześniejszych realizacji należą m.in. NightShift (2012, Kampnagel w Hamburgu), Mother Hunting (2015, Narodowy Teatr w Oslo) oraz The Angel Show (2017, Narodowa Akademia Teatralna w Norwegii). Bianca wystawiała również swoje prace wizualne na wystawach indywidualnych, m.in. w Deitch Projects (2007) i Cheim & Read Gallery (2012), a także prowadzi eksperymentalny kurs poezji Remembering The Miracle. W 2023 roku opublikowała debiutancki tom poezji Au bord du ciel: Heaven bound.
Sierra Casady występowała i aranżowała muzykę na całym świecie, współpracując z orkiestrami i instytucjami takimi jak Orkiestra Symfoniczna w Amsterdamie, ICA w Londynie czy Sydney Opera House. Jest również autorką opery Soul Life, zaprezentowanej na Donau Festival w Krems.
JUSTYNA WASILEWSKA
Justyna Wasilewska jest jedną z najważniejszych polskich aktorek teatralnych i filmowych, związaną z TR Warszawa. Współpracowała m.in. z Kornélem Mundruczó, René Polleschem i Anną Smolar. Znana jest także z serialu Heweliusz oraz z filmu Serce miłości w reżyserii Łukasza Rondudy. Za rolę Mai w spektaklu Cząstki Kobiety dostała nagrodę im. Aleksandra Zelwerowicza, nagrodę miesięcznika „Teatr”, nagrodę dla za najlepszą rolę żeńską na festiwalu Boska Komedia. Spektakl z jej udziałem prezentowany był na wszystkich najważniejszych festiwalach w Europie.
ICHIHARA AKIHITO (tancerz butoh)
Akihito Ichihara jest jednym z czołowych japońskich tancerzy butoh, przez wiele lat pierwszym wykonawcą legendarnej grupy Sankai Juku oraz założycielem zespołu ELF. Blisko 30 lat spędzonych w Sankai Juku pozwoliło mu nie tylko zachować, ale i twórczo rozwijać charakterystyczną technikę zespołu, uznawaną za jedną z fundamentalnych metod współczesnego butoh. Ichihara współpracował z kluczowymi postaciami tej dziedziny, brał udział w projektowaniu scenografii i konsekwentnie traktuje taniec jako narzędzie empatii oraz kulturowego dialogu. Od momentu powołania ELF w 2022 roku działa na rzecz upowszechniania butoh wśród nowych odbiorców i młodszych pokoleń poprzez międzynarodowe spektakle i warsztaty.
CHRISTOPHER NELL (nagrany głos mówiony)
Christopher Nell współpracował z takimi reżyserami jak Claus Peymann, Peter Stein, Mona Kraushaar i Manfred Karge, występując w licznych spektaklach, m.in. Romeo, Mackie Messer, Hamlet czy Mephisto. W 2011 roku zagrał u Roberta Wilsona w spektaklu The Life and Death of Marina Abramović, wystawionym na Manchester International Festival, obok Willema Dafoe, Anthony’ego Hegarty’ego i Mariny Abramović.
W grudniu 2018 roku wystąpił w Volksbühne Berlin, a w sezonie 2022/23 zadebiutował na scenie Schauspiel Leipzig w spektaklu Lazarus w reżyserii Huberta Wilda. Od 2003 roku koncertuje także z Claudią Graue i Marcusem Melzwigiem jako członek nagradzanego tria a cappella Muttis Kinder, występując w krajach niemieckojęzycznych oraz m.in. w Singapurze, Tajwanie, Kanadzie, Wielkiej Brytanii, Rumunii i Chorwacji.
MARC CHOURAIN (cristal Baschet, theremin, instrumenty klawiszowe)
Na przestrzeni lat Marc Chourain wypracował pozycję jednego z najwybitniejszych wykonawców gry na cristal Baschet i thereminie – instrumentach o eterycznym brzmieniu, które wykorzystuje do budowania intensywnych, zapadających w pamięć emocji. Współpracował m.in. z Benjaminem Biolayem, Diam’s, Woodkidem, Orelsanem, Boobą, Keren Ann, Raphaëlem, Dannym Elfmanem i Isabellą Rossellini.
DOUGLAS WIESELMAN (gitara elektryczna, instrumenty dęte)
Douglas Wieselman jest wszechstronnym muzykiem i multiinstrumentalistą. W swojej karierze współpracował z artystami z różnych obszarów sztuki, m.in. z Johnem Luriem, Anohni and the Johnsons, Laurie Anderson, Lou Reedem, CocoRosie, Marthą Wainwright, Jerome’em Robbinsem, Halem Willnerem, Butchem Morrisem, Kronos Quartet oraz Robertem Wilsonem.
SIMONE DRAETTA (skrzypce)
Eklektyczny skrzypek, którego kariera obejmuje szerokie spektrum gatunków i kontekstów – od muzyki klasycznej i współczesnej po jazz i pop. Jako muzyk orkiestrowy regularnie współpracuje z orkiestrą Istituto Rusconi w Rho oraz Canova Chamber Orchestra. Jest także jedną z kluczowych postaci włoskiej sceny jazzowych skrzypiec. Od 2025 roku współpracuje z CocoRosie.
VIOLA MARIETTI (performerka / aktorka)
Viola Marietti jest włoską aktorką (ur. 1992). Do jej najważniejszych ról teatralnych należą Teukros w Helenie oraz Lampitò w Lizystracie wystawionej w Greckim Teatrze w Syrakuzach – kreacje, które przyniosły jej nagrodę Enrico di Luciano dla najlepszej wschodzącej aktorki. Jest córką cenionej włoskiej aktorki Lelli Costy oraz Andrei Mariettiego.
A.J. WEISSBARD (reżyseria światła)
A.J. Weissbard jest wszechstronnym artystą, który światło i przestrzeń traktuje jak podstawowe tworzywo swojej pracy. Tworzy projekty wymykające się gatunkowym klasyfikacjom, realizowane na styku teatru, opery i tańca. Współpracował m.in. z Robertem Wilsonem, Peterem Steinem, Mariną Abramović, Peterem Greenawayem, Davidem Cronenbergiem, Gae Aulenti, Giorgiem Armanim, Hugo Bossem, Ermenegildo Zegną, CocoRosie oraz Martha Graham Dance Company.
DARIO FELLI (projekt dźwięku)
Dario Felli jest artystą dźwięku mieszkającym obecnie w Amsterdamie. Jego praktyka obejmuje projektowanie dźwięku do spektakli teatralnych, produkcję muzyczną oraz kompozycję elektroakustyczną. Regularnie współpracuje jako sound designer z uznanymi reżyserami teatralnymi, a jego kompozycje funkcjonują również jako elementy instalacji sztuki współczesnej prezentowanych na całym świecie.
CORENTIN JPM LEVEN (wideo / scenografia)
Corentin JPM Leven to multidyscyplinarny artysta pracujący w Oslo. Wykształcony jako scenograf, z czasem rozszerzył swoją praktykę o performans, teatr i taniec, łącząc pracę z obrazem i działaniami scenicznymi. W ramach CJPM Productions prezentuje międzynarodowo projekty podejmujące tematykę queerową oraz zagadnienia związane z HIV/AIDS, w tym DIWRIZIENNET – Lost Genealogies. Jego prace były pokazywane m.in. w La MaMa, Judson Memorial Church oraz MoMA w Nowym Jorku.
GASPARD YURKIEVICH (kostiumy)
Francuski projektant Gaspard Yurkievich od ponad dekady należy do grona najbardziej rozpoznawalnych twórców mody na świecie. Jego projekty wyróżniają się wyrazistym charakterem i konsekwentnym, autorskim stylem.
Spektakl dla widzów powyżej 15. roku życia.
Możliwość zakupu biletu OzN uprawniającego do wstępu na wydarzenie wraz z osobą towarzyszącą
Miejsca na widowni są stojące, występuje swobodny ruch publiczności
Dostępny sektor z miejscami siedzącymi (ograniczona liczba miejsc) – aby skorzystać z dostępnego sektora należy posiadać bilet OzN lub zgłosić potrzebę skorzystania z miejsca siedzącego wysyłając maila na adres: natalia.dabrowska@malta-festival.pl i otrzymać z ww. adresu potwierdzenie rezerwacji miejsca
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Sala Wielka w CK Zamek
LA MORT DE LA MER
14:00
/ Teatr, Opera, Performans
Sala Wielka CK Zamek
czytaj więcej
Polska premiera i specjalna odsłona opery‑performansu La Mort de la Mer autorstwa CocoRosie z udziałem Justyny Wasilewskiej to pierwsze teatralne ogłoszenie Malta Festival 2026. Spektakl – inspirowany ośmioma fazami księżyca, rytmami natury i refleksją ekologiczną – zostanie zaprezentowany 22 i 23 czerwca 2026 roku w Sali Wielkiej CK Zamek w Poznaniu. To pierwszy pokaz spektaklu od światowej premiery na festiwalu Transart w Bolzano we wrześniu 2025 roku i powrót CocoRosie na Malta Festival po 20 latach od ich pierwszego koncertu w Polsce.
La Mort de la Mer to opera audiowizualna o eksperymentalnej, immersyjnej konstrukcji, w której muzyka, performans i teatr wizualny tworzą jedno sceniczne środowisko. Spektakl ma cykliczny przebieg i rozwija się jako poetycki, rytualny proces, a publiczność doświadcza go z różnych perspektyw — w bliskości działania i z możliwością zmiany punktu obserwacji.
Przewodniczkami tej opowieści są dwie symboliczne figury — Moon i Sea (Księżyc i Morze), które otwierają przed widzami przestrzeń refleksji nad czasem, pamięcią i relacją człowieka z kosmosem i naturą. Całość układa się w medytacyjne tableau zawieszone pomiędzy tym, co intymne, a tym, co planetarne.
Warstwa muzyczna spektaklu łączy charakterystyczny język CocoRosie – balansujący na pograniczu muzyki eksperymentalnej, elektroniki i pieśni – z imersyjną formą doświadczania.
Centralnym tematem spektaklu jest relacja człowieka z naturą w dobie kryzysu ekologicznego. Motyw „śmierci morza” pojawia się tu jako doświadczenie utraty równowagi i żałoby po świecie, który znika, ale także jako impuls do redefinicji relacji człowieka z otaczającym środowiskiem.
W polskiej premierze spektaklu weźmie udział Justyna Wasilewska – jedna z najważniejszych polskich aktorek teatralnych, związana m.in. z TR Warszawa. Współpracowała z Kornélem Mundruczó (Cząstki kobiety), René Polleschem i Anną Smolar. Szerokiej publiczności znana jest również z serialu Heweliusz Jana Holoubka oraz z filmu Serce miłości w reżyserii Łukasza Rondudy.
COCOROSIE
CocoRosie to duet artystyczny z oddaną, międzynarodową publicznością – od Europy, przez Stany Zjednoczone, po Amerykę Południową i inne regiony świata. Od ponad dwóch dekad siostry Bianca i Sierra Casady konsekwentnie wydają nowatorskie albumy studyjne i występują przed wyprzedanymi salami koncertowymi. Ich twórczość rozpoznawalna jest dzięki mistrzowskiej poezji, ponadczasowym harmoniom oraz charakterystycznemu połączeniu lo-fi, „zabawkowych” brzmień z klasyczną instrumentacją i rytmami wymykającymi się gatunkowym klasyfikacjom.
Sierra Casady jest klasycznie wykształconą śpiewaczką operową i aktorką sceniczną, Bianca Casady zaś poetką, reżyserką teatralną i artystką wizualną. Wspólnie łączą muzykę, praktyki teatralne oparte na ruchu i pracy z postacią, modę oraz sztukę współczesną, tworząc wielowymiarowe projekty opowiadające o pięknie i smutku wspólnego doświadczenia. Poprzez wywrotową, precyzyjnie skonstruowaną sztukę CocoRosie sięgają po ironię i zabawę, by zabierać głos w sprawach praw człowieka i kwestionować społeczne normy – często dotykając tematów tabu. Szeroko podziwiane, bywa że niezrozumiane, lecz zawsze konsekwentne, CocoRosie pozostaje jednym z najbardziej wyrazistych projektów artystyczno-muzycznych ostatnich dwóch dekad.
CocoRosie wydały dotąd osiem albumów studyjnych, z których najnowszy – Little Death Wishes (2025) – zamyka kolejną fazę ich twórczości. Wcześniejsze wydawnictwa to m.in. Put The Shine On (2020), Heartache City (2015), Tales of a Grasswidow (2013), Grey Oceans (2010), The Adventures of Ghosthorse and Stillborn (2007), Noah’s Ark (2005) oraz La Maison de Mon Rêve (2004).
Poza intensywną działalnością koncertową i festiwalową CocoRosie komponowały muzykę do czterech spektakli teatralnych w reżyserii Roberta Wilsona (Peter Pan, Pushin’s Fairy Tales, Edda, Jungle Book), a kolejne współprace są w przygotowaniu. Duet współpracował również z Kronos Quartet podczas San Francisco Jazz Festival, rozwijając materiał na wspólny album.
Bianca Casady od lat rozwija własną praktykę teatralną, tworząc multimedialne projekty taneczno-teatralne w ramach rezydencji i szkół teatralnych w całej Europie. Jej styl jest surowy i „ręczny”, jednocześnie silnie zakorzeniony w obrazie i muzyce. Narracje często czerpią z archetypów zdeformowanego świata baśni, a teatr eksploruje tematy szaleństwa, wygnania i podległości poprzez mroczne, poetyckie obrazy i transgresyjne środki wyrazu. Charakterystyczne są tu przedmioty znalezione, historyczne kostiumy i wpisywanie się w lokalne konteksty. Twórczość Bianki łączy poezję, muzykę i sztuki wizualne w intensywne, intymne, a zarazem prowokujące wizje sceniczne.
Do jej wcześniejszych realizacji należą m.in. NightShift (2012, Kampnagel w Hamburgu), Mother Hunting (2015, Narodowy Teatr w Oslo) oraz The Angel Show (2017, Narodowa Akademia Teatralna w Norwegii). Bianca wystawiała również swoje prace wizualne na wystawach indywidualnych, m.in. w Deitch Projects (2007) i Cheim & Read Gallery (2012), a także prowadzi eksperymentalny kurs poezji Remembering The Miracle. W 2023 roku opublikowała debiutancki tom poezji Au bord du ciel: Heaven bound.
Sierra Casady występowała i aranżowała muzykę na całym świecie, współpracując z orkiestrami i instytucjami takimi jak Orkiestra Symfoniczna w Amsterdamie, ICA w Londynie czy Sydney Opera House. Jest również autorką opery Soul Life, zaprezentowanej na Donau Festival w Krems.
JUSTYNA WASILEWSKA
Justyna Wasilewska jest jedną z najważniejszych polskich aktorek teatralnych i filmowych, związaną z TR Warszawa. Współpracowała m.in. z Kornélem Mundruczó, René Polleschem i Anną Smolar. Znana jest także z serialu Heweliusz oraz z filmu Serce miłości w reżyserii Łukasza Rondudy. Za rolę Mai w spektaklu Cząstki Kobiety dostała nagrodę im. Aleksandra Zelwerowicza, nagrodę miesięcznika „Teatr”, nagrodę dla za najlepszą rolę żeńską na festiwalu Boska Komedia. Spektakl z jej udziałem prezentowany był na wszystkich najważniejszych festiwalach w Europie.
ICHIHARA AKIHITO (tancerz butoh)
Akihito Ichihara jest jednym z czołowych japońskich tancerzy butoh, przez wiele lat pierwszym wykonawcą legendarnej grupy Sankai Juku oraz założycielem zespołu ELF. Blisko 30 lat spędzonych w Sankai Juku pozwoliło mu nie tylko zachować, ale i twórczo rozwijać charakterystyczną technikę zespołu, uznawaną za jedną z fundamentalnych metod współczesnego butoh. Ichihara współpracował z kluczowymi postaciami tej dziedziny, brał udział w projektowaniu scenografii i konsekwentnie traktuje taniec jako narzędzie empatii oraz kulturowego dialogu. Od momentu powołania ELF w 2022 roku działa na rzecz upowszechniania butoh wśród nowych odbiorców i młodszych pokoleń poprzez międzynarodowe spektakle i warsztaty.
CHRISTOPHER NELL (nagrany głos mówiony)
Christopher Nell współpracował z takimi reżyserami jak Claus Peymann, Peter Stein, Mona Kraushaar i Manfred Karge, występując w licznych spektaklach, m.in. Romeo, Mackie Messer, Hamlet czy Mephisto. W 2011 roku zagrał u Roberta Wilsona w spektaklu The Life and Death of Marina Abramović, wystawionym na Manchester International Festival, obok Willema Dafoe, Anthony’ego Hegarty’ego i Mariny Abramović.
W grudniu 2018 roku wystąpił w Volksbühne Berlin, a w sezonie 2022/23 zadebiutował na scenie Schauspiel Leipzig w spektaklu Lazarus w reżyserii Huberta Wilda. Od 2003 roku koncertuje także z Claudią Graue i Marcusem Melzwigiem jako członek nagradzanego tria a cappella Muttis Kinder, występując w krajach niemieckojęzycznych oraz m.in. w Singapurze, Tajwanie, Kanadzie, Wielkiej Brytanii, Rumunii i Chorwacji.
MARC CHOURAIN (cristal Baschet, theremin, instrumenty klawiszowe)
Na przestrzeni lat Marc Chourain wypracował pozycję jednego z najwybitniejszych wykonawców gry na cristal Baschet i thereminie – instrumentach o eterycznym brzmieniu, które wykorzystuje do budowania intensywnych, zapadających w pamięć emocji. Współpracował m.in. z Benjaminem Biolayem, Diam’s, Woodkidem, Orelsanem, Boobą, Keren Ann, Raphaëlem, Dannym Elfmanem i Isabellą Rossellini.
DOUGLAS WIESELMAN (gitara elektryczna, instrumenty dęte)
Douglas Wieselman jest wszechstronnym muzykiem i multiinstrumentalistą. W swojej karierze współpracował z artystami z różnych obszarów sztuki, m.in. z Johnem Luriem, Anohni and the Johnsons, Laurie Anderson, Lou Reedem, CocoRosie, Marthą Wainwright, Jerome’em Robbinsem, Halem Willnerem, Butchem Morrisem, Kronos Quartet oraz Robertem Wilsonem.
SIMONE DRAETTA (skrzypce)
Eklektyczny skrzypek, którego kariera obejmuje szerokie spektrum gatunków i kontekstów – od muzyki klasycznej i współczesnej po jazz i pop. Jako muzyk orkiestrowy regularnie współpracuje z orkiestrą Istituto Rusconi w Rho oraz Canova Chamber Orchestra. Jest także jedną z kluczowych postaci włoskiej sceny jazzowych skrzypiec. Od 2025 roku współpracuje z CocoRosie.
VIOLA MARIETTI (performerka / aktorka)
Viola Marietti jest włoską aktorką (ur. 1992). Do jej najważniejszych ról teatralnych należą Teukros w Helenie oraz Lampitò w Lizystracie wystawionej w Greckim Teatrze w Syrakuzach – kreacje, które przyniosły jej nagrodę Enrico di Luciano dla najlepszej wschodzącej aktorki. Jest córką cenionej włoskiej aktorki Lelli Costy oraz Andrei Mariettiego.
A.J. WEISSBARD (reżyseria światła)
A.J. Weissbard jest wszechstronnym artystą, który światło i przestrzeń traktuje jak podstawowe tworzywo swojej pracy. Tworzy projekty wymykające się gatunkowym klasyfikacjom, realizowane na styku teatru, opery i tańca. Współpracował m.in. z Robertem Wilsonem, Peterem Steinem, Mariną Abramović, Peterem Greenawayem, Davidem Cronenbergiem, Gae Aulenti, Giorgiem Armanim, Hugo Bossem, Ermenegildo Zegną, CocoRosie oraz Martha Graham Dance Company.
DARIO FELLI (projekt dźwięku)
Dario Felli jest artystą dźwięku mieszkającym obecnie w Amsterdamie. Jego praktyka obejmuje projektowanie dźwięku do spektakli teatralnych, produkcję muzyczną oraz kompozycję elektroakustyczną. Regularnie współpracuje jako sound designer z uznanymi reżyserami teatralnymi, a jego kompozycje funkcjonują również jako elementy instalacji sztuki współczesnej prezentowanych na całym świecie.
CORENTIN JPM LEVEN (wideo / scenografia)
Corentin JPM Leven to multidyscyplinarny artysta pracujący w Oslo. Wykształcony jako scenograf, z czasem rozszerzył swoją praktykę o performans, teatr i taniec, łącząc pracę z obrazem i działaniami scenicznymi. W ramach CJPM Productions prezentuje międzynarodowo projekty podejmujące tematykę queerową oraz zagadnienia związane z HIV/AIDS, w tym DIWRIZIENNET – Lost Genealogies. Jego prace były pokazywane m.in. w La MaMa, Judson Memorial Church oraz MoMA w Nowym Jorku.
GASPARD YURKIEVICH (kostiumy)
Francuski projektant Gaspard Yurkievich od ponad dekady należy do grona najbardziej rozpoznawalnych twórców mody na świecie. Jego projekty wyróżniają się wyrazistym charakterem i konsekwentnym, autorskim stylem.
Spektakl dla widzów powyżej 15. roku życia.
Możliwość zakupu biletu OzN uprawniającego do wstępu na wydarzenie wraz z osobą towarzyszącą
Miejsca na widowni są stojące, występuje swobodny ruch publiczności
Dostępny sektor z miejscami siedzącymi (ograniczona liczba miejsc) – aby skorzystać z dostępnego sektora należy posiadać bilet OzN lub zgłosić potrzebę skorzystania z miejsca siedzącego wysyłając maila na adres: natalia.dabrowska@malta-festival.pl i otrzymać z ww. adresu potwierdzenie rezerwacji miejsca
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Sala Wielka w CK Zamek
LA MORT DE LA MER
19:00
/ Teatr, Opera, Performans
Sala Wielka CK Zamek
czytaj więcej
24.06/środa
Dystans to polska premiera koprodukcji Malta Festival i jedyny pokaz spektaklu w Polsce. Najnowsza sztuka Tiago Rodriguesa – jednego z najważniejszych współczesnych twórców teatralnych, od 2022 roku dyrektora artystycznego Festival d’Avignon – po prezentacjach m.in. w Madrycie, Barcelonie, Mediolanie, Atenach i Santiago de Chile zostanie pokazana w Poznaniu w ramach 36. edycji festiwalu.
Spektakl opowiada intymną historię więzi ojca i córki, osadzoną w realiach niepokojąco bliskiej przyszłości. Akcja rozgrywa się w 2077 roku. W obliczu katastrofy klimatycznej bohaterowie żyją na dwóch planetach – Ziemi i Marsie. Rodrigues buduje precyzyjnie skomponowane przedstawienie o miłości, odpowiedzialności i międzypokoleniowym konflikcie w świecie, który przestaje być wspólny.
Dystans Tiago Rodriguesa rozgrywa się w roku 2077, w świecie coraz silniej naznaczonym kryzysem klimatycznym. Ludzkość funkcjonuje już na dwóch planetach – Ziemi i Marsie – a ojciec i córka żyją w odrębnych rzeczywistościach, oddzieleni nie tylko ogromną przestrzenią, lecz także różnymi wizjami przyszłości. Spektakl opowiada intymną historię relacji w świecie, który przestaje być wspólny.
Tiago Rodrigues – jeden z najważniejszych współczesnych twórców teatralnych i dyrektor artystyczny Festival d’Avignon – buduje precyzyjnie skomponowaną opowieść o miłości, odpowiedzialności i międzypokoleniowym napięciu. Dystans dotyka tematów emancypacji, samodzielności i niewypowiedzianych deklaracji, stawiając pytanie o to, jak bardzo przyszłe pokolenia będą jeszcze w stanie się porozumieć z tymi, które je poprzedziły.
Minimalistyczna forma spektaklu opiera się na obrotowej scenie podzielonej na dwie przestrzenie, symbolicznie odpowiadające Ziemi i Marsowi, oraz na ścisłej relacji między tekstem, ruchem, światłem i dźwiękiem. Zmienny rytm przedstawienia podkreśla napięcie między tym, co intymne i bliskie, a tym, co stopniowo się oddala, budując medytacyjny ton całości.
Dystans jest opowieścią o relacji ojca i córki, ale także o odpowiedzialności za przyszłość w świecie dotkniętym kryzysem środowiskowym. Prezentacja spektaklu w Poznaniu będzie polską premierą koprodukcji Malta Festival i jedynym polskim przystankiem na międzynarodowej trasie przedstawienia.
BIOGRAMY
Tiago Rodrigues
Portugalski aktor, reżyser i dramatopisarz, jedna z najważniejszych postaci współczesnego teatru europejskiego, od 2022 roku dyrektor Festival d’Avignon. Współzałożyciel zespołu Mundo Perfeito, z którym realizował projekty wystawiane w instytucjach teatralnych na całym świecie. W latach 2015–2021 był dyrektorem Teatro Nacional D. Maria II w Lizbonie. Jego twórczość łączy intymne opowieści z wyraźnym zaangażowaniem społecznym oraz silny nacisk na relację aktora z widownią. Swoje spektakle prezentował na najważniejszych scenach europejskich, m.in. w ramach Holland Festival, Wiener Festwochen czy Edinburgh International Festival. Realizował premiery na zaproszenie m.in. Comédie-Française, Comédie de Genève i NTGent. Wśród jego najbardziej rozpoznawalnych na świecie tytułów znajdziemy autorskie By Heart (Na pamięć), Sopro, Catarina and the Beauty of Killing Fascists, No Yogurt for the Dead oraz prezentowany na Malta Festival Dystans, a także rewizje klasyków jak Antoniusz i Kleopatra czy Wiśniowy sad.
Adama Diop
Aktor i reżyser urodzony w Dakarze w Senegalu. W 2002 roku przeniósł się do Francji, gdzie studiował w Conservatoire national d’art dramatique w Montpellier, a następnie w Conservatoire national supérieur d’arts dramatiques w Paryżu. Współpracował z wieloma uznanymi reżyserami teatralnymi, m.in. Bernardem Sobelem, Julienem Gosselinem, Stéphane’em Braunschweigiem, Arthurem Nauzycielem, Frankiem Castorfem oraz Jean-François Sivadierem. Występował na najważniejszych scenach europejskich, w tym na Festival d’Avignon, gdzie zagrał w Wiśniowym sadzie w reżyserii Tiago Rodriguesa, prezentowanym w Cour d’honneur. Obok pracy aktorskiej zajmuje się również reżyserią, a także regularnie występuje w filmach i słuchowiskach radiowych. Angażuje się ponadto w działalność edukacyjną, współtworząc projekty szkoleniowe i teatralne w Senegalu.
Alison Dechamps
Aktorka, absolwentka Conservatoire d’Art Dramatique w Nantes. W 2021 roku dołączyła do zespołu Théâtre National de Bretagne. Występowała m.in. w spektaklach La Tour de Constance w reżyserii Guillaume’a Vincenta oraz Dreamers II Pascala Ramberta.
Dofinansowano ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego pochodzących z Funduszu Promocji Kultury – państwowego funduszu celowego.
Możliwość zakupu biletu OzN uprawniającego do wstępu na wydarzenie wraz z osobą towarzyszącą
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Aula Artis
DYSTANS
19:00
/ Teatr
Aula Artis
czytaj więcej
25.06/czwartek
Chwalony przez krytyków i uwielbiany przez słuchaczy Benjamin Clementine, laureat cenionej Mercury Prize, Benjamin Clementine, to artysta, którego nie sposób zaszufladkować. Jego twórczość łączy elementy barokowego popu, muzyki klasycznej, soulu oraz muzyki eksperymentalnej. Eklektyczne podejście sprawia, że trudno jednoznacznie go przypisać do konkretnego gatunku – czerpie z wielu stylów i wpływów, tworząc muzykę głęboko osobistą i od razu rozpoznawalną. Jego twórczość jest głęboko liryczna, z tekstami, które często zawierają filozoficzne refleksje i surrealistyczne obrazy. Clementine jest poetą – autorem swoich utworów, co dodaje dodatkowej głębi jego muzyce. W swojej twórczości porusza tematy osobiste, egzystencjalne oraz związane z tożsamością, miłością i stratą. Jego barytonowy głos jest potężny i przejmujący, ale też kojący i szczery. To właśnie ta wyjątkowa mieszanka formy i treści sprawia, że Clementine pozostaje jednym z najbardziej intrygujących głosów współczesnej muzyki.
Koncerty Clementine’a są często porównywane do pełnych emocji występów Niny Simone, ale artysta od dawna tworzy własny, niepowtarzalny język sceniczny. Buduje intymną atmosferę bliskiego spotkania z widzem, wprowadzając elementy teatralne, balansuje na granicy koncertu i performansu. Clementine śpiewając, zmienia rytm, tempo oraz tonacje, nierzadko przeplata swoje kompozycje wymowną ciszą. Przejmujące, muzyczne spotkanie z Clementinem na żywo zapada głęboko w pamięć każdemu, kto miał okazję choć raz uczestniczyć w jego show. W Poznaniu wystąpił ostatnio w 2017 roku, w Polsce pamięta go nawet publiczność Gali Fryderyków, gdzie wystąpił z utworem London.
Clementine urodził się w Edmonton, na przedmieściach północnego Londynu, w surowym, chrześcijańskim domu ghańskich imigrantów. Zbudował swoją drogę z osobistych doświadczeń – jako nastolatek trafił na ulice Paryża, gdzie grywał w metrze, grając covery Jamesa Browna i, właśnie, Niny Simone. To tam został dostrzeżony, i rozpoczął profesjonalną karierę. Jego przełomowy album At Least for Now (2015) zdobył dużą popularność, zapewnił mu uznanie krytyków i otworzył drogę na najważniejsze sceny świata. Publiczność na całym świecie czeka właśnie na premierę nadchodzącego albumu Sir Introvert and the Featherweights. Utworów z nowej płyt spodziewamy się na koncercie w Poznaniu.
Program koncertowy Malta Festival potrwa cztery dni, a każdego dnia na scenie zobaczymy aż trzy koncerty.
25.06 – MARO, Devendra Banhart, Benjamin Clementine
26.06 – HAAi, The Blessed Madonna, The Blaze (DJ-set)
27.06 – Efterklang, Charlie Cunningham, Beirut
28.06 – King No-One, Kacperczyk, Two Door Cinema Club
Bilety w sprzedaży na eBilet.pl
Dokładną czasówkę podamy bliżej wydarzenia.
Możliwość zakupu biletu OzN uprawniającego do wstępu na wydarzenie wraz z osobą towarzyszącą
Dostępny sektor – aby skorzystać z dostępnego sektora należy posiadać bilet OzN lub zgłosić potrzebę skorzystania z miejsca siedzącego wysyłając maila na adres: natalia.dabrowska@malta-festival.pl i otrzymać z ww. adresu potwierdzenie rezerwacji miejsca
BENJAMIN CLEMENTINE
/ Muzyka, Koncert
MTP
czytaj więcej
MARO wystąpi 25 czerwca na Malta Festival. Portugalska artystka – multiinstrumentalistka, kompozytorka i producentka – należy do nowego pokolenia twórczyń działających na globalnej scenie, budując międzynarodową publiczność i współpracując z artystami z całego świata.
Jej muzyka jest oszczędna w środkach, ale intensywna emocjonalnie. Łącząc elementy popu, folku i alternatywy, tworzy kameralne kompozycje, które rozwijają się w skupieniu i zostają z słuchaczem na długo po ostatniej nucie.
MARO to portugalska multiinstrumentalistka, autorka piosenek i producentka pochodząca z Lizbony. Po ukończeniu Berklee College of Music w Bostonie zadebiutowała w 2018 roku, wydając pięć albumów i EP-kę. Wkrótce dołączyła do zespołu Jacoba Colliera podczas jego trasy DJESSE World Tour. W tym czasie występowała jako support m.in. dla Jessie J, Gipsy Kings, Charlotte Cardin i The Paper Kites.
W 2020 roku stworzyła projekt ITSAME, MARO! – serię 100 odcinków nagranych we współpracy z artystami z całego świata, wśród których znaleźli się m.in. Eric Clapton, Pablo Alborán, Lizzy McAlpine, Ivan Lins, Vitor Kley, ANAVITÓRIA, Sílvia Pérez Cruz, Maria Gadú, Mayra Andrade, Rui Veloso i Lennon Stella.
MARO wygrała portugalskie eliminacje Festival da Canção i reprezentowała Portugalię podczas Eurowizji w 2022 roku, gdzie utwór saudade, saudade znalazł się w pierwszej dziesiątce konkursu. Następnie wydała album can you see me?, łączący wpływy popu, trapu, muzyki świata i folku.
W kwietniu 2023 roku ukazał się album hortelã, nagrany w formacie akustycznego tria z katalońskimi gitarzystami Darío Barroso i Pau Figueresem. W większości śpiewany po portugalsku, album zdobył nagrodę José Afonso dla portugalskiej płyty roku.
Po współpracy przy EP-ce PIRILAMPO, MARO i NASAYA wydali w 2024 roku album LIFELINE, w którym artystka zwróciła się w stronę bardziej elektronicznego brzmienia.
W ciągu ostatnich trzech lat MARO intensywnie koncertowała na całym świecie, grając wyprzedane koncerty zarówno z akustycznym trio, jak i w duecie elektronicznym. Występowała na największych scenach obok takich artystów jak Jacob Collier, Odesza czy Parcels, a także supportowała trasę koncertową Shawna Mendesa.
Zapowiadając nowy album SO MUCH HAS CHANGED – celebrujący jaśniejsze, bardziej energetyczne brzmienie – MARO otwiera nowy rozdział swojej kariery, prezentując w 2026 roku koncerty w pełnym składzie przed publicznością na całym świecie.
Program koncertowy Malta Festival potrwa cztery dni, a każdego dnia na scenie zobaczymy aż trzy koncerty.
25.06 – MARO, Devendra Banhart, Benjamin Clementine
26.06 – HAAi, The Blessed Madonna, The Blaze (DJ-set)
27.06 – Efterklang, Charlie Cunningham, Beirut
28.06 – King No-One, Kacperczyk, Two Door Cinema Club
Bilety w sprzedaży na eBilet.pl
Dokładną czasówkę podamy bliżej wydarzenia.
Możliwość zakupu biletu OzN uprawniającego do wstępu na wydarzenie wraz z osobą towarzyszącą
Dostępny sektor – aby skorzystać z dostępnego sektora należy posiadać bilet OzN lub zgłosić potrzebę skorzystania z miejsca siedzącego wysyłając maila na adres: natalia.dabrowska@malta-festival.pl i otrzymać z ww. adresu potwierdzenie rezerwacji miejsca
MARO
/ Muzyka, Koncert
MTP
czytaj więcej
Devendra Banhart wystąpi 25 czerwca na Malta Festival. Jeden z najważniejszych twórców nurtów „freak folk” i „New Weird America”, artysta od lat wymyka się klasyfikacjom, łącząc muzykę z praktyką wizualną i poruszając się swobodnie między gatunkami.
Jego twórczość opiera się na połączeniu akustycznych brzmień, psychodelicznych harmonii i autorskiej wrażliwości. Koncerty Banharta mają formę osobistych, nieprzewidywalnych opowieści – balansujących między intymnością a sceniczną ekspresją.
Devendra Banhart (ur. 1980 w Houston w Teksasie) mieszka i pracuje w Los Angeles. Uznawany na całym świecie muzyk, jeden z pionierów nurtów „freak folk” i „New Weird America”, koncertował i współpracował m.in. z Vashti Bunyan, Yoko Ono, Os Mutantes, zespołem Swans, ANOHNI, Caetano Veloso czy Beckiem. Jego działalność muzyczna od zawsze rozwija się równolegle z praktyką w innych dziedzinach sztuk wizualnych.
Banhart pojawił się niemal znikąd w 2002 roku wraz ze swoją pierwszą płytą Oh Me Oh My… The Way the Day Goes By the Sun Is Setting Dogs Are Dreaming Lovesongs of the Christmas Spirit, wydaną przez wytwórnię Young God, prowadzoną przez Michaela Girę z zespołu Swans. Album powstał z domowych nagrań, które Banhart rejestrował podczas swoich podróży po świecie. Urodził się w Houston jako Devendra Obi Banhart, ale dzieciństwo spędził w Caracas w Wenezueli. Jako nastolatek wrócił z rodziną do Stanów Zjednoczonych, gdzie zamieszkał w południowej Kalifornii i szybko zafascynował się kulturą skateboardową.
Muzyka od zawsze była jego pasją, choć odkrywał ją w sposób zarówno intuicyjny, jak i przypadkowy. Dorastając w Caracas, był otoczony dźwiękami salsy, merengue, cumbii i bossa novy – muzyki obecnej wszędzie, na każdej ulicy. W liceum zainteresował się rocksteady, bluebeatem i ska, które poznawał dzięki filmom o skateboardingu. Po ukończeniu szkoły średniej planował karierę w sztukach wizualnych i rozpoczął studia w San Francisco Art Institute, jednak szybko z nich zrezygnował, by w pełni poświęcić się muzyce. Równolegle rozwijał jednak działalność artystyczną – jego charakterystyczne, precyzyjne, często enigmatyczne rysunki były prezentowane w galeriach na całym świecie, m.in. na targach Art Basel w Miami, w San Francisco Museum of Modern Art, Palais des Beaux-Arts w Brukseli czy Museum of Contemporary Art w Los Angeles.
Istotną rolę w kształtowaniu jego tożsamości artystycznej – również wizualnej – odegrało San Francisco. Ekstrawagancki styl ubioru, który przyciągnął uwagę świata mody i przyczynił się do przypisania mu etykiet „freak folk” i „New Weird America”, inspirowany był m.in. subwersywną estetyką i praktykami performatywnymi legendarnej grupy The Cockettes.
Podobnie jak jego dawni współpracownicy wydawniczy, Caetano Veloso czy David Byrne, Banhart czerpie z niezwykle szerokiego spektrum inspiracji – od folku i bluesa po muzykę awangardową. Wskazuje na wpływ Arthura Russella, artysty wymykającego się wszelkim klasyfikacjom, a także przyczynił się do ponownego odkrycia takich twórców jak Vashti Bunyan. Współpracował m.in. z Os Mutantes, Swans, ANOHNI i Beckiem, a także brał udział w projektach artystycznych, takich jak monumentalna instalacja wideo Song 1 Douga Aitkena, prezentowana na fasadzie muzeum Hirshhorn w Waszyngtonie.
Jak sam mówi, jego kariera pozostaje „przygodą i eksploracją”. Przyznaje również: „Nie dbam szczególnie o swój głos, ale – podobnie jak w przypadku gry na gitarze – z czasem coraz lepiej go poznajesz. Zawsze mówiłem, że jestem bardzo dobry w tym, że nie umiem grać na gitarze, ale tak naprawdę chodzi o to, że czuję się dobrze, nie będąc pewnym swojego podejścia.”
Program koncertowy Malta Festival potrwa cztery dni, a każdego dnia na scenie zobaczymy aż trzy koncerty.
25.06 – MARO, Devendra Banhart, Benjamin Clementine
26.06 – HAAi, The Blessed Madonna, The Blaze (DJ-set)
27.06 – Efterklang, Charlie Cunningham, Beirut
28.06 – King No-One, Kacperczyk, Two Door Cinema Club
Bilety w sprzedaży na eBilet.pl
Dokładną czasówkę podamy bliżej wydarzenia.
Możliwość zakupu biletu OzN uprawniającego do wstępu na wydarzenie wraz z osobą towarzyszącą
Dostępny sektor – aby skorzystać z dostępnego sektora należy posiadać bilet OzN lub zgłosić potrzebę skorzystania z miejsca siedzącego wysyłając maila na adres: natalia.dabrowska@malta-festival.pl i otrzymać z ww. adresu potwierdzenie rezerwacji miejsca
DEVENDRA BANHART
/ Muzyka, Koncert
MTP
czytaj więcej
Dystans to polska premiera koprodukcji Malta Festival i jedyny pokaz spektaklu w Polsce. Najnowsza sztuka Tiago Rodriguesa – jednego z najważniejszych współczesnych twórców teatralnych, od 2022 roku dyrektora artystycznego Festival d’Avignon – po prezentacjach m.in. w Madrycie, Barcelonie, Mediolanie, Atenach i Santiago de Chile zostanie pokazana w Poznaniu w ramach 36. edycji festiwalu.
Spektakl opowiada intymną historię więzi ojca i córki, osadzoną w realiach niepokojąco bliskiej przyszłości. Akcja rozgrywa się w 2077 roku. W obliczu katastrofy klimatycznej bohaterowie żyją na dwóch planetach – Ziemi i Marsie. Rodrigues buduje precyzyjnie skomponowane przedstawienie o miłości, odpowiedzialności i międzypokoleniowym konflikcie w świecie, który przestaje być wspólny.
Dystans Tiago Rodriguesa rozgrywa się w roku 2077, w świecie coraz silniej naznaczonym kryzysem klimatycznym. Ludzkość funkcjonuje już na dwóch planetach – Ziemi i Marsie – a ojciec i córka żyją w odrębnych rzeczywistościach, oddzieleni nie tylko ogromną przestrzenią, lecz także różnymi wizjami przyszłości. Spektakl opowiada intymną historię relacji w świecie, który przestaje być wspólny.
Tiago Rodrigues – jeden z najważniejszych współczesnych twórców teatralnych i dyrektor artystyczny Festival d’Avignon – buduje precyzyjnie skomponowaną opowieść o miłości, odpowiedzialności i międzypokoleniowym napięciu. Dystans dotyka tematów emancypacji, samodzielności i niewypowiedzianych deklaracji, stawiając pytanie o to, jak bardzo przyszłe pokolenia będą jeszcze w stanie się porozumieć z tymi, które je poprzedziły.
Minimalistyczna forma spektaklu opiera się na obrotowej scenie podzielonej na dwie przestrzenie, symbolicznie odpowiadające Ziemi i Marsowi, oraz na ścisłej relacji między tekstem, ruchem, światłem i dźwiękiem. Zmienny rytm przedstawienia podkreśla napięcie między tym, co intymne i bliskie, a tym, co stopniowo się oddala, budując medytacyjny ton całości.
Dystans jest opowieścią o relacji ojca i córki, ale także o odpowiedzialności za przyszłość w świecie dotkniętym kryzysem środowiskowym. Prezentacja spektaklu w Poznaniu będzie polską premierą koprodukcji Malta Festival i jedynym polskim przystankiem na międzynarodowej trasie przedstawienia.
BIOGRAMY
Tiago Rodrigues
Portugalski aktor, reżyser i dramatopisarz, jedna z najważniejszych postaci współczesnego teatru europejskiego, od 2022 roku dyrektor Festival d’Avignon. Współzałożyciel zespołu Mundo Perfeito, z którym realizował projekty wystawiane w instytucjach teatralnych na całym świecie. W latach 2015–2021 był dyrektorem Teatro Nacional D. Maria II w Lizbonie. Jego twórczość łączy intymne opowieści z wyraźnym zaangażowaniem społecznym oraz silny nacisk na relację aktora z widownią. Swoje spektakle prezentował na najważniejszych scenach europejskich, m.in. w ramach Holland Festival, Wiener Festwochen czy Edinburgh International Festival. Realizował premiery na zaproszenie m.in. Comédie-Française, Comédie de Genève i NTGent. Wśród jego najbardziej rozpoznawalnych na świecie tytułów znajdziemy autorskie By Heart (Na pamięć), Sopro, Catarina and the Beauty of Killing Fascists, No Yogurt for the Dead oraz prezentowany na Malta Festival Dystans, a także rewizje klasyków jak Antoniusz i Kleopatra czy Wiśniowy sad.
Adama Diop
Aktor i reżyser urodzony w Dakarze w Senegalu. W 2002 roku przeniósł się do Francji, gdzie studiował w Conservatoire national d’art dramatique w Montpellier, a następnie w Conservatoire national supérieur d’arts dramatiques w Paryżu. Współpracował z wieloma uznanymi reżyserami teatralnymi, m.in. Bernardem Sobelem, Julienem Gosselinem, Stéphane’em Braunschweigiem, Arthurem Nauzycielem, Frankiem Castorfem oraz Jean-François Sivadierem. Występował na najważniejszych scenach europejskich, w tym na Festival d’Avignon, gdzie zagrał w Wiśniowym sadzie w reżyserii Tiago Rodriguesa, prezentowanym w Cour d’honneur. Obok pracy aktorskiej zajmuje się również reżyserią, a także regularnie występuje w filmach i słuchowiskach radiowych. Angażuje się ponadto w działalność edukacyjną, współtworząc projekty szkoleniowe i teatralne w Senegalu.
Alison Dechamps
Aktorka, absolwentka Conservatoire d’Art Dramatique w Nantes. W 2021 roku dołączyła do zespołu Théâtre National de Bretagne. Występowała m.in. w spektaklach La Tour de Constance w reżyserii Guillaume’a Vincenta oraz Dreamers II Pascala Ramberta.
Dofinansowano ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego pochodzących z Funduszu Promocji Kultury – państwowego funduszu celowego.
Możliwość zakupu biletu OzN uprawniającego do wstępu na wydarzenie wraz z osobą towarzyszącą
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Aula Artis
DYSTANS
17:00
/ Teatr
Aula Artis
czytaj więcej
26.06/piątek
Francuski duet The Blaze wystąpi 26 czerwca na Scenie Muzycznej Malta Festival. Guillaume i Jonathan Alric zdobyli międzynarodową rozpoznawalność dzięki nagradzanym teledyskom do utworów Virile i Territory, które przyciągnęły miliony widzów na całym świecie. Ich twórczość od początku rozwija się w ścisłym związku z obrazem – artyści sami reżyserują swoje wideoklipy, traktując je jako integralną część muzyki.
Charakterystyczne brzmienie The Blaze opiera się na hipnotycznych syntezatorach, głębokich wokalach i stopniowo budowanym napięciu. W ich utworach elektronika spotyka się z emocjonalną narracją, a muzyka i obraz tworzą spójną opowieść o wspólnocie, ruchu i doświadczeniu współczesnego miasta.
Francuski duet The Blaze należy dziś do najbardziej rozpoznawalnych projektów współczesnej sceny elektronicznej, łączących muzykę z filmową narracją obrazu.
Projekt The Blaze powstał na styku muzyki elektronicznej i obrazu filmowego. Guillaume i Jonathan Alric od początku rozwijają swoją twórczość w dwóch równoległych językach – dźwięku i wizualności – traktując wideoklipy nie jako dodatek do muzyki, lecz jej integralną część. To właśnie dzięki nim duet szybko zwrócił uwagę międzynarodowej publiczności.
Przełom przyniosły nagradzane klipy Virile oraz Territory, które zdobyły niemal sto milionów wyświetleń i stały się jednym z najbardziej rozpoznawalnych przykładów współczesnej narracji muzyczno-filmowej. W swoich pracach The Blaze łączą minimalistyczną elektronikę z emocjonalną dramaturgią obrazu, tworząc opowieści o wspólnocie, pamięci i doświadczeniu bycia razem.
Muzyka duetu opiera się na pulsujących syntezatorach, głębokich wokalach i powoli budowanym napięciu. Ich utwory rozwijają się stopniowo, pozwalając dźwiękom i rytmom wybrzmieć w przestrzeni. To elektronika skupiona na emocji i atmosferze, w której taniec i kontemplacja funkcjonują obok siebie.
O ARTYSTACH:
Wokale brzmią jak mantra – przenikające i niemal mistyczne. To charakterystyczne brzmienie The Blaze, dzięki któremu francuski duet dotarł do publiczności na całym świecie. Na swoim drugim albumie „Jungle” artyści wracają z nowymi doświadczeniami zebranymi podczas podróży koncertowych po różnych krajach, rozwijając zarówno swoją muzykę, jak i warstwę wizualną. W przypadku The Blaze te dwa elementy są nierozłączne i wzajemnie od siebie zależne. Tworzą muzykę wyraźnie osadzoną w elektronice, która istnieje w ścisłym związku z obrazem – wideoklipami realizowanymi w całości przez nich samych, często osadzonymi w miejskich „dżunglach”, będących niewyczerpanym źródłem życia i inspiracji.
Duet powstał w 2016 roku, a tworzą go Guillaume i Jonathan Alric – artyści wywodzący się ze świata filmu i fotografii. The Blaze szybko zwrócili na siebie uwagę, gdy ukazał się teledysk do utworu „Virile”, a wkrótce potem „Territory” z EP-ki o tym samym tytule. Oba klipy zdobyły wiele nagród i zgromadziły łącznie niemal 100 milionów wyświetleń. Przyciągnęły zarówno publiczność, jak i krytyków, szczególnie dzięki scenom wspólnoty i emocjonalnej bliskości między bohaterami. Głębokie wokale, brzmiące jakby pochodziły z najgłębszych pokładów duszy, dopełniają dopracowane, syntetyczne brzmienia, budując poczucie jedności. Następnie pojawiły się teledyski do utworów „Queens” oraz „Heaven”, które zapowiadały debiutancki album „Dancehall”, umacniając pozycję duetu na międzynarodowej scenie muzycznej.
Na albumie „Jungle” producenci – prywatnie kuzyni – postanowili poszerzyć swoją paletę środków wyrazu, nie rezygnując przy tym z własnej estetyki. Pierwszy singiel „Dreamer” pozostaje wierny ich charakterystycznemu stylowi. Nawiązuje do powrotu do korzeni, podobnie jak w teledysku do „Territory”, który przyniósł im rozpoznawalność. Artyści ponownie skupiają się na opowiadaniu historii ludzi funkcjonujących na marginesach społecznych. W roli głównej występuje Birane Ba, aktor Comédie Française, który wnosi do tej roli determinację i poczucie uwolnienia. „Szukamy ludzkiego wymiaru w miejscach, które zwykle wyobrażamy sobie jako mniej szczęśliwe. To właśnie tam odnajdujemy poezję i kontrasty” – tłumaczą Guillaume i Jonathan.
Nowy album opiera się na charakterystycznym, lekko przesuniętym rytmie tworzonym na syntezatorach, które działają jak powracający elektroniczny motyw – baza, wokół której The Blaze budują swoją muzyczną opowieść. Doskonale słychać to w singlu „Clash”, powolnej, popowej kompozycji pełnej optymizmu. Duet eksperymentuje również z różnymi fakturami wokalnymi, chętnie sięgając po harmonie, śpiew unisono oraz niemal inkantacyjne solowe partie. To nowe podejście wyraźnie słychać także w utworze „Lonely”, w którym szczególną uwagę poświęcono subtelnej melodii i poruszającym progresjom akordów.
Czasem jednak ich naturalne brzmienie powraca z jeszcze większą siłą, z wokalami splecionymi w unisonie – jak w utworze „Madly”. To kompozycja zbudowana wokół stopniowego narastania napięcia, w której wyraźnie słychać wpływ koncertowych doświadczeń zespołu. „Pracując nad tym albumem, wyobrażaliśmy sobie przede wszystkim, jak nasza muzyka zabrzmi na żywo. Podróże, kontakt z publicznością i obserwowanie jej reakcji popchnęły nas w stronę tej estetyki” – mówią artyści. W ich wypowiedziach pojawia się chwilowa przejrzystość, która szybko ustępuje miejsca mrokowi i tajemnicy obecnym w utworach „Siren” i „Haze”.
Na albumie „Jungle” The Blaze kontynuują także swoją fascynację ruchem. Na okładce płyty miasto przypomina ogromną falę – jest wszędzie jednocześnie. W samym środku tej energii kryją się jednak intymne historie, które tak bardzo inspirują obu muzyków. Fotograf Pablo López Luz uchwycił na zdjęciu esencję i szaleństwo miasta Meksyk – ogromnego miasta będącego symbolem miejsc, przez które się przechodzi, które się opuszcza, odnajduje lub w których można się zagubić. Wszystko to odnaleźć można w muzyce The Blaze – w opowieści o współczesnym świecie, której duet nadaje swój niepowtarzalny charakter.
Program koncertowy Malta Festival potrwa cztery dni, a każdego dnia na scenie zobaczymy aż trzy koncerty.
25.06 – MARO, Devendra Banhart, Benjamin Clementine
26.06 – HAAi, The Blessed Madonna, The Blaze (DJ-set)
27.06 – Efterklang, Charlie Cunningham, Beirut
28.06 – King No-One, Kacperczyk, Two Door Cinema Club
Bilety w sprzedaży na eBilet.pl
Dokładną czasówkę podamy bliżej wydarzenia.
Możliwość zakupu biletu OzN uprawniającego do wstępu na wydarzenie wraz z osobą towarzyszącą
Dostępny sektor – aby skorzystać z dostępnego sektora należy posiadać bilet OzN lub zgłosić potrzebę skorzystania z miejsca siedzącego wysyłając maila na adres: natalia.dabrowska@malta-festival.pl i otrzymać z ww. adresu potwierdzenie rezerwacji miejsca
THE BLAZE (DJ-SET)
/ Muzyka, Koncert
MTP
czytaj więcej
The Blessed Madonna wystąpi 26 czerwca na Malta Festival. Jedna z najważniejszych postaci współczesnej sceny klubowej, znana wcześniej jako The Black Madonna, od lat kształtuje jej brzmienie i sposób myślenia o muzyce.
Jej sety nie zatrzymują się na jednym gatunku – swobodnie poruszają się między house’em, disco i techno, budując napięcie tam, gdzie inni wybierają oczywiste rozwiązania. The Blessed Madonna łączy klubową energię z wyraźnym autorskim głosem, tworząc doświadczenie, które wykracza poza sam parkiet.
The Blessed Madonna należy dziś do najważniejszych postaci globalnej sceny klubowej. Jej działalność obejmuje zarówno DJ-ing i produkcję muzyczną, jak i aktywne kształtowanie współczesnej kultury klubowej jako przestrzeni wspólnoty, ekspresji i zmiany.
Jej sety charakteryzuje płynność i swoboda poruszania się między gatunkami. House, disco i techno nie funkcjonują tu jako oddzielne style, lecz jako elementy jednej, dynamicznej narracji. The Blessed Madonna buduje swoje występy poprzez napięcie, kontrasty i intuicyjne przejścia, tworząc doświadczenie, które rozwija się w czasie i reaguje na energię publiczności.
Artystka występowała na największych festiwalach świata, takich jak Glastonbury, Coachella czy Tomorrowland. Współpracowała m.in. z Duą Lipą, tworząc album Club Future Nostalgia, oraz z Kylie Minogue. Razem z Fred again.. odpowiada za utwór Marea (We’ve Lost Dancing), który w czasie pandemii stał się jednym z najbardziej rozpoznawalnych i symbolicznych utworów współczesnej elektroniki.
Jej twórczość łączy intensywność klubowego doświadczenia z refleksją nad jego znaczeniem. Muzyka nie jest tu jedynie narzędziem rozrywki, lecz także sposobem budowania relacji, kontekstu i wspólnoty. Występ na Malta Festival będzie pierwszą okazją, by zobaczyć The Blessed Madonnę na żywo w Polsce w pełnym, festiwalowym wymiarze.
Program koncertowy Malta Festival potrwa cztery dni, a każdego dnia na scenie zobaczymy aż trzy koncerty.
25.06 – MARO, Devendra Banhart, Benjamin Clementine
26.06 – HAAi, The Blessed Madonna, The Blaze (DJ-set)
27.06 – Efterklang, Charlie Cunningham, Beirut
28.06 – King No-One, Kacperczyk, Two Door Cinema Club
Bilety w sprzedaży na eBilet.pl
Dokładną czasówkę podamy bliżej wydarzenia.
Możliwość zakupu biletu OzN uprawniającego do wstępu na wydarzenie wraz z osobą towarzyszącą
Dostępny sektor – aby skorzystać z dostępnego sektora należy posiadać bilet OzN lub zgłosić potrzebę skorzystania z miejsca siedzącego wysyłając maila na adres: natalia.dabrowska@malta-festival.pl i otrzymać z ww. adresu potwierdzenie rezerwacji miejsca
THE BLESSED MADONNA
/ Muzyka, Koncert
MTP
czytaj więcej
HAAi wystąpi 26 czerwca na Malta Festival. Australijska DJ-ka i producentka w krótkim czasie stała się jedną z najważniejszych postaci nowej elektroniki, wypracowując własny, rozpoznawalny język muzyczny.
Jej sety rozwijają się stopniowo – od hipnotycznych, rozciągniętych form po momenty wyraźnie klubowej intensywności. HAAi tworzy narracje oparte na rytmie, napięciu i płynnych przejściach, które prowadzą słuchaczy przez kolejne warstwy dźwięku.
HAAi to australijska DJ-ka i producentka, która w ostatnich latach wyraźnie zaznaczyła swoją obecność na międzynarodowej scenie elektronicznej. Jej twórczość rozwija się na styku różnych estetyk – od bardziej hipnotycznych i eksperymentalnych form po intensywne, klubowe brzmienia.
Charakterystyczną cechą jej setów jest płynność i stopniowe budowanie dramaturgii. HAAi prowadzi słuchaczy przez kolejne fazy dźwięku, pozwalając muzyce rozwijać się w czasie, bez gwałtownych zmian i oczywistych punktów kulminacyjnych. Jej występy opierają się na intuicji, rytmie i precyzyjnie wyczuwalnej energii przestrzeni.
Artystka współpracowała m.in. z Fred again.. i Jonem Hopkinsem, pojawiając się również w ich projektach. Występowała na najważniejszych festiwalach muzycznych, takich jak Glastonbury czy Primavera Sound, szybko zdobywając uznanie zarówno publiczności, jak i krytyków.
HAAi należy do pokolenia artystów, którzy redefiniują współczesną elektronikę – traktując ją jako przestrzeń otwartą, elastyczną i nieograniczoną jednym gatunkiem. Jej występ na Malta Festival otworzy wieczór poświęcony elektronice, wprowadzając publiczność w jego pierwszą, hipnotyczną fazę.
Program koncertowy Malta Festival potrwa cztery dni, a każdego dnia na scenie zobaczymy aż trzy koncerty.
25.06 – MARO, Devendra Banhart, Benjamin Clementine
26.06 – HAAi, The Blessed Madonna, The Blaze (DJ-set)
27.06 – Efterklang, Charlie Cunningham, Beirut
28.06 – King No-One, Kacperczyk, Two Door Cinema Club
Bilety w sprzedaży na eBilet.pl
Dokładną czasówkę podamy bliżej wydarzenia.
Możliwość zakupu biletu OzN uprawniającego do wstępu na wydarzenie wraz z osobą towarzyszącą
Dostępny sektor – aby skorzystać z dostępnego sektora należy posiadać bilet OzN lub zgłosić potrzebę skorzystania z miejsca siedzącego wysyłając maila na adres: natalia.dabrowska@malta-festival.pl i otrzymać z ww. adresu potwierdzenie rezerwacji miejsca
HAAi
/ Muzyka, Koncert
MTP
czytaj więcej
Kulminacyjnym wydarzeniem programu teatralnego Malta Festival będzie The Second Woman, polska odsłona jednego z najgłośniejszych projektów współczesnego teatru ostatnich lat, autorstwa Nat Randall i Anny Breckon. To 24-godzinny spektakl na jedną aktorkę – Magdalenę Cielecką – i 100 mężczyzn wyłonionych w drodze otwartego naboru. Projekt prezentowany był wcześniej m.in. w Londynie, Nowym Jorku, Wiedniu i Barcelonie.
To wciągające przedstawienie, w którym aktorka powtarza tę samą scenę rozstania sto razy, za każdym razem z innym partnerem scenicznym. Spektakl angażuje 100 uczestników wyłonionych w otwartym naborze. Zapraszamy do zgłoszeń! [link]
The Second Woman rozgrywa się w czasie rzeczywistym przez 24 godziny. Struktura spektaklu opiera się na powtarzalności jednej sytuacji scenicznej – krótkiego spotkania dwojga ludzi w momencie rozstania. Każda odsłona trwa około dziesięciu minut i realizowana jest z innym partnerem scenicznym, bez prób i wcześniejszych ustaleń.
W kulminacyjnym momencie każdej sceny partner aktorki podejmuje decyzję: wypowiada zdanie „zawsze cię kochałem” albo „nigdy cię nie kochałem”. Powtarzalność tej samej sytuacji nie prowadzi do ujednolicenia, lecz odsłania różnice w zachowaniu, emocjach i dynamice relacji, przekształcając spektakl w proces badania bliskości, władzy i komunikacji.
Istotnym elementem projektu jest jego otwarta forma. Spektakl powstaje na żywo, w relacji między aktorką a kolejnymi partnerami scenicznymi, a jego przebieg pozostaje nieprzewidywalny. Widzowie mogą obserwować zarówno pojedyncze odsłony, jak i dłuższe fragmenty, śledząc narastanie napięcia, zmęczenia i znaczeń wynikających z powtórzenia.
Akcja jest rejestrowana przez kamery i transmitowana na ekran, co umożliwia równoległe doświadczenie sceny w skali mikro – poprzez detale gestów, spojrzeń i reakcji – oraz w długim trwaniu całego performansu.
Projekt Nat Randall i Anny Breckon był prezentowany m.in. w Brooklyn Academy of Music w Nowym Jorku, podczas Holland Festival w Amsterdamie oraz Wiener Festwochen. W każdej realizacji spektakl funkcjonował jako lokalnie zakorzeniony eksperyment performatywny, ujawniający odmienne napięcia i konteksty społeczne.
W poznańskiej odsłonie udział weźmie 100 uczestników wyłonionych w drodze otwartego naboru. Nie jest wymagane doświadczenie aktorskie – kluczowa pozostaje gotowość do wejścia w krótką, intensywną sytuację sceniczną.
Casting: [link]
Nabór trwa do 17 kwietnia 2026.
Najważniejsze informacje:
Spektakl trwa 24 godziny bez przerwy.
Bilet uprawnia do wejścia w określonym slocie czasowym lub od początku (bilet 24-godzinny).
Po wejściu w ramach własnego slotu czasowego widz może pozostać do końca spektaklu.
Widz może opuścić salę na maksymalnie 30 minut, po pobraniu kuponu kontrolnego.
W przypadku posiadania biletu slotowego, po wyjściu na czas dłuższy niż 30 minut widz traktowany jest jak nowo przybyły i jego bilet traci ważność, z zastrzeżeniem że pozostaje ważny, jeśli powrót nastąpi w godzinach przypisanych do danego slotu.
Wejście do sali możliwe jest wyłącznie w między scenami, co ok. 10 min.
W przypadku osiągnięcia maksymalnej liczby osób na sali wejście może zostać czasowo wstrzymane. Obowiązuje kolejka + priority line dla posiadaczy biletów 24-godzinnych.
Zakup biletu oznacza akceptację regulaminu.
Na wydarzenie obowiązują dwa typy biletów.
Przeczytaj zanim kupisz:
FAQ: link
Regulamin: link
_______________
Dofinansowano ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego pochodzących z Funduszu Promocji Kultury – państwowego funduszu celowego.
Wejście do Sali Ziemi znajduje się od ul. Śniadeckich. Prosimy iść chodnikiem po prawej stronie od bramy nr 1 do wejścia B, które jest na tyłach budynku z napisem „Garden”
Możliwość zakupu biletu OzN uprawniającego do wstępu na wydarzenie wraz z osobą towarzyszącą
Tłumaczenie w Polskim Języku Migowym: 26.06.2026 w godz. 21:00-24:00 oraz 27.06.2026 w godz. 09:00-12:00
Możliwość wejścia i wyjścia podczas spektaklu co ok. 10 minut, między zmianami scen. Podczas wyjścia na przerwę konieczność pobrania kuponu kontrolnego u obsługi przy drzwiach.
Obostrzenia dotyczące wnoszenia jedzenia i picia – osoby, które ze względów zdrowotnych (np. choroby przewlekłe) muszą spożywać własne produkty prosimy o uprzednie zgłoszenie takiej potrzeby na adres e-mail: natalia.dabrowska@malta-festival.pl do dnia 19.06.2026. Zgoda na wniesienie prowiantu na teren wydarzenia zostanie potwierdzona zwrotną wiadomością e-mail.
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Sala Ziemi
THE SECOND WOMAN (24H)
18:00
/ Teatr
Sala Ziemi
czytaj więcej
27.06/sobota
Beirut, projekt Zacha Condona – kompozytora, wokalisty i multiinstrumentalisty – rozpoczął swoją drogę od Gulag Orkestar (2006), który przyniósł mu natychmiastową i międzynarodową rozpoznawalność. Nagrany praktycznie samodzielnie, pełen bałkańskich inspiracji, nostalgii i zręcznie budowanych aranżacji, do dziś uznawany jest za jedno z najważniejszych wydawnictw w muzyce niezależnej. Dzięki niemu dał się poznać charakterystyczny styl Condona – ciepły, akustyczny, emocjonalny i głęboko zakorzeniony w umiłowaniu instrumentów z odległych, często kulturowo, punktów na mapie świata.
W kolejnych latach Beirut rozwijał swoje muzyczne uniwersum – od orkiestralnych aranżacji The Flying Club Cup (2007), przez minimalistyczną intymność No No No (2015), po nastrojowy, inspirowany podróżami po Europie, nagrany na odległej norweskiej wyspie i nazwany na jej cześć album Hadsel (2023).
Najświeższy rozdział w twórczości Condona, A Study of Losses (2025), to niezwykle przestrzenne brzmienie zanurzone w chórach i renesansowych harmoniach. Album powstał na zaproszenie szwedzkiego cyrku Kompani Giraff jako ilustracja do ich spektaklu inspirowanego książką An Inventory of Losses Judith Schalansky. A Study of Losses, to muzyczna ilustracja, dialog z pamięcią, melancholią i światłem. Wydawnictwo, jest jednocześnie najbardziej rozbudowanym dziełem Condona i naturalnym rozwinięciem niezwykle ciepłego i bogatego instrumentalnie brzmienia, z którego jest znany i ceniony.
Beirut powraca na scenę Malta Festival w wielkim stylu, artysta zagrał tu w swój pierwszy koncert w Polsce w 2007 roku.
Program koncertowy Malta Festival potrwa cztery dni, a każdego dnia na scenie zobaczymy aż trzy koncerty.
25.06 – MARO, Devendra Banhart, Benjamin Clementine
26.06 – HAAi, The Blessed Madonna, The Blaze (DJ-set)
27.06 – Efterklang, Charlie Cunningham, Beirut
28.06 – King No-One, Kacperczyk, Two Door Cinema Club
Bilety w sprzedaży na eBilet.pl
Dokładną czasówkę podamy bliżej wydarzenia.
Możliwość zakupu biletu OzN uprawniającego do wstępu na wydarzenie wraz z osobą towarzyszącą
Dostępny sektor – aby skorzystać z dostępnego sektora należy posiadać bilet OzN lub zgłosić potrzebę skorzystania z miejsca siedzącego wysyłając maila na adres: natalia.dabrowska@malta-festival.pl i otrzymać z ww. adresu potwierdzenie rezerwacji miejsca
BEIRUT
/ Muzyka, Koncert
MTP
czytaj więcej
Charlie Cunningham po raz pierwszy wystąpi w Polsce podczas Malta Festival. 27 czerwca brytyjski wokalista i gitarzysta pojawi się na scenie muzycznej festiwalu w Międzynarodowych Targach Poznańskich, prezentując swoje charakterystyczne połączenie subtelnej gry na gitarze klasycznej z melancholijną, rytmiczną formą piosenki. Jego utwory zgromadziły ponad pół miliarda odtworzeń w serwisach streamingowych, a sam artysta regularnie występuje w najbardziej prestiżowych salach koncertowych w Europie.
Muzyka Cunninghama rozwija się na styku akustycznej wrażliwości i współczesnego songwritingu. W jego kompozycjach subtelne aranżacje i oszczędna produkcja łączą się z wyrazistymi melodiami i charakterystycznym, ciepłym brzmieniem gitary, tworząc intymną, skupioną atmosferę koncertu.
W sobotni wieczór Charlie Cunningham pojawi się na scenie przed koncertem Beirut.
Charlie Cunningham jest jednym z najciekawszych współczesnych brytyjskich songwriterów, łączącym akustyczną wrażliwość z nowoczesną formą piosenki.
Muzyka Charliego Cunninghama rozwija się na styku akustycznej subtelności i współczesnego songwritingu. Brytyjski artysta buduje swoje utwory wokół brzmienia gitary nylonowej, tworząc kompozycje o wyraźnie prowadzonym rytmie, a zarazem melancholijnym, introspektywnym charakterze.
Istotny wpływ na jego styl miał kilkuletni pobyt w Sewilli, gdzie Cunningham intensywnie pracował nad techniką gitarową i zetknął się z tradycją flamenco. Doświadczenie to pozostawiło ślad w jego twórczości – w sposobie prowadzenia melodii, rytmice utworów i charakterystycznym brzmieniu instrumentu.
Jego kompozycje rozwijają się w spokojnym tempie, opierając się na oszczędnych aranżacjach i wyraźnej relacji między głosem a instrumentem. Dzięki temu koncerty Cunninghama mają kameralny, skupiony charakter, w którym najważniejsze staje się napięcie między ciszą a dźwiękiem. Koncert na Malta Festival będzie pierwszą okazją, by usłyszeć go na żywo w Polsce.
O ARTYŚCIE:
Charlie Cunningham jest jednym z tych artystów, których sukces rozwijał się niemal poza głównym nurtem. Dzieląc czas między fortepian a gitarę klasyczną z nylonowymi strunami, tworzy melancholijne, a jednocześnie rytmiczne piosenki, dzięki którym stał się stałym gościem najbardziej prestiżowych sal koncertowych w Europie.
Choć z powodu dysleksji czytanie nut było dla niego niemal niemożliwe, Cunningham ukończył studia muzyczne. Około dwudziestego piątego roku życia pracował w różnych dorywczych zawodach, a w wolnym czasie pisał piosenki. Przełomem okazała się przeprowadzka do Sewilli, gdzie zanurzył się w świecie flamenco i intensywnie rozwijał swoją technikę gitarową. Planował zostać tam trzy miesiące – został trzy lata. Po powrocie do domu grał w barach w Londynie i Oksfordzie, stopniowo wracając do pisania własnych piosenek. Od tego czasu wydał trzy albumy i cztery EP-ki, które łącznie zgromadziły ponad pół miliarda odtworzeń w serwisach streamingowych.
Jego najnowszy album In Light to subtelne połączenie organicznej, pulsującej produkcji, wyrazistych melodii i charakterystycznej, mistrzowskiej gry na gitarze. Aranżacje są oszczędne, ale pełne dynamiki – naturalnie podążają za jego głosem, pojawiają się w nich nieoczekiwane zmiany tonacji, momenty delikatnego przesteru i nastrojowe, przestrzenne brzmienia. Przy płycie współpracowali m.in. Leo Abrahams (znany ze współpracy z Brianem Eno), który dograł partie gitary elektrycznej, perkusista Liam Hutton, a za produkcję i miks odpowiada Luke Smith (Keaton Henson, Foals, Everything Everything). Za oprawę wizualną albumu odpowiada Gary Barber.
Program koncertowy Malta Festival potrwa cztery dni, a każdego dnia na scenie zobaczymy aż trzy koncerty.
25.06 – MARO, Devendra Banhart, Benjamin Clementine
26.06 – HAAi, The Blessed Madonna, The Blaze (DJ-set)
27.06 – Efterklang, Charlie Cunningham, Beirut
28.06 – King No-One, Kacperczyk, Two Door Cinema Club
Bilety w sprzedaży na eBilet.pl
Dokładną czasówkę podamy bliżej wydarzenia.
Możliwość zakupu biletu OzN uprawniającego do wstępu na wydarzenie wraz z osobą towarzyszącą
Dostępny sektor – aby skorzystać z dostępnego sektora należy posiadać bilet OzN lub zgłosić potrzebę skorzystania z miejsca siedzącego wysyłając maila na adres: natalia.dabrowska@malta-festival.pl i otrzymać z ww. adresu potwierdzenie rezerwacji miejsca
CHARLIE CUNNINGHAM
/ Muzyka, Koncert
MTP
czytaj więcej
Efterklang wystąpi 27 czerwca na Malta Festival. Duński kolektyw od ponad dwóch dekad rozwija swoją muzykę w oparciu o współpracę i nieustanne poszukiwanie nowych kierunków.
Na przestrzeni lat zespół stopniowo rozwijał swoje brzmienie, sięgając po elementy popu, indie rocka, post-rocka i elektroniki. W centrum ich twórczości pozostaje relacja między dźwiękiem, przestrzenią i wspólnotą. Elektronika, instrumenty akustyczne i wielowarstwowe wokale łączą się tu w kompozycje, które rozwijają się powoli i naturalnie.
To właśnie koncerty najlepiej pokazują ten sposób myślenia o muzyce. Efterklang buduje na scenie wyraźną więź z publicznością, a utwory rozwijają się tam w sposób dynamiczny i angażujący.
Efterklang to duński zespół założony w 2000 roku przez Madsa Brauera, Caspera Clausena i Rasmusa Stolberga. Od początku swojej działalności funkcjonuje jako projekt otwarty – z wyraźnym rdzeniem, ale stale poszerzany o nowych współpracowników i konteksty.
Na przestrzeni kolejnych albumów zespół konsekwentnie redefiniował swoje brzmienie, sięgając po elementy popu, muzyki elektronicznej, indie rocka i post-rocka. W ostatnich latach – szczególnie od płyty Altid Sammen – ich język muzyczny stał się bardziej oszczędny i bezpośredni, koncentrując się na relacjach: między ludźmi, naturą i wspólnotą. Najnowszy album Things We Have In Common rozwija ten kierunek, skupiając się na doświadczeniu przynależności i wspólnego przeżywania.
Charakterystyczną cechą Efterklang pozostaje sposób pracy – oparty na dialogu i współtworzeniu. W procesie powstawania nowych utworów istotną rolę ponownie odegrał Rune Mølgaard, współtwórca wczesnych płyt zespołu, który powrócił jako kompozytor i współautor części materiału. Do nagrań zapraszani są również muzycy z różnych środowisk, co wpływa na otwartą, wielowarstwową strukturę ich kompozycji.
Koncerty Efterklang mają formę dynamicznych, rozwijających się w czasie struktur – łączą nowe utwory z materiałem z wcześniejszych płyt i pozostawiają przestrzeń na improwizację oraz zmianę formy. Zespół występuje w poszerzonym składzie, a ich występy budowane są na relacji z publicznością i wspólnym doświadczeniu słuchania.
Program koncertowy Malta Festival potrwa cztery dni, a każdego dnia na scenie zobaczymy aż trzy koncerty.
25.06 – MARO, Devendra Banhart, Benjamin Clementine
26.06 – HAAi, The Blessed Madonna, The Blaze (DJ-set)
27.06 – Efterklang, Charlie Cunningham, Beirut
28.06 – King No-One, Kacperczyk, Two Door Cinema Club
Bilety w sprzedaży na eBilet.pl
Dokładną czasówkę podamy bliżej wydarzenia.
Możliwość zakupu biletu OzN uprawniającego do wstępu na wydarzenie wraz z osobą towarzyszącą
Dostępny sektor – aby skorzystać z dostępnego sektora należy posiadać bilet OzN lub zgłosić potrzebę skorzystania z miejsca siedzącego wysyłając maila na adres: natalia.dabrowska@malta-festival.pl i otrzymać z ww. adresu potwierdzenie rezerwacji miejsca
EFTERKLANG
/ Muzyka, Koncert
MTP
czytaj więcej
This resting, patience Ewy Dziarnowskiej to trzygodzinny spektakl choreograficzny funkcjonujący na styku performansu i instalacji. Od premiery w berlińskim Sophiensæle praca była prezentowana na najważniejszych festiwalach i scenach tańca w Europie, a pokaz na Malta Festival będzie jej pierwszą prezentacją w Polsce. Spektakl odchodzi od klasycznego modelu oglądania tańca, proponując doświadczenie oparte na trwaniu w czasie, a nie na narracji czy zamkniętej dramaturgii.
Dziarnowska buduje otwartą strukturę, w której sens wyłania się z uważnej obserwacji ruchu i relacji między ciałami. Performerki pozostają w nieustannym ruchu, a brak wyraźnego początku i zakończenia przesuwa akcent z oglądania widowiska na współobecność i wspólne doświadczanie czasu. Relacja między tancerkami a widzami opiera się na bliskości i uważności, stopniowo rozluźniając granicę między sceną a publicznością.
Ciało staje się tu narzędziem relacji – z innymi, z przestrzenią i z własnym doświadczeniem czasu. Powracający motyw piosenki What the World Needs Now buduje napięcie między nostalgią a intensywnością ruchu. This resting, patience proponuje taniec jako praktykę uważności i kolektywnego trwania.
BIOGRAMY
Ewa Dziarnowska
Artystka, choreografka i performerka mieszkająca w Berlinie. Pracuje na styku tańca, performansu i praktyki badawczej, rozwijając improwizację jako metodę twórczą i sposób myślenia o pracy z ciałem. Jej praktyka koncentruje się na relacji, rytmie, uważności i doświadczeniu czasu, a także na pytaniach o społeczne i estetyczne ramy, w których taniec powstaje i funkcjonuje. Swoje prace prezentowała na festiwalach i w instytucjach sztuki w całej Europie, m.in. w Sophiensæle w Berlinie, Tanzquartier Wien w Wiedniu, Santarcangelo Festival, MDT Moderna Dansteatern w Sztokholmie, czy na Festiwalu Mind Eater w Oslo. Jako performerka pracowała m.in. z Alexem Baczyńskim-Jenkinsen, Michele Rizzo, Enadem Maroufem i Eleną Francalanci. Jest autorką projektów choreograficznych i performatywnych, w tym This resting, patience, który od premiery w berlińskim Sophiensæle ugruntował jej pozycję na międzynarodowej scenie tańca współczesnego.
Leah Marojević
Performerka, choreografka, dramaturżka i mentorka artystyczna, pracująca w obszarze tańca współczesnego i performansu. Jej praktyka obejmuje choreografię, performans, działalność pedagogiczną oraz wsparcie i mentoring innych artystów. Realizowała zamówienia choreograficzne m.in. dla Sydney Dance Company (Pre-Professional Year, 2019), London Contemporary Dance School (Graduating Season, 2020), Mass Hysteria Collective (2020) oraz w ramach współpracy z Matilde Cerruti Quara Jupiter Woods (2020). Jako performerka i współtwórczyni współpracowała z wieloma artystami i choreografami międzynarodowej sceny tańca i sztuk wizualnych, m.in. Colette Sadler, Olą Maciejewską, Theo Clinkardem, Jeftą van Dintherem, Megan Rooney, Ewą Dziarnowską, Pauliną Ołowską, Emmilou Rößling, Sarah Browne, Samem Williamsem, Holly Blakey, Joe Moranem oraz zespołem Candoco Dance Company. W 2019 roku współtworzyła The Elsewhen Series we współpracy z Theo Clinkardem, a wcześniej brała udział w realizacjach dla Tanztheater Wuppertal Pina Bausch (2015), Danza Contemporánea de Cuba (2016) oraz Candoco Dance Company (2019).
Krzysztof Bagiński
Artysta dźwiękowy i organizator związany z Polską. Jest współkuratorem cyklu eksperymentalnych koncertów W Brzask (At Dawn) w Warszawie. W swojej praktyce koncentruje się na pracy z dźwiękiem w kontekście choreografii, performansu i działań interdyscyplinarnych. Jako twórca dźwięku blisko współpracuje z artystami tańca i performansu, tworząc kompozycje i środowiska dźwiękowe dla projektów prezentowanych w Polsce i za granicą.
Jacqueline Sobiszewski
Artystka wizualna pracująca z światłem, wideo, filmem i fotografią. Urodzona i wychowana w Niderlandach, absolwentka Wydziału Operatorskiego Państwowej Wyższej Szkoły Filmowej, Telewizyjnej i Teatralnej w Łodzi. W swojej pracy łączy różne techniki wizualne, poszukując nowych języków obrazu w teatrze, performansie, muzyce i sztukach wizualnych, współpracując z reżyserami, choreografami i muzykami oraz realizując projekty autorskie. Jej realizacje były prezentowane m.in. w Nowym Jorku, Los Angeles, Sydney, Londynie, Paryżu, Wiedniu, Madrycie, Lizbonie oraz São Paulo. Była nagradzana i wyróżniana za projekty światła w teatrze międzynarodowym, m.in. za realizację światła do Medei w reżyserii Grzegorza Jarzyny (nagroda na 15. Międzynarodowym Festiwalu Teatrów Małych Form w Rijece, spektakl nagrodzony także austriacką Nagrodą Nestroy) oraz za stworzenie spójnego krajobrazu wizualnego w ramach Międzynarodowego Festiwalu Teatralnego Boska Komedia.
Możliwość zakupu biletu OzN uprawniającego do wstępu na wydarzenie wraz z osobą towarzyszącą
Możliwość wejścia i wyjścia w dowolnym momencie spektaklu
Widownia jest mobilna – publiczności oferowane są różne miejsca na widowni. Performerzy przestawiają krzesła, dodają je lub usuwają wśród widzów. Jeśli chcesz pozostać w jednym miejscu zajmij miejsce pod ścianą. Krzesła ustawione przy ścianach najprawdopodobniej nie będą przestawiane
W jednej części przedstawienia może pojawić się kontakt fizyczny w zwolnionym tempie z publicznością (np. położenie głowy performerki na stopie lub kolanach widza)
W spektaklu wykorzystywana jest głośna muzyka i dźwięk. Sporadycznie mogą występować nagłe zmiany głośności.
Wykorzystywane jest zarówno jasne, jak i ciemne oświetlenie
Może być używane migoczące światło (bez efektu stroboskopowego)
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Stary Browar. Słodownia +3
THIS RESTING, PATIENCE
19:00
/ Taniec
Stary Browar. Słodownia +3
czytaj więcej
28.06/niedziela
Pochodzący z Bangor i Donaghadee w Irlandii Północnej Two Door Cinema Club po raz pierwszy zwrócili na siebie uwagę debiutanckim albumem Tourist History (2010), który zawierał takie single jak What You Know, Something Good Can Work i Undercover Martyn, łączące gitarowe, postpunkowe riffy z tanecznym, elektronicznym brzmieniem.
Album, wydany w 2010 roku, trafił na pierwsze miejsce listy przebojów w Irlandii, pojawił się na liście BBC Sound of 2010 i stał się globalnie docenionym debiutem, który wyniósł ich z garażu w Bangor, gdzie powstał materiał, na największe festiwalowe sceny świata.
Two Door Cinema Club tworzą wokalista/gitarzysta/programujący Alex Trimble, gitarzysta/wokalista Sam Halliday oraz basista/wokalista Kevin Baird. Trimble i Halliday poznali się w szkole, a następnie połączyli siły z Bairdem dzięki wspólnym znajomym. Trio zaczęło pisać muzykę w garażu rodziców Trimble’a i zrezygnowało ze studiów, aby skupić się na zespole. Ryzyko się opłaciło – samodzielnie wydana debiutancka EP–ka Four Words to Stand On ukazała się w styczniu 2009 roku, zdobywając pozytywne recenzje i zainteresowanie blogów muzycznych, które jeszcze wzrosło po premierze utworu Something Good Can Work.
Po wydaniu Tourist History zespół nadal się rozwijał, osiągając 2. miejsce brytyjskiej listy przebojów dzięki drugiemu albumowi, Beacon (2012), oraz kolejnym wydawnictwom: Gameshow (2016), False Alarm (2019) i Keep on Smiling (2022), które wszystkie znalazły się w pierwszej dziesiątce brytyjskich list, umacniając pozycję zespołu jako globalnej gwiazdy arenowej i headlinera największych festiwali.
Ostatnio, w 2024 roku, zespół wyruszył w wyprzedaną, 30–koncertową trasę po amfiteatrach w Stanach Zjednoczonych, kończąc rok z przytupem podczas wyprzedanej trasy po australijskich arenach, zwieńczonej niezwykłym występem w kultowej Sydney Opera House.
Two Door Cinema Club na trwałe zapisali się w historii jako zespół swoich czasów – ulubieńcy fanów na całym świecie i festiwalowi headlinerzy.
What You Know zostało niedawno uhonorowane przez Spotify miliardem globalnych odtworzeń.
Program koncertowy Malta Festival potrwa cztery dni, a każdego dnia na scenie zobaczymy aż trzy koncerty.
25.06 – MARO, Devendra Banhart, Benjamin Clementine
26.06 – HAAi, The Blessed Madonna, The Blaze (DJ-set)
27.06 – Efterklang, Charlie Cunningham, Beirut
28.06 – King No-One, Kacperczyk, Two Door Cinema Club
Bilety w sprzedaży na eBilet.pl
Dokładną czasówkę podamy bliżej wydarzenia.
Możliwość zakupu biletu OzN uprawniającego do wstępu na wydarzenie wraz z osobą towarzyszącą
Dostępny sektor – aby skorzystać z dostępnego sektora należy posiadać bilet OzN lub zgłosić potrzebę skorzystania z miejsca siedzącego wysyłając maila na adres: natalia.dabrowska@malta-festival.pl i otrzymać z ww. adresu potwierdzenie rezerwacji miejsca
TWO DOOR CINEMA CLUB
/ Muzyka, Koncert
MTP
czytaj więcej
Duet Kacperczyk wystąpi 28 czerwca na Scenie Muzycznej Malta Festival. Bracia Maciek i Paweł Kacperczyk należą dziś do najciekawszych głosów młodej polskiej alternatywy. Od debiutu albumem Sztuki piękne w 2020 roku konsekwentnie rozwijają własny styl, łączący wrażliwość indie z popową energią i charakterystycznym, pokoleniowym językiem tekstów.
Już utwór Iggy z ich debiutanckiej płyty zwrócił uwagę samego Iggy’ego Popa, który wspomniał o duecie w swojej audycji w BBC. Kolejne wydawnictwa przynosiły zespołowi status złotych i platynowych płyt, a album Pokolenie Końca Świata zadebiutował na pierwszym miejscu zestawienia OLiS. W 2025 roku bracia wydali czwarty album WSZYSCY JESTEŚMY KACPERCZYK, promowany największą w ich dotychczasowej karierze halową trasą koncertową.
Na Malcie bracia Kacperczyk wystąpią przed Two Door Cinema Club.
Duet Kacperczyk – tworzony przez braci Maćka i Pawła – należy do najciekawszych głosów młodej polskiej sceny alternatywnej i będzie jedynym polskim akcentem w międzynarodowym line-upie czterech koncertowych dni Malta Festival.
Ich twórczość łączy wrażliwość indie z popową energią i charakterystycznym językiem tekstów, który balansuje między ironią a szczerością. Utwory Kacperczyk często opowiadają o doświadczeniu dorastania i relacjach międzyludzkich, osadzając osobiste historie w szerszym kontekście doświadczenia pokoleniowego. Dzięki temu ich muzyka trafia zarówno do słuchaczy poszukujących intymnych opowieści, jak i do publiczności festiwalowej.
Brzmienie duetu opiera się na energetycznych gitarach, syntezatorach i wyraźnym rytmie, który nadaje ich piosenkom koncertową dynamikę. Na scenie Kacperczyk budują atmosferę bezpośredniego kontaktu z publicznością, w której introspekcja spotyka się z energią wspólnego przeżywania muzyki.
O ARTYŚCIE:
Maciek i Paweł Kacperczyk zadebiutowali w 2020 roku płytą Sztuki piękne, a znajdujący się na debiucie utwór Iggy docenił sam zainteresowany, czyli Iggy Pop, m.in. wspominając o braciach podczas swojej audycji w radiu BBC. W listopadzie 2021 roku, duet powrócił z Kryzysem Wieku Wczesnego – krążek krótko po premierze pokrył się złotem, a chwile później podwójną platyną . Trzeci album pt. Pokolenie Końca Świata ukazał się latem czerwca 2023. Krążek, na którym znajdziemy takie utwory jak Syn okiennika, z gościnnym udziałem Artura Rojka, czy Jakbym zjadł mentosy i popił je colą, zadebiutował na pierwszym miejscu zestawienia OLiS i w pierwszych tygodniach premiery utrzymywał się na 1. miejscu najczęściej słuchanych polskich albumów na Spotify. Po sukcesach wydawniczych, bracia zagrali setki koncertów w całej Polsce, współtworzyli Męskie Granie Orkiestra wspólnie z Darią Zawiałow i Mrozem, a latem 2025 roku wspólnie z Kukonem wystąpili z projektem specjalnym na festiwalu ZORZA. Czwarty album Pawła i Maćka nosi tytuł WSZYSCY JESTEŚMY KACPERCZYK, a jego premiera odbyła się w październiku 2025 roku. Bracia promowali nową płytę podczas swojej największej, pierwszej halowej trasy koncertowej – WSZYSCY JESTEŚMY KACPERCZYK TOUR.
Program koncertowy Malta Festival potrwa cztery dni, a każdego dnia na scenie zobaczymy aż trzy koncerty.
25.06 – MARO, Devendra Banhart, Benjamin Clementine
26.06 – HAAi, The Blessed Madonna, The Blaze (DJ-set)
27.06 – Efterklang, Charlie Cunningham, Beirut
28.06 – King No-One, Kacperczyk, Two Door Cinema Club
Bilety w sprzedaży na eBilet.pl
Dokładną czasówkę podamy bliżej wydarzenia.
Możliwość zakupu biletu OzN uprawniającego do wstępu na wydarzenie wraz z osobą towarzyszącą
Dostępny sektor – aby skorzystać z dostępnego sektora należy posiadać bilet OzN lub zgłosić potrzebę skorzystania z miejsca siedzącego wysyłając maila na adres: natalia.dabrowska@malta-festival.pl i otrzymać z ww. adresu potwierdzenie rezerwacji miejsca
KACPERCZYK
/ Muzyka, Koncert
MTP
czytaj więcej
King No-One wystąpi 28 czerwca na Malta Festival. Brytyjski zespół z Leeds buduje swoją muzykę na styku indie rocka, popu i alternatywy, łącząc chwytliwe melodie z gitarową energią i bezpośrednim brzmieniem.
Ich utwory opierają się na dynamice i wyraźnym przekazie — od bardziej kameralnych momentów po pełne, energetyczne formy. Na scenie King No-One stawia na bliski kontakt z publicznością i intensywność, która szybko udziela się słuchaczom.
King No-One to brytyjski zespół indie rockowy pochodzący z Leeds, działający od 2013 roku, który od początku buduje swoją tożsamość poza głównym nurtem. Ich muzyka wyrasta z doświadczeń i realiów, które znajdują bezpośrednie odbicie w tekstach i brzmieniu – bezpośrednim, szczerym i mocno osadzonym w tym, skąd pochodzą.
Zespół zaczynał od ulicznego grania, a kolejne lata spędził na intensywnym koncertowaniu i wydawaniu singli, zyskując coraz większe grono słuchaczy. To, jak otwarcie podchodzą do własnej tożsamości i tematów, które poruszają, wyraźnie wyróżnia ich na scenie niezależnej.
Ich muzyka łączy elementy indie rocka, popu i alternatywy, opierając się na wyrazistych melodiach, gitarowym brzmieniu i bezpośrednim przekazie. Brzmienie King No-One budują energetyczne riffy, wyraziste rytmy i narracyjne teksty, które nadają utworom emocjonalną intensywność.
Na scenie przekłada się to na koncerty surowe, szczere i bardzo energetyczne – oparte na bliskim kontakcie z publicznością i energii, która szybko udziela się słuchaczom.
Program koncertowy Malta Festival potrwa cztery dni, a każdego dnia na scenie zobaczymy aż trzy koncerty.
25.06 – MARO, Devendra Banhart, Benjamin Clementine
26.06 – HAAi, The Blessed Madonna, The Blaze (DJ-set)
27.06 – Efterklang, Charlie Cunningham, Beirut
28.06 – King No-One, Kacperczyk, Two Door Cinema Club
Bilety w sprzedaży na eBilet.pl
Dokładną czasówkę podamy bliżej wydarzenia.
Możliwość zakupu biletu OzN uprawniającego do wstępu na wydarzenie wraz z osobą towarzyszącą
Dostępny sektor – aby skorzystać z dostępnego sektora należy posiadać bilet OzN lub zgłosić potrzebę skorzystania z miejsca siedzącego wysyłając maila na adres: natalia.dabrowska@malta-festival.pl i otrzymać z ww. adresu potwierdzenie rezerwacji miejsca
KING NO-ONE
/ Muzyka, Koncert
MTP
czytaj więcej
This resting, patience Ewy Dziarnowskiej to trzygodzinny spektakl choreograficzny funkcjonujący na styku performansu i instalacji. Od premiery w berlińskim Sophiensæle praca była prezentowana na najważniejszych festiwalach i scenach tańca w Europie, a pokaz na Malta Festival będzie jej pierwszą prezentacją w Polsce. Spektakl odchodzi od klasycznego modelu oglądania tańca, proponując doświadczenie oparte na trwaniu w czasie, a nie na narracji czy zamkniętej dramaturgii.
Dziarnowska buduje otwartą strukturę, w której sens wyłania się z uważnej obserwacji ruchu i relacji między ciałami. Performerki pozostają w nieustannym ruchu, a brak wyraźnego początku i zakończenia przesuwa akcent z oglądania widowiska na współobecność i wspólne doświadczanie czasu. Relacja między tancerkami a widzami opiera się na bliskości i uważności, stopniowo rozluźniając granicę między sceną a publicznością.
Ciało staje się tu narzędziem relacji – z innymi, z przestrzenią i z własnym doświadczeniem czasu. Powracający motyw piosenki What the World Needs Now buduje napięcie między nostalgią a intensywnością ruchu. This resting, patience proponuje taniec jako praktykę uważności i kolektywnego trwania.
BIOGRAMY
Ewa Dziarnowska
Artystka, choreografka i performerka mieszkająca w Berlinie. Pracuje na styku tańca, performansu i praktyki badawczej, rozwijając improwizację jako metodę twórczą i sposób myślenia o pracy z ciałem. Jej praktyka koncentruje się na relacji, rytmie, uważności i doświadczeniu czasu, a także na pytaniach o społeczne i estetyczne ramy, w których taniec powstaje i funkcjonuje. Swoje prace prezentowała na festiwalach i w instytucjach sztuki w całej Europie, m.in. w Sophiensæle w Berlinie, Tanzquartier Wien w Wiedniu, Santarcangelo Festival, MDT Moderna Dansteatern w Sztokholmie, czy na Festiwalu Mind Eater w Oslo. Jako performerka pracowała m.in. z Alexem Baczyńskim-Jenkinsen, Michele Rizzo, Enadem Maroufem i Eleną Francalanci. Jest autorką projektów choreograficznych i performatywnych, w tym This resting, patience, który od premiery w berlińskim Sophiensæle ugruntował jej pozycję na międzynarodowej scenie tańca współczesnego.
Leah Marojević
Performerka, choreografka, dramaturżka i mentorka artystyczna, pracująca w obszarze tańca współczesnego i performansu. Jej praktyka obejmuje choreografię, performans, działalność pedagogiczną oraz wsparcie i mentoring innych artystów. Realizowała zamówienia choreograficzne m.in. dla Sydney Dance Company (Pre-Professional Year, 2019), London Contemporary Dance School (Graduating Season, 2020), Mass Hysteria Collective (2020) oraz w ramach współpracy z Matilde Cerruti Quara Jupiter Woods (2020). Jako performerka i współtwórczyni współpracowała z wieloma artystami i choreografami międzynarodowej sceny tańca i sztuk wizualnych, m.in. Colette Sadler, Olą Maciejewską, Theo Clinkardem, Jeftą van Dintherem, Megan Rooney, Ewą Dziarnowską, Pauliną Ołowską, Emmilou Rößling, Sarah Browne, Samem Williamsem, Holly Blakey, Joe Moranem oraz zespołem Candoco Dance Company. W 2019 roku współtworzyła The Elsewhen Series we współpracy z Theo Clinkardem, a wcześniej brała udział w realizacjach dla Tanztheater Wuppertal Pina Bausch (2015), Danza Contemporánea de Cuba (2016) oraz Candoco Dance Company (2019).
Krzysztof Bagiński
Artysta dźwiękowy i organizator związany z Polską. Jest współkuratorem cyklu eksperymentalnych koncertów W Brzask (At Dawn) w Warszawie. W swojej praktyce koncentruje się na pracy z dźwiękiem w kontekście choreografii, performansu i działań interdyscyplinarnych. Jako twórca dźwięku blisko współpracuje z artystami tańca i performansu, tworząc kompozycje i środowiska dźwiękowe dla projektów prezentowanych w Polsce i za granicą.
Jacqueline Sobiszewski
Artystka wizualna pracująca z światłem, wideo, filmem i fotografią. Urodzona i wychowana w Niderlandach, absolwentka Wydziału Operatorskiego Państwowej Wyższej Szkoły Filmowej, Telewizyjnej i Teatralnej w Łodzi. W swojej pracy łączy różne techniki wizualne, poszukując nowych języków obrazu w teatrze, performansie, muzyce i sztukach wizualnych, współpracując z reżyserami, choreografami i muzykami oraz realizując projekty autorskie. Jej realizacje były prezentowane m.in. w Nowym Jorku, Los Angeles, Sydney, Londynie, Paryżu, Wiedniu, Madrycie, Lizbonie oraz São Paulo. Była nagradzana i wyróżniana za projekty światła w teatrze międzynarodowym, m.in. za realizację światła do Medei w reżyserii Grzegorza Jarzyny (nagroda na 15. Międzynarodowym Festiwalu Teatrów Małych Form w Rijece, spektakl nagrodzony także austriacką Nagrodą Nestroy) oraz za stworzenie spójnego krajobrazu wizualnego w ramach Międzynarodowego Festiwalu Teatralnego Boska Komedia.
Możliwość zakupu biletu OzN uprawniającego do wstępu na wydarzenie wraz z osobą towarzyszącą
Możliwość wejścia i wyjścia w dowolnym momencie spektaklu
Widownia jest mobilna – publiczności oferowane są różne miejsca na widowni. Performerzy przestawiają krzesła, dodają je lub usuwają wśród widzów. Jeśli chcesz pozostać w jednym miejscu zajmij miejsce pod ścianą. Krzesła ustawione przy ścianach najprawdopodobniej nie będą przestawiane
W jednej części przedstawienia może pojawić się kontakt fizyczny w zwolnionym tempie z publicznością (np. położenie głowy performerki na stopie lub kolanach widza)
W spektaklu wykorzystywana jest głośna muzyka i dźwięk. Sporadycznie mogą występować nagłe zmiany głośności.
Wykorzystywane jest zarówno jasne, jak i ciemne oświetlenie
Może być używane migoczące światło (bez efektu stroboskopowego)
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Stary Browar. Słodownia +3
THIS RESTING, PATIENCE
19:00
/ Taniec
Stary Browar. Słodownia +3
czytaj więcej
