Kalendarium
ZNAJDŹ WYDARZENIE
dostosuj wyszukiwania
DNI FESTIWALU
Kategorie wydarzeń
Udogodnienia
Żadne z naszych wydarzeń nie spełnia kryteriów. Zrezygnuj z jednego z filtrów i spróbuj ponownie lub otwórz się na inne propozycje Malta Festival
20.06/sobota
Na wystawie zostaną zaprezentowane przykłady procesów ideowych i projektowych w postaci rysunków, analiz i modeli przestrzennych, prowadzących do powstania spektakli teatralnych prezentowanych, między innymi, w ramach Festiwalu „Malta”. Niektóre z wymienionych materiałów są częścią historii tego wydarzenia a dodatkowym uzupełnieniem są materiały fotograficzne ze spektakli. Prezentowane w postaci reprodukcji prace rysunkowe są w oryginale własnością Muzeum Śląskiego w Katowicach.
Część druga wystawy zaprezentuje cykle rysunkowe będące rodzajem „spektaklu potencjalnego” (in potentia) bez stanu realizacji. Ten rysunkowy materiał odnosi się częściowo do profetycznego dzieła literackiego Janusza Andrzeja Zajdla pt ”Limes Inferior” z 1979 roku będącego formą fantastyki socjologicznej osadzoną w przestrzeniach dystopijnego miasta Argoland. Pozostałe cykle rysunkowe są samodzielnymi autonomicznymi bytami rysunkowymi wynikającymi z wewnętrznej intuicji przestrzennej i formalnej autora.
Bohdan Cieślak – architekt wnętrz, scenograf, rysownik i malarz. Autor ponad 30stu scenografii teatralnych realizowanych na ważnych polskich scenach teatru dramatycznego, tańca i animacji. Współpraca z takimi twórcami jak Lech Raczak (wieloletni dyrektor artystyczny Międzynarodowego Festiwalu „Malta” w Poznaniu) czy Ewa Wycichowska (dyrektorka Polskiego Teatru Tańca w Poznaniu) Jego prace scenograficzne w postaci rysunków, projektów i makiet scenograficznych w liczbie kilkuset obiektów są częścią zbiorów Muzeum Śląskiego w Katowicach (Centrum Scenografii Polskiej) i były eksponowane podczas indywidualnych wystaw autora w Muzeum Śląskim oraz w Muzeum Narodowym w Poznaniu. Brał on również udział w wystawie zbiorowej pt „Wirtuozi wyobraźni. Rysunki przestrzeni i postaci artystów współczesnych ze zbiorów Muzeum Śląskiego” obok takich twórców jak Tadeusz Kantor, Jerzy Skarżyński, Jerzy Gurawski, Jan Berdyszak, Janusz Wiśniewski czy Jadwiga Mydlarska – Kowal.
PRZESTRZENIE SPEKTAKLU
10:00
Centrum Festiwalowe. Galeria Nowa Scena UAP
czytaj więcej
21.06/niedziela
Na wystawie zostaną zaprezentowane przykłady procesów ideowych i projektowych w postaci rysunków, analiz i modeli przestrzennych, prowadzących do powstania spektakli teatralnych prezentowanych, między innymi, w ramach Festiwalu „Malta”. Niektóre z wymienionych materiałów są częścią historii tego wydarzenia a dodatkowym uzupełnieniem są materiały fotograficzne ze spektakli. Prezentowane w postaci reprodukcji prace rysunkowe są w oryginale własnością Muzeum Śląskiego w Katowicach.
Część druga wystawy zaprezentuje cykle rysunkowe będące rodzajem „spektaklu potencjalnego” (in potentia) bez stanu realizacji. Ten rysunkowy materiał odnosi się częściowo do profetycznego dzieła literackiego Janusza Andrzeja Zajdla pt ”Limes Inferior” z 1979 roku będącego formą fantastyki socjologicznej osadzoną w przestrzeniach dystopijnego miasta Argoland. Pozostałe cykle rysunkowe są samodzielnymi autonomicznymi bytami rysunkowymi wynikającymi z wewnętrznej intuicji przestrzennej i formalnej autora.
Bohdan Cieślak – architekt wnętrz, scenograf, rysownik i malarz. Autor ponad 30stu scenografii teatralnych realizowanych na ważnych polskich scenach teatru dramatycznego, tańca i animacji. Współpraca z takimi twórcami jak Lech Raczak (wieloletni dyrektor artystyczny Międzynarodowego Festiwalu „Malta” w Poznaniu) czy Ewa Wycichowska (dyrektorka Polskiego Teatru Tańca w Poznaniu) Jego prace scenograficzne w postaci rysunków, projektów i makiet scenograficznych w liczbie kilkuset obiektów są częścią zbiorów Muzeum Śląskiego w Katowicach (Centrum Scenografii Polskiej) i były eksponowane podczas indywidualnych wystaw autora w Muzeum Śląskim oraz w Muzeum Narodowym w Poznaniu. Brał on również udział w wystawie zbiorowej pt „Wirtuozi wyobraźni. Rysunki przestrzeni i postaci artystów współczesnych ze zbiorów Muzeum Śląskiego” obok takich twórców jak Tadeusz Kantor, Jerzy Skarżyński, Jerzy Gurawski, Jan Berdyszak, Janusz Wiśniewski czy Jadwiga Mydlarska – Kowal.
PRZESTRZENIE SPEKTAKLU
10:00
Centrum Festiwalowe. Galeria Nowa Scena UAP
czytaj więcej
Hrabia Henryk ma wszystko. Status, pieniądze i autorytet. Aprobatę świata artystycznego. Wpływowych znajomych. Kochającą żonę. Wspaniałego syna. Ale wszystko, to czasem za mało, by wypełnić pustkę w ludzkim sercu. Wszystko, to czasem za mało, by powstrzymać nadciągający koniec.
Świat trzęsie się w posadach. Tynk opada ze zdobionego sufitu. Parkiety pałaców drżą. Nadchodzi rewolucja. Wszystkie skandale i sekrety władzy mają zostać ujawnione. A w te zamieszane są osoby z najbliższego kręgu Henryka. Ludzie, których uznawał za przyjaciół. A może nie chciał widzieć, kim są naprawdę? Może zbyt wiele im zawdzięczał? Nie można jednak pozostawać ślepym.
Rewolucjoniści z Pankracym na czele chcą całej prawdy. Ale czy są gotowi ją przyjąć? Czy jako ludzkość jesteśmy na to gotowi? Jesteśmy gotowi przyjąć całą prawdę o świecie, skoro często nie jesteśmy w stanie przyjąć prawdy na temat własnej rodziny i samych siebie? A prawda będzie bolesna, bo będzie dotyczyć krzywdy wyrządzonej tym najsłabszym i najmniejszym. Tracący wzrok Orcio spróbuje otworzyć ojcu oczy na to, co działo się tuż pod jego nosem.
Postaci nie błądzą, wirują w epileptycznym tańcu. Wszystko jest zbyt nagłe, zbyt szybkie, zbyt niezrozumiałe. Tak łatwo przeoczyć to, co istotne. Tak łatwo przespać apokalipsę, gdy rozgrywa się w naszym kraju, na naszej ulicy, w naszym domu, w naszej głowie. Tak łatwo to wszystko przeoczyć, gdy na pierwszy plan wysuwamy swoje wielkie, nienaruszalne, egoistyczne JA.
spektakl odbywa się na Dużej Scenie.
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Teatr Polski w Poznaniu
NIE-BOSKA KOMEDIA
12:00
/ Teatr
Teatr Polski w Poznaniu
czytaj więcej
Epifity to spektakl plenerowy, inspirowany naturą i światem roślin, wykonywany przez cztery tancerki-akrobatki na wysokości. Belgijskie przedstawienie łączy dwa światy, ożywiony i nieożywiony, by wydobyć organiczny charakter cyrkowego sprzętu, zaprojektowanego niczym gigantyczne rzeźby drzew, po których mogą się wspinać inne, dając sobie wzajemne wsparcie. Spektakl to też definicja siostrzeństwa: wsparcia i uważności w brawurowym wydaniu.
Spektakl zaprasza nas do lasu – żywego i wyśnionego, ponadczasowego, tajemniczego i wielowymiarowego: miejsca spotkań i wielozmysłowej komunikacji, przestrzeni rozrywki i lęku, placu zabaw oraz wyrazu wolności. W centrum uwagi znajdują się przekraczanie granic oraz metamorfoza. Czy znajdujemy się w prawdziwym lesie, czy może w jego wewnętrznym, duchowym odzwierciedleniu?
Épiphytes to istna orkiestra ciał, żywy i poruszający spektakl choreograficzny. Poszukiwania ruchowe artystek inspirowane są epifitami – roślinami, które nie dotykają ziemi, lecz wspinają się po innych roślinach lub podporach, nie wyczerpując zasobów swoich „gospodarzy”. Dla performerek to zaproszenie, by wykorzystać scenograficzną konstrukcję, zazielenić ją ruchem i wprawić ją w ruch.
Wychodząc z założenia, że do poznania świata nie wystarczy rozum, lecz potrzebne są także inne zdolności – emocjonalne i zmysłowe – artystki zapraszają do tej próby.
Dofinansowano ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego pochodzących z Funduszu Promocji Kultury.
Dofinansowano ze środków budżetowych Miasta Poznania. #poznanwspiera
Projekt realizowany dzięki wsparciu Wallonie-Bruxelles International.
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Plac Wolności
ÉPIPHYTES
17:00
/ Plener
Plac Wolności
czytaj więcej
Hrabia Henryk ma wszystko. Status, pieniądze i autorytet. Aprobatę świata artystycznego. Wpływowych znajomych. Kochającą żonę. Wspaniałego syna. Ale wszystko, to czasem za mało, by wypełnić pustkę w ludzkim sercu. Wszystko, to czasem za mało, by powstrzymać nadciągający koniec.
Świat trzęsie się w posadach. Tynk opada ze zdobionego sufitu. Parkiety pałaców drżą. Nadchodzi rewolucja. Wszystkie skandale i sekrety władzy mają zostać ujawnione. A w te zamieszane są osoby z najbliższego kręgu Henryka. Ludzie, których uznawał za przyjaciół. A może nie chciał widzieć, kim są naprawdę? Może zbyt wiele im zawdzięczał? Nie można jednak pozostawać ślepym.
Rewolucjoniści z Pankracym na czele chcą całej prawdy. Ale czy są gotowi ją przyjąć? Czy jako ludzkość jesteśmy na to gotowi? Jesteśmy gotowi przyjąć całą prawdę o świecie, skoro często nie jesteśmy w stanie przyjąć prawdy na temat własnej rodziny i samych siebie? A prawda będzie bolesna, bo będzie dotyczyć krzywdy wyrządzonej tym najsłabszym i najmniejszym. Tracący wzrok Orcio spróbuje otworzyć ojcu oczy na to, co działo się tuż pod jego nosem.
Postaci nie błądzą, wirują w epileptycznym tańcu. Wszystko jest zbyt nagłe, zbyt szybkie, zbyt niezrozumiałe. Tak łatwo przeoczyć to, co istotne. Tak łatwo przespać apokalipsę, gdy rozgrywa się w naszym kraju, na naszej ulicy, w naszym domu, w naszej głowie. Tak łatwo to wszystko przeoczyć, gdy na pierwszy plan wysuwamy swoje wielkie, nienaruszalne, egoistyczne JA.
spektakl odbywa się na Dużej Scenie.
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Teatr Polski w Poznaniu
NIE-BOSKA KOMEDIA
18:00
/ Teatr
Teatr Polski w Poznaniu
czytaj więcej
Koncert Za miłość! otworzy Malta Festival 21 czerwca nad Jeziorem Maltańskim jako autorskie, plenerowe widowisko muzyczne przygotowane specjalnie na tę okazję. To wydarzenie, które wykracza poza formę klasycznego koncertu – znane polskie utwory zostają tu połączone w spójną narrację, budując wieloczęściową opowieść o różnych wymiarach miłości.
Na scenie spotkają się artyści reprezentujący odmienne wrażliwości i języki muzyczne: Grzegorz Turnau, Ralph Kaminski, Natalia Szroeder, Jakub Józef Orliński, Anna Maria Jopek, Natalia Przybysz, Anita Lipnicka, Zalia oraz Krzysztof Zalewski. Opiekę artystyczną nad projektem objęła Natalia Kukulska. Wstęp na wydarzenie jest wolny.
Za miłość! zostało pomyślane jako trzyczęściowe widowisko muzyczne, w którym kolejne utwory nie funkcjonują jako odrębne kompozycje, lecz elementy większej całości. Dzięki specjalnie przygotowanym aranżacjom oraz medleyom piosenki płynnie przechodzą jedna w drugą, budując dramaturgię opartą na emocjonalnym napięciu i zmianie perspektywy.
Kolejne części koncertu prowadzą przez różne etapy doświadczenia miłości – od pierwszych impulsów i fascynacji, przez momenty napięcia i tęsknoty, aż po refleksję. Za warstwę muzyczną odpowiadają Paweł Tomaszewski, Nikola Kołodziejczyk i Adam Sztaba, którzy nadają całości spójny, wielowymiarowy charakter. Artystom towarzyszyć będzie poznańska orkiestra CoOperate.
Istotnym elementem wydarzenia jest również warstwa narracyjna. Pomiędzy częściami koncertu pojawiają się krótkie formy aktorskie, oparte na fragmentach tekstów obecnych w utworach, które rozszerzają ich znaczenie i budują dodatkowy kontekst dla muzyki.
Koncert stanowi otwarcie Malta Festival w pierwszy dzień kalendarzowego lata, wpisując się w ideę festiwalu jako przestrzeni wspólnego doświadczenia – opartego na bliskości, uważności i współobecności.
19:00 otwarcie bram / DJ Gambit
21:00 koncert Za Miłość!
Dostępny sektor – aby skorzystać z dostępnego sektora należy zgłosić potrzebę skorzystania z miejsca siedzącego lub przestrzeni na wózek wysyłając maila na adres:natalia.dabrowska@malta-festival.pl i otrzymać z ww. adresu potwierdzenie rezerwacji miejsca. Rezerwacja miejsc w sektorze możliwa jest do dnia 10.06.2026.
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Scena Plenerowa na Mecie Toru Regatowego Malta
KONCERT PLENEROWY „ZA MIŁOŚĆ!”
19:00
/ Koncert
Scena Plenerowa na mecie Toru Regatowego Malta
czytaj więcej
22.06/poniedziałek
Są takie rozmowy, które odkładamy na później. Choć są bardzo ważne, ale zwyczajnie trudno nam je zacząć… Brakuje nam słów, odwagi, a innym razem po prostu miejsca, gdzie mogłybyśmy szczerze porozmawiać.
Już 22 czerwca zapraszamy matki i córki na wyjątkowe śniadanie z ginekolożką, dr Agnieszką Nalewczyńską, znaną na Instagramie z mówienia o rzeczach, o które wstydzimy się zapytać – nawet, a może zwłaszcza – w gabinecie. Podczas spotkania poruszymy tematy, o których musi usłyszeć dorastająca dziewczyna. Porozmawiamy o ciele, dojrzewaniu, ale też zmianach i emocjach, które im towarzyszą.
To będzie kameralne spotkanie, bez pośpiechu i oceniania. Zbudujemy przestrzeń, w której będziecie mogły zadawać pytania, posłuchać siebie nawzajem i budować relacje oparte na zrozumieniu. Bo przecież te najważniejsze rozmowy zaczynają się wtedy, gdy w końcu znajdziemy na nie odpowiedni czas.
O MATKO I CÓRKO!
09:00
Zielona Weranda
czytaj więcej
Projekt Ewy Kuleszy koncentruje się na subtelnych śladach dziecięcych doświadczeń – wspomnieniach, które znikają pod powierzchnią świadomości, ale nadal wpływają na ciało i sposób odczuwania świata. Interaktywna instalacja zaprasza do doświadczenia poprzez dotyk, obecność i pozostawianie śladów, uruchamiając proces osobistej refleksji.
Wystawa staje się spotkaniem z tym, co ukryte, a jednocześnie fundamentalne dla naszego wewnętrznego świata. Kulesza – artystka, fotografka i wykładowczyni Uniwersytetu Artystycznego w Poznaniu – od lat tworzy projekty związane z pamięcią, ciałem i doświadczeniem wizualnym.
Projekt prezentowany jest przez Galerię Sztuki Czas Kobiet – przestrzeń wspierającą współczesne artystki i działania podejmujące tematy wspólnotowości, kobiecości oraz społecznej i kulturowej sprawczości.
Projekt koncentruje się na subtelnych sygnałach dotyczących dziecięcych doświadczeń. Zdarzenia wczesnych lat osuwają się w głąb podświadomości. Choć giną w procesie sedymentacji wspomnień, pozostają aktywne — nieustannie oddziałują na nasze ciało i sposób odczuwania świata.
Instalacja ma charakter interaktywny. Zbudowana z materiałów ulotnych i zmiennych, zaprasza do doświadczenia poprzez dotyk, pozostawienia śladu, do bycia tu i teraz. Gest odcisku palców staje się zarówno fizycznym działaniem, jak i metaforą — uruchamiając proces refleksji i zanurzenia we własną historię.
Wystawa Ewy Kuleszy to spotkanie z tym, co ukryte a jednocześnie fundamentalne dla naszego wewnętrznego świata.
Ewa Kulesza, ur. 1977 w Poznaniu.
W latach 1997 – 2003 studiowała Realizację Obrazu Filmowego, Telewizyjnego, Fotografię Oraz równolegle Rzeźbę na Akademii Sztuk Pięknych w Poznaniu. Obroniła dyplomy z
Rysunku i Rzeźby u prof. Macieja Szańkowskiego i prof. Jarosława Kozłowskiego oraz z Fotografii u dr hab. Krzysztofa J. Baranowskiego. Stypendystka Ministerstwa Kultury i Sztuki (1997). Otrzymała stypendium twórcze Miasta Poznania (2004). Została zaproszona na rezydencję artystyczną w Bern w Szwajcarii (2000) oraz w Nordic Kunst Dale w Norwegii (2007). W 2021 r. została wybrana do Secondary Archive – platformy badawczej i bazodanowej dotyczącej artystek Europy Centralnej i Wschodniej po II wojnie światowej stworzonej przez Katarzyna Kozyra Foundation, Zachęta Narodowa Galeria Sztuki, East Topics, Bjornson, Meetfactory.
Od 2004 r. pracuje na Uniwersytecie Artystycznym w Poznaniu. W 2009 roku obroniła doktorat w dziedzinie sztuki piękne a w 2019 r. roku uzyskała stopień doktora habilitowanego. Od 2018 r. jest członkinią Rady Naukowej. Od 2024 r. członkinią Senatu Uczelni oraz Rady Programowej Wydziału Malarstwa i Rysunku. W latach 2023 – 2025 pełniła funkcję Koordynatorki Study in English w zakresie Sztuki i Teorii. W latach 2011-2014 współtworzyła projekt TERAZ RYSUNEK w ramach którego odbyły się 34 wykłady wybitnych postaci ze świata sztuki polskiej. Od 2022 r. wspólnie z dr hab. Dianą Fiedler Prowadzi Pracownię Praktyk i Badań Artystycznych w Uniwersytecie Artystycznym w Poznaniu.
Galeria Sztuki Czas Kobiet realizuje misję wspierania, promowania i upowszechniania twórczości współczesnych artystek różnych pokoleń. Naszym celem jest tworzenie przestrzeni, w której kobiety aktywne artystycznie mogą swobodnie rozwijać swoje praktyki twórcze, prezentować nowe projekty oraz budować sieci współdziałania i solidarności.
Galeria koncentruje się na sztuce podejmującej kluczowe dla współczesności zagadnienia: kobiecości i jej kulturowych reprezentacji, wspólnotowości i siostrzeństwa, praw kobiet, przeciwdziałania przemocy, redefinicji ról społecznych oraz poszukiwania języka sprawczości. Wspieramy artystki, które badają miejsce kobiet w historii sztuki i podejmują refleksję nad redefinicją kanonu, a także te, które reagują na aktualne problemy społeczno-kulturowe.
Od kilku lat Galeria zapewnia żyjącym artystkom profesjonalną, otwartą i bezpieczną przestrzeń do prezentacji projektów realizowanych w szerokim spektrum mediów — od malarstwa, rysunku i rzeźby, przez fotografię i instalacje multimedialne, po działania performatywne. Wystawiamy zarówno projekty indywidualne, jak i grupowe, podkreślając znaczenie dialogu, wymiany perspektyw oraz potencjału wspólnototwórczego, który niesie sztuka.
CHRONIONE CZĘSTOTLIWOŚCI (WYSTAWA)
10:00
/ Wydarzenia towarzyszące
Galeria Sztuki Czas Kobiet
czytaj więcej
Podczas warsztatu będziemy pracować z ciałem, obecnością i ekspresją. Poprzez ćwiczenia improwizacyjne uczestnicy nauczą się stopniowo rozluźniać napięcia oraz odnaleźć swój naturalny sposób poruszania się.
W pierwszej części skupimy się na wygenerowaniu organicznego ruchu charakterystycznego dla każdej osoby obserwując, w jaki sposób ciało reaguje na emocje, przestrzeń i relacje z innymi. Następnie, poprzez techniki wywodzące się z kultury ballroom i voguingu, zaczniemy świadomie ukierunkowywać ruch, pracując z linią ciała, spojrzeniem, pewnością siebie oraz obecnością sceniczną.
Warsztat będzie przestrzenią eksplorowania własnej tożsamości, ekspresji i sprawczości poprzez ciało. Punktem wyjścia stanie się poszukiwanie płynności pomiędzy siłą a wrażliwością, kontrolą a wolnością oraz budowanie własnego języka ruchu i obecności.
Zajęcia są otwarte dla wszystkich osób niezależnie od doświadczenia ruchowego czy scenicznego.
Prowadząca: Madlen Revlon choreografka, performerka, movement director i producentka. Od ponad dekady tworzy autorskie projekty choreograficzne i performatywne na styku teatru, sztuki współczesnej i kultury ballroom. Współpracowała m.in. z Operą Narodową, Teatrem Studio, HBO Polska, Netflixem, Vogue Polska.
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Klub Festiwalowy
PRESENCE PRACTICE: PRZEBUDZENIE CIAŁA POPRZEZ RUCH
10:00
/ Warsztaty
Klub Festiwalowy
czytaj więcej
Na wystawie zostaną zaprezentowane przykłady procesów ideowych i projektowych w postaci rysunków, analiz i modeli przestrzennych, prowadzących do powstania spektakli teatralnych prezentowanych, między innymi, w ramach Festiwalu „Malta”. Niektóre z wymienionych materiałów są częścią historii tego wydarzenia a dodatkowym uzupełnieniem są materiały fotograficzne ze spektakli. Prezentowane w postaci reprodukcji prace rysunkowe są w oryginale własnością Muzeum Śląskiego w Katowicach.
Część druga wystawy zaprezentuje cykle rysunkowe będące rodzajem „spektaklu potencjalnego” (in potentia) bez stanu realizacji. Ten rysunkowy materiał odnosi się częściowo do profetycznego dzieła literackiego Janusza Andrzeja Zajdla pt ”Limes Inferior” z 1979 roku będącego formą fantastyki socjologicznej osadzoną w przestrzeniach dystopijnego miasta Argoland. Pozostałe cykle rysunkowe są samodzielnymi autonomicznymi bytami rysunkowymi wynikającymi z wewnętrznej intuicji przestrzennej i formalnej autora.
Bohdan Cieślak – architekt wnętrz, scenograf, rysownik i malarz. Autor ponad 30stu scenografii teatralnych realizowanych na ważnych polskich scenach teatru dramatycznego, tańca i animacji. Współpraca z takimi twórcami jak Lech Raczak (wieloletni dyrektor artystyczny Międzynarodowego Festiwalu „Malta” w Poznaniu) czy Ewa Wycichowska (dyrektorka Polskiego Teatru Tańca w Poznaniu) Jego prace scenograficzne w postaci rysunków, projektów i makiet scenograficznych w liczbie kilkuset obiektów są częścią zbiorów Muzeum Śląskiego w Katowicach (Centrum Scenografii Polskiej) i były eksponowane podczas indywidualnych wystaw autora w Muzeum Śląskim oraz w Muzeum Narodowym w Poznaniu. Brał on również udział w wystawie zbiorowej pt „Wirtuozi wyobraźni. Rysunki przestrzeni i postaci artystów współczesnych ze zbiorów Muzeum Śląskiego” obok takich twórców jak Tadeusz Kantor, Jerzy Skarżyński, Jerzy Gurawski, Jan Berdyszak, Janusz Wiśniewski czy Jadwiga Mydlarska – Kowal.
PRZESTRZENIE SPEKTAKLU
10:00
Centrum Festiwalowe. Galeria Nowa Scena UAP
czytaj więcej
Hekate to jedna z najbardziej fascynujących i wielowymiarowych postaci świata antycznego. Najczęściej kojarzona jest z magią, czarownicami i przewodnictwem po świecie podziemi, jednak jej znaczenie wykracza daleko poza mroczne wyobrażenia, które utrwaliła popkultura.
Podczas warsztatów przyjrzymy się różnym obliczom Hekate – zarówno tym dobrze znanym, jak i rzadziej obecnym w opowieściach o tej bogini. Będziemy eksplorować jej symbolikę, historyczne korzenie oraz znaczenie rozdroży, granic i momentów przejścia, z którymi jest nierozerwalnie związana.
Zastanowimy się także, jak archetyp Hekate może manifestować się we współczesnym życiu – w relacjach, procesach twórczych, kryzysach, momentach zmiany i poszukiwaniu własnej tożsamości. Spróbujemy odpowiedzieć na pytanie, w jaki sposób figura Przewodniczki może wspierać nas w budowaniu sprawczości, pogłębianiu intuicji i odnajdywaniu własnej drogi – zarówno indywidualnie, jak i we wspólnocie.
Prowadząca: dr Anna Jankowiak – archeolożka, doktorka nauk humanistycznych, publicystka, popularyzatorka wiedzy, znana w sieci jako Wiedźma od wiedzy. Autorka książki „Bestie antyku”. Fundatorka i wiceprezeska Fundacji Muzeum Historii Kobiet. W badaniach naukowych skupia się na historii magii, czarów i zajmujących się nimi osób, a także kobiecych i boskich archetypach. Członkini jury plebiscytu „Archeologiczne Sensacje” magazynu Archeologia Żywa.
Na warsztaty prosimy o przyniesienie starych magazynów i gazet, z których będziemy tworzyć kolaże.
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Klub Festiwalowy
BOGINI HEKATE – KOBIETA NA ROZDROŻU
12:00
/ Warsztaty
Klub Festiwalowy
czytaj więcej
Pogadajmy o biuście! Dobrze dobrany biustonosz to nie tylko kwestia wyglądu, ale przede wszystkim zdrowia. Zapraszamy na spotkanie, dzięki któremu poznasz lepiej swoje ciało i dowiesz się, jak na co dzień dbać o zdrowie piersi.
Biustopogadankę poprowadzi Izabela Sakutova, prezeska fundacji Wsparcie na Starcie, międzynarodowa ekspertka brafittingu z ponad 20-letnim doświadczeniem i certyfikowana mentorka z dyplomem MEN.
W ramach spotkania będziemy rozmawiać o promowaniu zdrowych nawyków, biustopozytywności, o zdrowej percepcji ciała. Będziemy zachęcać do regularnego samobadania piersi jako skutecznej metody wczesnego wykrywania raka rekomendowanej przez Centrum Onkologii. Będziemy zwracać uwagę na objawy, z którymi należy zgłosić się do lekarza. A dodatkowo porozmawiamy o brafittingu i jego wpływie na zdrowie i poczucie pewności siebie.
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Atrium UAP
BIUSTOPOGADANKA
14:00
Atrium UAP
czytaj więcej
Warsztat ze śpiewu naturalnego jest przestrzenią wyrażania tego, co utknęło w ciele — złości, napięć i niewypowiedzianych emocji. Poprzez pracę z głosem uczestniczki i uczestnicy będą mieli możliwość bezpiecznie dotknąć tych obszarów i stopniowo je uwalniać.
Śpiew naturalny stanowi pierwotną, intuicyjną formę ekspresji. Pomaga odzyskać kontakt z własnym głosem I wzmocnić jego siłę. To praktyka, która wspiera powrót do autentyczności i wewnętrznej mocy.
Warsztat jest otwarty dla wszystkich — niezależnie od doświadczenia.
Prowadząca: Joanna Sykula Sykulska – śpiewaczka miejska, kompozytorka, dyrygentka i edukatorka, prowadząca Chór Pogłosy. W swojej praktyce łączy muzykę tradycyjną z twórczym eksperymentem i pracą z głosem. Inspirację czerpie z polskich pieśni ludowych, rozmów z ludźmi i ich historii. Wierzy, że każdy potrafi śpiewać – wystarczy przestrzeń, w której głos może wybrzmieć swobodnie i bez ocen. Tworzy działania oparte na uważności, otwartości i słuchaniu pomijanych dotąd głosów.
Udział w warsztatach nie wymaga zapisów.
Liczba miejsc jest jednak ograniczona.
Możliwość skorzystania ze wsparcia asystentki i audiodeskryptorki w trakcie wydarzenia – jeśli potrzebujesz wsparcia takiej osoby napisz maila na: natalia.dabrowska@malta-festival.pl
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Klub Festiwalowy
ŚPIEW NATURALNY
14:00
/ Warsztaty
Klub Festiwalowy
czytaj więcej
Epifity to spektakl plenerowy, inspirowany naturą i światem roślin, wykonywany przez cztery tancerki-akrobatki na wysokości. Belgijskie przedstawienie łączy dwa światy, ożywiony i nieożywiony, by wydobyć organiczny charakter cyrkowego sprzętu, zaprojektowanego niczym gigantyczne rzeźby drzew, po których mogą się wspinać inne, dając sobie wzajemne wsparcie. Spektakl to też definicja siostrzeństwa: wsparcia i uważności w brawurowym wydaniu.
Spektakl zaprasza nas do lasu – żywego i wyśnionego, ponadczasowego, tajemniczego i wielowymiarowego: miejsca spotkań i wielozmysłowej komunikacji, przestrzeni rozrywki i lęku, placu zabaw oraz wyrazu wolności. W centrum uwagi znajdują się przekraczanie granic oraz metamorfoza. Czy znajdujemy się w prawdziwym lesie, czy może w jego wewnętrznym, duchowym odzwierciedleniu?
Épiphytes to istna orkiestra ciał, żywy i poruszający spektakl choreograficzny. Poszukiwania ruchowe artystek inspirowane są epifitami – roślinami, które nie dotykają ziemi, lecz wspinają się po innych roślinach lub podporach, nie wyczerpując zasobów swoich „gospodarzy”. Dla performerek to zaproszenie, by wykorzystać scenograficzną konstrukcję, zazielenić ją ruchem i wprawić ją w ruch.
Wychodząc z założenia, że do poznania świata nie wystarczy rozum, lecz potrzebne są także inne zdolności – emocjonalne i zmysłowe – artystki zapraszają do tej próby.
Dofinansowano ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego pochodzących z Funduszu Promocji Kultury.
Dofinansowano ze środków budżetowych Miasta Poznania. #poznanwspiera
Projekt realizowany dzięki wsparciu Wallonie-Bruxelles International.
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Plac Wolności
ÉPIPHYTES
16:30
/ Plener
Plac Wolności
czytaj więcej
Anna Jadowska – reżyserka, scenarzystka i wykładowczyni Szkoły Filmowej w Łodzi – po raz pierwszy pojawi się na Malta Festival jako autorka prozy. Jej debiutancka powieść Dadzieja to opowieść prowadzona z perspektywy dziewczęcej bohaterki, skupiona na tym, co kruche, niedopowiedziane i dopiero zaczynające przybierać formę.
Jadowska przenosi do literatury swoją filmową wrażliwość: uważność na detal, rytm emocji i napięcie budowane bardziej przez przemilczenia niż przez to, co zostaje wypowiedziane wprost.
Spotkanie z Anną Jadowską otworzy tegoroczny cykl Głosy Kobiet. Autorka zadebiutowała literacko jeszcze w latach 90., publikując m.in. w „Brulionie”, jednak Dadzieja jest jej pierwszą książką prozatorską.
Powieść opowiedziana jest z perspektywy dziewczynki – córki, siostry i obserwatorki świata, który stopniowo odsłania swoje ciemniejsze strony. Jadowska buduje narrację z emocjonalnych napięć, drobnych gestów i sytuacji, które pozornie pozostają niewielkie, ale z czasem zaczynają układać się w historię o dorastaniu, bliskości i utracie.
W jej pisaniu wyraźnie obecne pozostaje doświadczenie filmowe. Autorka pracuje obrazem, rytmem i detalem, prowadząc opowieść w sposób precyzyjny, oszczędny i skupiony na tym, co niewypowiedziane. To literatura, która nie szuka efektowności, lecz intensywności ukrytej w codzienności i relacjach.
Obecność Jadowskiej wpisuje się również w jeden z ważnych kierunków tegorocznej Malty – zainteresowanie artystami przekraczającymi granice między formami i językami sztuki. Tak jak CocoRosie przygotowują na festiwal autorską operę La Mort de la Mer, tak Jadowska – twórczyni kina – sięga po literaturę, zachowując własny sposób patrzenia na bohaterów i emocje.
22.06 – Anna Jadowska
23.06 – Book Rave wokół Bilansu snów Chimamandy Ngozi Adichie
24.06 – Tara K. Menon
25.06 – Samanta Schweblin
Partnerami medialnymi cyklu „Głosy Kobiet” są Trójka Polskie Radio i Magazyn Pismo.
Cykl „Głosy Kobiet” powstaje we współpracy z naturalną wodą mineralną Muszyna Skarb Życia.
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Klub Festiwalowy
GŁOSY KOBIET: ANNA JADOWSKA
17:30
/ Literatura
Klub Festiwalowy
czytaj więcej
Projekt Karoliny Wyrwał, rezydentki CK Zamek More Units Than Meaning to krajobraz nadmiaru. Performans bez fabuły i bez jednej odpowiedzi – doświadczenie zbudowane z napięć, przerw i błędów.
More Units Than Meaning to krajobraz nadmiaru. Performans bez fabuły i bez jednej odpowiedzi – doświadczenie zbudowane z napięć, przerw i błędów. Dwa ciała poruszają się w przestrzeni niczym elementy wadliwego mechanizmu, zawieszone pomiędzy kontrolą a utratą ciągłości. Fragmenty intensywnego ruchu przechodzą w ciszę, bezruch, fizyczne wyczerpanie. W tych pęknięciach pojawia się glitch – moment, w którym ciało przestaje być narzędziem produkcji i zaczyna funkcjonować na własnych zasadach. W świecie oceniającym życie w kategoriach użyteczności, a nie sensu, ciało staje się miejscem oporu. Nie potrafi w pełni się dopasować. Czasami odmawia współpracy. Wymyka się logice produktywności. Ten moment – błąd, przeciążenie, utrata sensu – staje się przestrzenią artystycznej eksploracji. Performans funkcjonuje w rzeczywistości przeciążonej bodźcami, w której reakcja wyprzedza refleksję. Znaczenie rozpada się tu na jednostki ruchu, dźwięku i obrazu.
MORE UNITS THAN MEANING
17:30
/ Wydarzenia towarzyszące
CK ZAMEK
czytaj więcej
Trzy etiudy taneczne tworzą jedno wydarzenie sceniczne inspirowane twórczością pionierek tańca współczesnego, które zmieniały sposób myślenia o ruchu i jego obecności na scenie. Spektakl łączy trzy odmienne języki choreograficzne w opowieść skupioną na ciele, rytmie i relacji z przestrzenią.
Ruth St. Denis (Rytuał), Isadora Duncan (Wyłonienie) oraz Martha Graham (Formy Przełamane) prowadzą widzów od obrzędowej energii grupy, przez niemal niewidoczny ruch rodzący się z ciszy, po działania budowane wokół scenograficznej konstrukcji, która staje się aktywną częścią performansu. Projekt powstał we współpracy Koła Naukowego Antrakt UAP oraz Studenckiego Koła Naukowego przy Katedrze Tańca i Gimnastyki AWF Poznań.
Trzy etiudy taneczne tworzą jedno wydarzenie sceniczne inspirowane twórczością pionierek tańca współczesnego, które zmieniały sposób myślenia o ruchu i jego obecności na scenie. Spektakl łączy trzy odmienne podejścia choreograficzne w spójną całość, skupioną na pracy z ciałem, relacji z przestrzenią oraz formą scenograficzną, która współtworzy działania na scenie.
W Rytuale pojawia się przestrzeń obrzędu, gdzie ruch opiera się na powtarzalności, rytmie i energii grupy, a centralna postać przejmuje prowadzenie i organizuje wspólne działanie. Wyłonienie rozwija się z ciszy i bezruchu – ruch pojawia się stopniowo, niemal niedostrzegalnie, a ciała funkcjonują na granicy napięcia i rozluźnienia, budując spokojny, narastający proces. Z kolei Formy przełamane skupiają się na relacji z konstrukcją sceniczną, która wyznacza ramy dla działania – performerki wchodzą z nią w interakcję, przekształcając ją i zmieniając jej znaczenie w trakcie trwania etiudy.
Koło Naukowe Antrakt UAP to poznańska grupa artystyczna działająca na pograniczu sztuk performatywnych, scenografii i działań przestrzennych. W swojej praktyce koncentruje się na tworzeniu wydarzeń artystycznych oraz eksperymentalnych form scenicznych, szczególnie interesując się projektami powstającymi na styku różnych dziedzin. Studenckie Koło Naukowe przy Katedrze Tańca i Gimnastyki AWF Poznań powstało w 2018 roku, by prowadzić badania tańca w kontekście różnych nauk oraz realizować interesujące wydarzenia na styku nauki i sztuki, jak działania performatywne, wykłady, warsztaty, i konferencje naukowe.
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Stary Browar. Słodownia +3
LIMEN: WYŁONIENIE. RYTUAŁ. FORMY PRZEŁAMANE.
19:00
/ Wydarzenia towarzyszące
Stary Browar. Słodownia +3
czytaj więcej
Trójka dorosłych dzieci Nory i Torvalda wraca po latach do rodzinnego mieszkania – miejsca, w którym rozpadła się ich rodzina. Wspomnienia wracają fragmentami: w zatarte słowa, obrazy, dźwięki i gesty wpisane są dawne konflikty, których jako dzieci nie potrafili jeszcze zrozumieć.
Twórcy spektaklu przesuwają punkt widzenia z bohaterki Ibsena na konsekwencje jej wyborów i pytania o to, co dzieje się z domem, kiedy jego fundamentem staje się pozór. Dom lalek staje się tu opowieścią o pamięci, rozpadzie i poszukiwaniu bliskości w świecie, który wciąż nie potrafi znaleźć języka dla wspólnoty, odpowiedzialności i miłości.
Trójka dorosłych dzieci Nory i Torvalda wraca po latach do rodzinnego mieszkania – świata własnego dzieciństwa, w którym rozpadła się ich rodzina. To próba przeprowadzenia sądu nad przedawnionymi winami i złożenia pamięci z odłamków. Zatarte słowa, obrazy, dźwięki i zapachy wracają uporczywie, choć nie sposób przywołać ich już w całości.
Ibsen pytał o moralność i o kłamstwo jarzące się jako codzienny nawyk: co dzieje się z domem, gdy jego fundamentem staje się pozór?
W XXI wieku w Polsce co roku zapada ponad 50 tysięcy rozwodów, a dziesiątki tysięcy dzieci zostają objęte ich konsekwencjami. Zdążyliśmy odrzucić XIX- i XX-wieczną obyczajowość, ale wciąż nie znaleźliśmy języka, który naprawdę potrafiłby ją zastąpić. Indywidualizm bez wspólnoty, wolność bez odpowiedzialności, przejrzystość bez zaufania – granice Ibsenowskiej obyczajowości nie tyle się oddaliły, ile przesunęły. Jego diagnoza zakłamania wraca dziś jak echo.
Dom lalek przypomina, że każdy porządek – stary czy nowy – najpierw pęka w języku i w domu. Pytanie nie brzmi więc „kto zawinił?”, lecz: co dziś próbujemy podłożyć pod fundament, żeby dom się nie rozpadł?
Nasza inscenizacja przesuwa punkt widzenia z bohaterki na konsekwencje jej wyboru. Dzieci dorastały obok sporów, których nie rozumiały; zapamiętały napięcia i gesty. Goście w tym domu pozostają równie niejednoznaczni: ich decyzje ranią, a jednocześnie podtrzymują czyjeś życie. Nie chodzi o wydanie wyroku, lecz o rozpoznanie układu sił, w którym nikt nie jest całkowicie winny ani całkiem niewinny.
Bo Dom lalek to opowieść o poszukiwaniu sensu po rozpadzie i o nieskończonym pragnieniu miłości. Kierkegaardowska pustka istnienia nie jest tu tezą, lecz stanem codzienności: niedoborem znaczeń domagających się nazwania. Przeszłość została zamknięta we wspomnieniach świadków, z których każdy walczył o siebie. Co dzieje się wtedy, gdy wersje tej samej historii oddalają się od siebie tak bardzo, że żaden wyrok nie ma już nic wspólnego ze sprawiedliwością?
Historia Nory pozostaje osią, ale nie zamyka opowieści. Jest raczej ramą, w której pojawią się pytania: Czy dzieci mogą winić matkę za walkę o własne szczęście? Czy mamy prawo oczekiwać bezwarunkowej miłości? Jak złożyć dom, kiedy ma się wszystkie części i żadna z nich nie pasuje do pierwotnego rysunku? I czy można jeszcze wrócić do miejsca, które dawno przestało istnieć?
Spektakl dla widzów powyżej 18. roku życia.
spektakl odbywa się w Malarni
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Teatr Polski w Poznaniu
DOM LALEK
19:00
/ Teatr
Teatr Polski w Poznaniu
czytaj więcej
Polska premiera i specjalna odsłona opery‑performansu La Mort de la Mer autorstwa CocoRosie z udziałem Justyny Wasilewskiej to pierwsze teatralne ogłoszenie Malta Festival 2026. Spektakl – inspirowany ośmioma fazami księżyca, rytmami natury i refleksją ekologiczną – zostanie zaprezentowany 22 i 23 czerwca 2026 roku w Sali Wielkiej CK Zamek w Poznaniu. To pierwszy pokaz spektaklu od światowej premiery na festiwalu Transart w Bolzano we wrześniu 2025 roku i powrót CocoRosie na Malta Festival po 20 latach od ich pierwszego koncertu w Polsce.
La Mort de la Mer to opera audiowizualna o eksperymentalnej, immersyjnej konstrukcji, w której muzyka, performans i teatr wizualny tworzą jedno sceniczne środowisko. Spektakl ma cykliczny przebieg i rozwija się jako poetycki, rytualny proces, a publiczność doświadcza go z różnych perspektyw — w bliskości działania i z możliwością zmiany punktu obserwacji.
Przewodniczkami tej opowieści są dwie symboliczne figury — Moon i Sea (Księżyc i Morze), które otwierają przed widzami przestrzeń refleksji nad czasem, pamięcią i relacją człowieka z kosmosem i naturą. Całość układa się w medytacyjne tableau zawieszone pomiędzy tym, co intymne, a tym, co planetarne.
Warstwa muzyczna spektaklu łączy charakterystyczny język CocoRosie – balansujący na pograniczu muzyki eksperymentalnej, elektroniki i pieśni – z imersyjną formą doświadczania.
Centralnym tematem spektaklu jest relacja człowieka z naturą w dobie kryzysu ekologicznego. Motyw „śmierci morza” pojawia się tu jako doświadczenie utraty równowagi i żałoby po świecie, który znika, ale także jako impuls do redefinicji relacji człowieka z otaczającym środowiskiem.
W polskiej premierze spektaklu weźmie udział Justyna Wasilewska – jedna z najważniejszych polskich aktorek teatralnych, związana m.in. z TR Warszawa. Współpracowała z Kornélem Mundruczó (Cząstki kobiety), René Polleschem i Anną Smolar. Szerokiej publiczności znana jest również z serialu Heweliusz Jana Holoubka oraz z filmu Serce miłości w reżyserii Łukasza Rondudy.
COCOROSIE
CocoRosie to duet artystyczny z oddaną, międzynarodową publicznością – od Europy, przez Stany Zjednoczone, po Amerykę Południową i inne regiony świata. Od ponad dwóch dekad siostry Bianca i Sierra Casady konsekwentnie wydają nowatorskie albumy studyjne i występują przed wyprzedanymi salami koncertowymi. Ich twórczość rozpoznawalna jest dzięki mistrzowskiej poezji, ponadczasowym harmoniom oraz charakterystycznemu połączeniu lo-fi, „zabawkowych” brzmień z klasyczną instrumentacją i rytmami wymykającymi się gatunkowym klasyfikacjom.
Sierra Casady jest klasycznie wykształconą śpiewaczką operową i aktorką sceniczną, Bianca Casady zaś poetką, reżyserką teatralną i artystką wizualną. Wspólnie łączą muzykę, praktyki teatralne oparte na ruchu i pracy z postacią, modę oraz sztukę współczesną, tworząc wielowymiarowe projekty opowiadające o pięknie i smutku wspólnego doświadczenia. Poprzez wywrotową, precyzyjnie skonstruowaną sztukę CocoRosie sięgają po ironię i zabawę, by zabierać głos w sprawach praw człowieka i kwestionować społeczne normy – często dotykając tematów tabu. Szeroko podziwiane, bywa że niezrozumiane, lecz zawsze konsekwentne, CocoRosie pozostaje jednym z najbardziej wyrazistych projektów artystyczno-muzycznych ostatnich dwóch dekad.
CocoRosie wydały dotąd osiem albumów studyjnych, z których najnowszy – Little Death Wishes (2025) – zamyka kolejną fazę ich twórczości. Wcześniejsze wydawnictwa to m.in. Put The Shine On (2020), Heartache City (2015), Tales of a Grasswidow (2013), Grey Oceans (2010), The Adventures of Ghosthorse and Stillborn (2007), Noah’s Ark (2005) oraz La Maison de Mon Rêve (2004).
Poza intensywną działalnością koncertową i festiwalową CocoRosie komponowały muzykę do czterech spektakli teatralnych w reżyserii Roberta Wilsona (Peter Pan, Pushin’s Fairy Tales, Edda, Jungle Book), a kolejne współprace są w przygotowaniu. Duet współpracował również z Kronos Quartet podczas San Francisco Jazz Festival, rozwijając materiał na wspólny album.
Bianca Casady od lat rozwija własną praktykę teatralną, tworząc multimedialne projekty taneczno-teatralne w ramach rezydencji i szkół teatralnych w całej Europie. Jej styl jest surowy i „ręczny”, jednocześnie silnie zakorzeniony w obrazie i muzyce. Narracje często czerpią z archetypów zdeformowanego świata baśni, a teatr eksploruje tematy szaleństwa, wygnania i podległości poprzez mroczne, poetyckie obrazy i transgresyjne środki wyrazu. Charakterystyczne są tu przedmioty znalezione, historyczne kostiumy i wpisywanie się w lokalne konteksty. Twórczość Bianki łączy poezję, muzykę i sztuki wizualne w intensywne, intymne, a zarazem prowokujące wizje sceniczne.
Do jej wcześniejszych realizacji należą m.in. NightShift (2012, Kampnagel w Hamburgu), Mother Hunting (2015, Narodowy Teatr w Oslo) oraz The Angel Show (2017, Narodowa Akademia Teatralna w Norwegii). Bianca wystawiała również swoje prace wizualne na wystawach indywidualnych, m.in. w Deitch Projects (2007) i Cheim & Read Gallery (2012), a także prowadzi eksperymentalny kurs poezji Remembering The Miracle. W 2023 roku opublikowała debiutancki tom poezji Au bord du ciel: Heaven bound.
Sierra Casady występowała i aranżowała muzykę na całym świecie, współpracując z orkiestrami i instytucjami takimi jak Orkiestra Symfoniczna w Amsterdamie, ICA w Londynie czy Sydney Opera House. Jest również autorką opery Soul Life, zaprezentowanej na Donau Festival w Krems.
JUSTYNA WASILEWSKA
Justyna Wasilewska jest jedną z najważniejszych polskich aktorek teatralnych i filmowych, związaną z TR Warszawa. Współpracowała m.in. z Kornélem Mundruczó, René Polleschem i Anną Smolar. Znana jest także z serialu Heweliusz oraz z filmu Serce miłości w reżyserii Łukasza Rondudy. Za rolę Mai w spektaklu Cząstki Kobiety dostała nagrodę im. Aleksandra Zelwerowicza, nagrodę miesięcznika „Teatr”, nagrodę dla za najlepszą rolę żeńską na festiwalu Boska Komedia. Spektakl z jej udziałem prezentowany był na wszystkich najważniejszych festiwalach w Europie.
ICHIHARA AKIHITO (tancerz butoh)
Akihito Ichihara jest jednym z czołowych japońskich tancerzy butoh, przez wiele lat pierwszym wykonawcą legendarnej grupy Sankai Juku oraz założycielem zespołu ELF. Blisko 30 lat spędzonych w Sankai Juku pozwoliło mu nie tylko zachować, ale i twórczo rozwijać charakterystyczną technikę zespołu, uznawaną za jedną z fundamentalnych metod współczesnego butoh. Ichihara współpracował z kluczowymi postaciami tej dziedziny, brał udział w projektowaniu scenografii i konsekwentnie traktuje taniec jako narzędzie empatii oraz kulturowego dialogu. Od momentu powołania ELF w 2022 roku działa na rzecz upowszechniania butoh wśród nowych odbiorców i młodszych pokoleń poprzez międzynarodowe spektakle i warsztaty.
CHRISTOPHER NELL (nagrany głos mówiony)
Christopher Nell współpracował z takimi reżyserami jak Claus Peymann, Peter Stein, Mona Kraushaar i Manfred Karge, występując w licznych spektaklach, m.in. Romeo, Mackie Messer, Hamlet czy Mephisto. W 2011 roku zagrał u Roberta Wilsona w spektaklu The Life and Death of Marina Abramović, wystawionym na Manchester International Festival, obok Willema Dafoe, Anthony’ego Hegarty’ego i Mariny Abramović.
W grudniu 2018 roku wystąpił w Volksbühne Berlin, a w sezonie 2022/23 zadebiutował na scenie Schauspiel Leipzig w spektaklu Lazarus w reżyserii Huberta Wilda. Od 2003 roku koncertuje także z Claudią Graue i Marcusem Melzwigiem jako członek nagradzanego tria a cappella Muttis Kinder, występując w krajach niemieckojęzycznych oraz m.in. w Singapurze, Tajwanie, Kanadzie, Wielkiej Brytanii, Rumunii i Chorwacji.
MARC CHOURAIN (cristal Baschet, theremin, instrumenty klawiszowe)
Na przestrzeni lat Marc Chourain wypracował pozycję jednego z najwybitniejszych wykonawców gry na cristal Baschet i thereminie – instrumentach o eterycznym brzmieniu, które wykorzystuje do budowania intensywnych, zapadających w pamięć emocji. Współpracował m.in. z Benjaminem Biolayem, Diam’s, Woodkidem, Orelsanem, Boobą, Keren Ann, Raphaëlem, Dannym Elfmanem i Isabellą Rossellini.
DOUGLAS WIESELMAN (gitara elektryczna, instrumenty dęte)
Douglas Wieselman jest wszechstronnym muzykiem i multiinstrumentalistą. W swojej karierze współpracował z artystami z różnych obszarów sztuki, m.in. z Johnem Luriem, Anohni and the Johnsons, Laurie Anderson, Lou Reedem, CocoRosie, Marthą Wainwright, Jerome’em Robbinsem, Halem Willnerem, Butchem Morrisem, Kronos Quartet oraz Robertem Wilsonem.
SIMONE DRAETTA (skrzypce)
Eklektyczny skrzypek, którego kariera obejmuje szerokie spektrum gatunków i kontekstów – od muzyki klasycznej i współczesnej po jazz i pop. Jako muzyk orkiestrowy regularnie współpracuje z orkiestrą Istituto Rusconi w Rho oraz Canova Chamber Orchestra. Jest także jedną z kluczowych postaci włoskiej sceny jazzowych skrzypiec. Od 2025 roku współpracuje z CocoRosie.
VIOLA MARIETTI (performerka / aktorka)
Viola Marietti jest włoską aktorką (ur. 1992). Do jej najważniejszych ról teatralnych należą Teukros w Helenie oraz Lampitò w Lizystracie wystawionej w Greckim Teatrze w Syrakuzach – kreacje, które przyniosły jej nagrodę Enrico di Luciano dla najlepszej wschodzącej aktorki. Jest córką cenionej włoskiej aktorki Lelli Costy oraz Andrei Mariettiego.
A.J. WEISSBARD (reżyseria światła)
A.J. Weissbard jest wszechstronnym artystą, który światło i przestrzeń traktuje jak podstawowe tworzywo swojej pracy. Tworzy projekty wymykające się gatunkowym klasyfikacjom, realizowane na styku teatru, opery i tańca. Współpracował m.in. z Robertem Wilsonem, Peterem Steinem, Mariną Abramović, Peterem Greenawayem, Davidem Cronenbergiem, Gae Aulenti, Giorgiem Armanim, Hugo Bossem, Ermenegildo Zegną, CocoRosie oraz Martha Graham Dance Company.
DARIO FELLI (projekt dźwięku)
Dario Felli jest artystą dźwięku mieszkającym obecnie w Amsterdamie. Jego praktyka obejmuje projektowanie dźwięku do spektakli teatralnych, produkcję muzyczną oraz kompozycję elektroakustyczną. Regularnie współpracuje jako sound designer z uznanymi reżyserami teatralnymi, a jego kompozycje funkcjonują również jako elementy instalacji sztuki współczesnej prezentowanych na całym świecie.
CORENTIN JPM LEVEN (wideo / scenografia)
Corentin JPM Leven to multidyscyplinarny artysta pracujący w Oslo. Wykształcony jako scenograf, z czasem rozszerzył swoją praktykę o performans, teatr i taniec, łącząc pracę z obrazem i działaniami scenicznymi. W ramach CJPM Productions prezentuje międzynarodowo projekty podejmujące tematykę queerową oraz zagadnienia związane z HIV/AIDS, w tym DIWRIZIENNET – Lost Genealogies. Jego prace były pokazywane m.in. w La MaMa, Judson Memorial Church oraz MoMA w Nowym Jorku.
GASPARD YURKIEVICH (kostiumy)
Francuski projektant Gaspard Yurkievich od ponad dekady należy do grona najbardziej rozpoznawalnych twórców mody na świecie. Jego projekty wyróżniają się wyrazistym charakterem i konsekwentnym, autorskim stylem.
Spektakl dla widzów powyżej 15. roku życia.
______________
Dofinansowano ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego pochodzących z Funduszu Promocji Kultury – państwowego funduszu celowego
Możliwość zakupu biletu OzN uprawniającego do wstępu na wydarzenie wraz z osobą towarzyszącą
Miejsca na widowni są stojące, występuje swobodny ruch publiczności
Dostępny sektor z miejscami siedzącymi (ograniczona liczba miejsc) – aby skorzystać z dostępnego sektora należy posiadać bilet OzN lub zgłosić potrzebę skorzystania z miejsca siedzącego wysyłając maila na adres: natalia.dabrowska@malta-festival.pl i otrzymać z ww. adresu potwierdzenie rezerwacji miejsca
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Sala Wielka w CK Zamek
LA MORT DE LA MER
19:00
/ Teatr, Opera, Performans
Sala Wielka CK Zamek
czytaj więcej
Najnowszy spektakl Moniki Błaszczak. Dziady II stają się spotkaniem z cudzymi duszami i własnymi cieniami. Inspirowany Mickiewiczem spektakl Polskiego Teatru Tańca zamienia rytuał w przestrzeń wspólnoty, relacji i konfrontacji z tym, co żywe, nieobecne i powracające.
Wprawione w ruch ciała tworzą tu czasoprzestrzeń dla osobliwych obecności i pytań o bliskość, pamięć oraz współodczuwanie. Twórcy zapraszają publiczność, by odkryć Dziady na nowo.
W Dziadach II wychodzimy na spotkanie cudzym duszom i własnym cieniom: podążając za bohater(k)ami dramatu napotykamy samych siebie, uwikłanych w nieoczywiste pragnienia i poszukujących wspólnoty. Opisany przez Mickiewicza rytuał staje się przestrzenią spotkania z żywymi i nie/umarłymi, a także okazją do odnowienia relacyjności w bezpiecznych warunkach scenicznego spotkania. Wprawione w ruch ciała podczas dziadów tworzą czasoprzestrzeń, do której zapraszamy wszelkie osobliwe nie/obecności. zespół zaprasza też publiczność : przyjdźcie na dziady, by odkryć je na nowo!
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie: Polski Teatr Tańca
DZIADY II
20:00
/ Wydarzenia towarzyszące
Polski Teatr Tańca
czytaj więcej
Dobry Stół to plenerowa kolacja Malta Festival, która 22 czerwca na Wolnym Dziedzińcu Urzędu Miasta Poznania połączy sztukę kulinarną, muzykę i działanie społeczne w formie wielozmysłowego doświadczenia. To nowy kierunek rozwijany przez festiwal, który rozszerza swoje pole o kuchnię jako pełnoprawną dziedzinę sztuki.
Wydarzenie ma również wymiar społeczny – połowa dochodu z biletów zostanie przeznaczona na program Żółty Talerz realizowany przez Kulczyk Foundation. Wspólny stół dla ponad 300 osób stanie się przestrzenią spotkania, w której zacierają się granice między artystami a publicznością.
Dobry Stół to starannie zaprojektowane doświadczenie, w którym smak, dźwięk i obraz tworzą spójną opowieść. Wydarzenie rozgrywa się w czterech częściach odpowiadających porom roku – wiośnie, lecie, jesieni i zimie – interpretowanych poprzez kompozycję dań, zapach, estetykę podania oraz muzykę wykonywaną na żywo, w tym fragmenty Czterech pór roku Antonia Vivaldiego. Każde z dań stanowi osobny akt tej historii, inspirowanej naturą, sezonowością i dziedzictwem kulinarnym regionu.
Za koncepcję menu odpowiadają poznańscy szefowie kuchni: Dawid Łagowski, Tomasz Zdrenka oraz Mariusz Górecki, którzy sięgają po lokalne produkty i tradycje Wielkopolski, reinterpretując je w autorski sposób. Ich propozycje układają się w opowieść o miejscu – o mieście, które współtworzy program festiwalu poprzez swoją historię i smak.
Jedno z dań powstanie we współpracy z partnerem wydarzenia – Kuchnią Vikinga, pod kierunkiem Eweliny Łapińskiej. Będzie to letnia interpretacja inspirowana smakami Podlasia, wprowadzająca do kolacji osobistą perspektywę.
Centralnym punktem wydarzenia będzie wspólny stół dla ponad 300 osób – artystów, gości festiwalu i publiczności. To sytuacja, w której znika podział na scenę i widownię, a kluczowe staje się spotkanie i współtworzenie doświadczenia.
Wydarzenie ma także wyraźny wymiar społeczny. Połowa dochodu z biletów zostanie przeznaczona na wsparcie programu Żółty Talerz realizowanego przez Kulczyk Foundation, który przeciwdziała niedożywieniu dzieci w Polsce, zapewniając im dostęp do pełnowartościowych posiłków oraz edukacji żywieniowej.
Za aranżację stołów odpowiada marka GotGlass. Scenografia oparta na świetle, szkle, świecach i charakterystycznych żółtych talerzach nawiązuje do idei programu Żółty Talerz.
Dobry Stół jest częścią programu Malta Festival 2026, który od 21 do 28 czerwca wypełni Poznań wydarzeniami z pogranicza teatru, muzyki i sztuk performatywnych. Wydarzenie rozwija język festiwalu, pokazując, że kuchnia może funkcjonować jako medium artystyczne i narzędzie działania społecznego.
Wejście na wydarzenie następuje wyłącznie bramą wjazdową znajdującą się po prawej stronie od głównego wejścia do Urzędu Miasta Poznania (Plac Kolegiacki 17)
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Wolny Dziedziniec Urzędu Miasta Poznania
DOBRY STÓŁ
20:00
/ Wydarzenia towarzyszące
Wolny Dziedziniec Urzędu Miasta Poznania
czytaj więcej
Kino kobiet to cykl pokazów filmowych i spotkań, podczas których kino staje się punktem wyjścia do rozmowy o relacjach, emocjach i doświadczeniach współczesnego świata.
La petite mort to osobisty eksperyment balansujący między filmem, teatrem i dokumentem. Inspirowana postacią Ofelii opowieść o przyjaźni, pamięci i dorastaniu prowadzi przez archiwa dzieciństwa oraz doświadczenia dziewczyn dorastających w małym mieście w Polsce początku XXI wieku.
Po seansie odbędzie się spotkanie z reżyserkami i aktorkami Martyną Byczkowską i Kają Zalewską oraz aktorem Dominikiem Rubajem.
To nasz osobisty eksperyment, w którym łączymy film, teatr i dokument. To historia Ofelii, która trafia na proces sądowy, gdzie rozszczepia się na dwie osoby. W tej podróży sennej przechodząc przez różne etapy życia, obie jej części próbują zrozumieć jej decyzje. Inspiracja szekspirowskim portretem Ofelii pozwoliła nam również opowiedzieć historię naszej przyjaźni. W filmie dzielimy się prywatnymi materiałami z dzieciństwa, które są portretem dziewczyn dorastających w małym mieście w Polsce 2000 roku.
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Park Starego Browaru
KINO KOBIET: LA PETITE MORT
21:30
/ Film, Panel
Park Starego Browaru
czytaj więcej
23.06/wtorek
Goście będą mogli spróbować autorskich naparów przygotowanych przez Sarę Grolewską-Szymczak, opartych na ziołach i tradycjach naturalnych praktyk. Dostępnych cały czas podczas działania namiotu i obsługiwanych przez wolontariuszy.
Sara Grolewska-Szymczak – kulturoznawczyni, animatorka kultury, dyplomowana zielarka i fitoterapeutka oraz założycielka Stowarzyszenia „Dziewczyny w Naturze”. Od lat popularyzuje wiedzę o ziołach, etnobotanice, ekologii ekoeminizmie i kobiecej wspólnotowości, prowadząc warsztaty, spacery zielarskie i działania edukacyjne. Jest także twórczynią marki „Napary od Sary” oraz autorką projektu „Dobre Ziele”, poprzez który zachęca do uważnego kontaktu z naturą i lokalnymi roślinami. W swojej działalności łączy tradycyjną wiedzę zielarską z nowoczesnym podejściem do ekologii i kultury.
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Polana nad Wartą (obok przystanku tramwaju wodnego Marii Panny)
NAPARY OD SARY
09:00
/ Plener
Polana nad Wartą (obok Przystanku Tramwaju Wodnego Panny Marii)
czytaj więcej
Gimnastyka słowiańska to praktyka pracy z ciałem, łącząca ruch, oddech i uważność. Opiera się na łagodnych, płynnych ćwiczeniach, które pomagają rozluźnić napięcia, wzmocnić ciało i pogłębić kontakt ze sobą.
Poprzez pracę z miednicą, kręgosłupem i mięśniami głębokimi uczestniczki mogą odzyskać poczucie stabilności i wewnętrznej siły, jednocześnie ucząc się uważności i czułości wobec własnego ciała. Warsztat jest dedykowany dla dziewczynek i kobiet po pierwszej miesiączce.
Prowadząca: Rita Małgorzata Daniło-Gorlewicz — doświadczona instruktorka gimnastyki słowiańskiej i tantry. Twórczyni przestrzeni Metamorphosis, w której pracuje z ciałem, energią seksualną, oddechem i świadomością. Od lat towarzyszy kobietom w pogłębianiu relacji ze sobą, łącząc wiedzę o ruchu z głębokim wyczuciem procesów emocjonalnych i tworząc bezpieczną, uważną przestrzeń.
Udział w warsztatach nie wymaga zapisów.
Liczba miejsc jest jednak ograniczona, dlatego zachęcamy do wcześniejszego przybycia, aby mieć pewność udziału.
Prosimy również o zabranie ze sobą własnych mat/kocyków/poduszek jaś.
Ubranie komfortowe – zazwyczaj gimnastykę ćwiczy się w długich spódnicach lub sukienkach.
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Polana nad Wartą (obok przystanku tramwaju wodnego Panny Marii)
GIMNASTYKA SŁOWIAŃSKA
09:00
/ Plener, Warsztaty
Polana nad Wartą (obok Przystanku Tramwaju Wodnego Panny Marii)
czytaj więcej
W ramach sekcji Wiedźmy podczas Malta Festival, odbywającej się w czasie letniego przesilenia, w dniach 22–24 czerwca, otwarty będzie Namiot Wiedźm – wyjątkowa przestrzeń spotkań, odpoczynku i wspólnego odkrywania dawnych tradycji oraz współczesnych praktyk związanych z kobiecą duchowością, intuicją i kulturą. Położony tuż nad Wartą namiot stanie się miejscem wyciszenia, rozmowy i doświadczenia alternatywnych form bycia razem.
W programie znajdą się warsztaty, spotkania oraz działania inspirowane symboliką wiedźm, rytuałów i kobiecej wspólnotowości. Uczestnicy będą mogli spróbować autorskich naparów przygotowanych przez Sarę Grolewską-Szymczak, opartych na ziołach i tradycjach naturalnych praktyk.
Przestrzeń namiotu stanie się także miejscem odkrywania wiedźmińskich symboli, wróżb i motywów obecnych zarówno w dawnych wierzeniach, jak i we współczesnej popkulturze. Przyjrzymy się ich historycznym korzeniom, znaczeniom oraz temu, dlaczego dziś powracają jako język opowiadania o kobiecej sile, niezależności i potrzebie wspólnoty.
Na miejscu będzie można również własnoręcznie upleść tradycyjny wianek – symbol cykliczności, natury i letnich rytuałów związanych z przesileniem.
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Polana nad Wartą (obok przystanku tramwaju wodnego Panny Marii)
NAMIOT WIEDŹM
09:00
/ Plener
Polana nad Wartą (obok Przystanku Tramwaju Wodnego Panny Marii)
czytaj więcej
Projekt Ewy Kuleszy koncentruje się na subtelnych śladach dziecięcych doświadczeń – wspomnieniach, które znikają pod powierzchnią świadomości, ale nadal wpływają na ciało i sposób odczuwania świata. Interaktywna instalacja zaprasza do doświadczenia poprzez dotyk, obecność i pozostawianie śladów, uruchamiając proces osobistej refleksji.
Wystawa staje się spotkaniem z tym, co ukryte, a jednocześnie fundamentalne dla naszego wewnętrznego świata. Kulesza – artystka, fotografka i wykładowczyni Uniwersytetu Artystycznego w Poznaniu – od lat tworzy projekty związane z pamięcią, ciałem i doświadczeniem wizualnym.
Projekt prezentowany jest przez Galerię Sztuki Czas Kobiet – przestrzeń wspierającą współczesne artystki i działania podejmujące tematy wspólnotowości, kobiecości oraz społecznej i kulturowej sprawczości.
Projekt koncentruje się na subtelnych sygnałach dotyczących dziecięcych doświadczeń. Zdarzenia wczesnych lat osuwają się w głąb podświadomości. Choć giną w procesie sedymentacji wspomnień, pozostają aktywne — nieustannie oddziałują na nasze ciało i sposób odczuwania świata.
Instalacja ma charakter interaktywny. Zbudowana z materiałów ulotnych i zmiennych, zaprasza do doświadczenia poprzez dotyk, pozostawienia śladu, do bycia tu i teraz. Gest odcisku palców staje się zarówno fizycznym działaniem, jak i metaforą — uruchamiając proces refleksji i zanurzenia we własną historię.
Wystawa Ewy Kuleszy to spotkanie z tym, co ukryte a jednocześnie fundamentalne dla naszego wewnętrznego świata.
Ewa Kulesza, ur. 1977 w Poznaniu.
W latach 1997 – 2003 studiowała Realizację Obrazu Filmowego, Telewizyjnego, Fotografię Oraz równolegle Rzeźbę na Akademii Sztuk Pięknych w Poznaniu. Obroniła dyplomy z
Rysunku i Rzeźby u prof. Macieja Szańkowskiego i prof. Jarosława Kozłowskiego oraz z Fotografii u dr hab. Krzysztofa J. Baranowskiego. Stypendystka Ministerstwa Kultury i Sztuki (1997). Otrzymała stypendium twórcze Miasta Poznania (2004). Została zaproszona na rezydencję artystyczną w Bern w Szwajcarii (2000) oraz w Nordic Kunst Dale w Norwegii (2007). W 2021 r. została wybrana do Secondary Archive – platformy badawczej i bazodanowej dotyczącej artystek Europy Centralnej i Wschodniej po II wojnie światowej stworzonej przez Katarzyna Kozyra Foundation, Zachęta Narodowa Galeria Sztuki, East Topics, Bjornson, Meetfactory.
Od 2004 r. pracuje na Uniwersytecie Artystycznym w Poznaniu. W 2009 roku obroniła doktorat w dziedzinie sztuki piękne a w 2019 r. roku uzyskała stopień doktora habilitowanego. Od 2018 r. jest członkinią Rady Naukowej. Od 2024 r. członkinią Senatu Uczelni oraz Rady Programowej Wydziału Malarstwa i Rysunku. W latach 2023 – 2025 pełniła funkcję Koordynatorki Study in English w zakresie Sztuki i Teorii. W latach 2011-2014 współtworzyła projekt TERAZ RYSUNEK w ramach którego odbyły się 34 wykłady wybitnych postaci ze świata sztuki polskiej. Od 2022 r. wspólnie z dr hab. Dianą Fiedler Prowadzi Pracownię Praktyk i Badań Artystycznych w Uniwersytecie Artystycznym w Poznaniu.
Galeria Sztuki Czas Kobiet realizuje misję wspierania, promowania i upowszechniania twórczości współczesnych artystek różnych pokoleń. Naszym celem jest tworzenie przestrzeni, w której kobiety aktywne artystycznie mogą swobodnie rozwijać swoje praktyki twórcze, prezentować nowe projekty oraz budować sieci współdziałania i solidarności.
Galeria koncentruje się na sztuce podejmującej kluczowe dla współczesności zagadnienia: kobiecości i jej kulturowych reprezentacji, wspólnotowości i siostrzeństwa, praw kobiet, przeciwdziałania przemocy, redefinicji ról społecznych oraz poszukiwania języka sprawczości. Wspieramy artystki, które badają miejsce kobiet w historii sztuki i podejmują refleksję nad redefinicją kanonu, a także te, które reagują na aktualne problemy społeczno-kulturowe.
Od kilku lat Galeria zapewnia żyjącym artystkom profesjonalną, otwartą i bezpieczną przestrzeń do prezentacji projektów realizowanych w szerokim spektrum mediów — od malarstwa, rysunku i rzeźby, przez fotografię i instalacje multimedialne, po działania performatywne. Wystawiamy zarówno projekty indywidualne, jak i grupowe, podkreślając znaczenie dialogu, wymiany perspektyw oraz potencjału wspólnototwórczego, który niesie sztuka.
CHRONIONE CZĘSTOTLIWOŚCI (WYSTAWA)
10:00
/ Wydarzenia towarzyszące
Galeria Sztuki Czas Kobiet
czytaj więcej
Na wystawie zostaną zaprezentowane przykłady procesów ideowych i projektowych w postaci rysunków, analiz i modeli przestrzennych, prowadzących do powstania spektakli teatralnych prezentowanych, między innymi, w ramach Festiwalu „Malta”. Niektóre z wymienionych materiałów są częścią historii tego wydarzenia a dodatkowym uzupełnieniem są materiały fotograficzne ze spektakli. Prezentowane w postaci reprodukcji prace rysunkowe są w oryginale własnością Muzeum Śląskiego w Katowicach.
Część druga wystawy zaprezentuje cykle rysunkowe będące rodzajem „spektaklu potencjalnego” (in potentia) bez stanu realizacji. Ten rysunkowy materiał odnosi się częściowo do profetycznego dzieła literackiego Janusza Andrzeja Zajdla pt ”Limes Inferior” z 1979 roku będącego formą fantastyki socjologicznej osadzoną w przestrzeniach dystopijnego miasta Argoland. Pozostałe cykle rysunkowe są samodzielnymi autonomicznymi bytami rysunkowymi wynikającymi z wewnętrznej intuicji przestrzennej i formalnej autora.
Bohdan Cieślak – architekt wnętrz, scenograf, rysownik i malarz. Autor ponad 30stu scenografii teatralnych realizowanych na ważnych polskich scenach teatru dramatycznego, tańca i animacji. Współpraca z takimi twórcami jak Lech Raczak (wieloletni dyrektor artystyczny Międzynarodowego Festiwalu „Malta” w Poznaniu) czy Ewa Wycichowska (dyrektorka Polskiego Teatru Tańca w Poznaniu) Jego prace scenograficzne w postaci rysunków, projektów i makiet scenograficznych w liczbie kilkuset obiektów są częścią zbiorów Muzeum Śląskiego w Katowicach (Centrum Scenografii Polskiej) i były eksponowane podczas indywidualnych wystaw autora w Muzeum Śląskim oraz w Muzeum Narodowym w Poznaniu. Brał on również udział w wystawie zbiorowej pt „Wirtuozi wyobraźni. Rysunki przestrzeni i postaci artystów współczesnych ze zbiorów Muzeum Śląskiego” obok takich twórców jak Tadeusz Kantor, Jerzy Skarżyński, Jerzy Gurawski, Jan Berdyszak, Janusz Wiśniewski czy Jadwiga Mydlarska – Kowal.
PRZESTRZENIE SPEKTAKLU
10:00
Centrum Festiwalowe. Galeria Nowa Scena UAP
czytaj więcej
Uczestniczki i uczestnicy będą tworzyć wianki z żywych roślin, ucząc się znaczenia kwiatów i ziół.
Wianek, jako symbol kobiecej energii, cykliczności i więzi z przyrodą, może stać się osobistym talizmanem, który będzie można wykorzystać podczas obchodów Nocy Świętojańskiej.
Prowadząca: Rita Małgorzata Daniło-Gorlewicz — doświadczona instruktorka gimnastyki słowiańskiej i tantry. Twórczyni przestrzeni Metamorphosis, w której pracuje z ciałem, energią seksualną, oddechem i świadomością. Od lat towarzyszy kobietom w pogłębianiu relacji ze sobą, łącząc wiedzę o ruchu z głębokim wyczuciem procesów emocjonalnych i tworząc bezpieczną, uważną przestrzeń.
Udział w warsztatach nie wymaga zapisów.
Liczba miejsc jest jednak ograniczona, dlatego zachęcamy do wcześniejszego przybycia, aby mieć pewność udziału.
Prosimy również o zabranie ze sobą własnych mat i kocyków.
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Polana nad Wartą (obok przystanku tramwaju wodnego Panny Marii)
PLECENIE WIANKÓW
12:00
/ Plener, Warsztaty
Polana nad Wartą (obok Przystanku Tramwaju Wodnego Panny Marii)
czytaj więcej
Polska premiera i specjalna odsłona opery‑performansu La Mort de la Mer autorstwa CocoRosie z udziałem Justyny Wasilewskiej to pierwsze teatralne ogłoszenie Malta Festival 2026. Spektakl – inspirowany ośmioma fazami księżyca, rytmami natury i refleksją ekologiczną – zostanie zaprezentowany 22 i 23 czerwca 2026 roku w Sali Wielkiej CK Zamek w Poznaniu. To pierwszy pokaz spektaklu od światowej premiery na festiwalu Transart w Bolzano we wrześniu 2025 roku i powrót CocoRosie na Malta Festival po 20 latach od ich pierwszego koncertu w Polsce.
La Mort de la Mer to opera audiowizualna o eksperymentalnej, immersyjnej konstrukcji, w której muzyka, performans i teatr wizualny tworzą jedno sceniczne środowisko. Spektakl ma cykliczny przebieg i rozwija się jako poetycki, rytualny proces, a publiczność doświadcza go z różnych perspektyw — w bliskości działania i z możliwością zmiany punktu obserwacji.
Przewodniczkami tej opowieści są dwie symboliczne figury — Moon i Sea (Księżyc i Morze), które otwierają przed widzami przestrzeń refleksji nad czasem, pamięcią i relacją człowieka z kosmosem i naturą. Całość układa się w medytacyjne tableau zawieszone pomiędzy tym, co intymne, a tym, co planetarne.
Warstwa muzyczna spektaklu łączy charakterystyczny język CocoRosie – balansujący na pograniczu muzyki eksperymentalnej, elektroniki i pieśni – z imersyjną formą doświadczania.
Centralnym tematem spektaklu jest relacja człowieka z naturą w dobie kryzysu ekologicznego. Motyw „śmierci morza” pojawia się tu jako doświadczenie utraty równowagi i żałoby po świecie, który znika, ale także jako impuls do redefinicji relacji człowieka z otaczającym środowiskiem.
W polskiej premierze spektaklu weźmie udział Justyna Wasilewska – jedna z najważniejszych polskich aktorek teatralnych, związana m.in. z TR Warszawa. Współpracowała z Kornélem Mundruczó (Cząstki kobiety), René Polleschem i Anną Smolar. Szerokiej publiczności znana jest również z serialu Heweliusz Jana Holoubka oraz z filmu Serce miłości w reżyserii Łukasza Rondudy.
COCOROSIE
CocoRosie to duet artystyczny z oddaną, międzynarodową publicznością – od Europy, przez Stany Zjednoczone, po Amerykę Południową i inne regiony świata. Od ponad dwóch dekad siostry Bianca i Sierra Casady konsekwentnie wydają nowatorskie albumy studyjne i występują przed wyprzedanymi salami koncertowymi. Ich twórczość rozpoznawalna jest dzięki mistrzowskiej poezji, ponadczasowym harmoniom oraz charakterystycznemu połączeniu lo-fi, „zabawkowych” brzmień z klasyczną instrumentacją i rytmami wymykającymi się gatunkowym klasyfikacjom.
Sierra Casady jest klasycznie wykształconą śpiewaczką operową i aktorką sceniczną, Bianca Casady zaś poetką, reżyserką teatralną i artystką wizualną. Wspólnie łączą muzykę, praktyki teatralne oparte na ruchu i pracy z postacią, modę oraz sztukę współczesną, tworząc wielowymiarowe projekty opowiadające o pięknie i smutku wspólnego doświadczenia. Poprzez wywrotową, precyzyjnie skonstruowaną sztukę CocoRosie sięgają po ironię i zabawę, by zabierać głos w sprawach praw człowieka i kwestionować społeczne normy – często dotykając tematów tabu. Szeroko podziwiane, bywa że niezrozumiane, lecz zawsze konsekwentne, CocoRosie pozostaje jednym z najbardziej wyrazistych projektów artystyczno-muzycznych ostatnich dwóch dekad.
CocoRosie wydały dotąd osiem albumów studyjnych, z których najnowszy – Little Death Wishes (2025) – zamyka kolejną fazę ich twórczości. Wcześniejsze wydawnictwa to m.in. Put The Shine On (2020), Heartache City (2015), Tales of a Grasswidow (2013), Grey Oceans (2010), The Adventures of Ghosthorse and Stillborn (2007), Noah’s Ark (2005) oraz La Maison de Mon Rêve (2004).
Poza intensywną działalnością koncertową i festiwalową CocoRosie komponowały muzykę do czterech spektakli teatralnych w reżyserii Roberta Wilsona (Peter Pan, Pushin’s Fairy Tales, Edda, Jungle Book), a kolejne współprace są w przygotowaniu. Duet współpracował również z Kronos Quartet podczas San Francisco Jazz Festival, rozwijając materiał na wspólny album.
Bianca Casady od lat rozwija własną praktykę teatralną, tworząc multimedialne projekty taneczno-teatralne w ramach rezydencji i szkół teatralnych w całej Europie. Jej styl jest surowy i „ręczny”, jednocześnie silnie zakorzeniony w obrazie i muzyce. Narracje często czerpią z archetypów zdeformowanego świata baśni, a teatr eksploruje tematy szaleństwa, wygnania i podległości poprzez mroczne, poetyckie obrazy i transgresyjne środki wyrazu. Charakterystyczne są tu przedmioty znalezione, historyczne kostiumy i wpisywanie się w lokalne konteksty. Twórczość Bianki łączy poezję, muzykę i sztuki wizualne w intensywne, intymne, a zarazem prowokujące wizje sceniczne.
Do jej wcześniejszych realizacji należą m.in. NightShift (2012, Kampnagel w Hamburgu), Mother Hunting (2015, Narodowy Teatr w Oslo) oraz The Angel Show (2017, Narodowa Akademia Teatralna w Norwegii). Bianca wystawiała również swoje prace wizualne na wystawach indywidualnych, m.in. w Deitch Projects (2007) i Cheim & Read Gallery (2012), a także prowadzi eksperymentalny kurs poezji Remembering The Miracle. W 2023 roku opublikowała debiutancki tom poezji Au bord du ciel: Heaven bound.
Sierra Casady występowała i aranżowała muzykę na całym świecie, współpracując z orkiestrami i instytucjami takimi jak Orkiestra Symfoniczna w Amsterdamie, ICA w Londynie czy Sydney Opera House. Jest również autorką opery Soul Life, zaprezentowanej na Donau Festival w Krems.
JUSTYNA WASILEWSKA
Justyna Wasilewska jest jedną z najważniejszych polskich aktorek teatralnych i filmowych, związaną z TR Warszawa. Współpracowała m.in. z Kornélem Mundruczó, René Polleschem i Anną Smolar. Znana jest także z serialu Heweliusz oraz z filmu Serce miłości w reżyserii Łukasza Rondudy. Za rolę Mai w spektaklu Cząstki Kobiety dostała nagrodę im. Aleksandra Zelwerowicza, nagrodę miesięcznika „Teatr”, nagrodę dla za najlepszą rolę żeńską na festiwalu Boska Komedia. Spektakl z jej udziałem prezentowany był na wszystkich najważniejszych festiwalach w Europie.
ICHIHARA AKIHITO (tancerz butoh)
Akihito Ichihara jest jednym z czołowych japońskich tancerzy butoh, przez wiele lat pierwszym wykonawcą legendarnej grupy Sankai Juku oraz założycielem zespołu ELF. Blisko 30 lat spędzonych w Sankai Juku pozwoliło mu nie tylko zachować, ale i twórczo rozwijać charakterystyczną technikę zespołu, uznawaną za jedną z fundamentalnych metod współczesnego butoh. Ichihara współpracował z kluczowymi postaciami tej dziedziny, brał udział w projektowaniu scenografii i konsekwentnie traktuje taniec jako narzędzie empatii oraz kulturowego dialogu. Od momentu powołania ELF w 2022 roku działa na rzecz upowszechniania butoh wśród nowych odbiorców i młodszych pokoleń poprzez międzynarodowe spektakle i warsztaty.
CHRISTOPHER NELL (nagrany głos mówiony)
Christopher Nell współpracował z takimi reżyserami jak Claus Peymann, Peter Stein, Mona Kraushaar i Manfred Karge, występując w licznych spektaklach, m.in. Romeo, Mackie Messer, Hamlet czy Mephisto. W 2011 roku zagrał u Roberta Wilsona w spektaklu The Life and Death of Marina Abramović, wystawionym na Manchester International Festival, obok Willema Dafoe, Anthony’ego Hegarty’ego i Mariny Abramović.
W grudniu 2018 roku wystąpił w Volksbühne Berlin, a w sezonie 2022/23 zadebiutował na scenie Schauspiel Leipzig w spektaklu Lazarus w reżyserii Huberta Wilda. Od 2003 roku koncertuje także z Claudią Graue i Marcusem Melzwigiem jako członek nagradzanego tria a cappella Muttis Kinder, występując w krajach niemieckojęzycznych oraz m.in. w Singapurze, Tajwanie, Kanadzie, Wielkiej Brytanii, Rumunii i Chorwacji.
MARC CHOURAIN (cristal Baschet, theremin, instrumenty klawiszowe)
Na przestrzeni lat Marc Chourain wypracował pozycję jednego z najwybitniejszych wykonawców gry na cristal Baschet i thereminie – instrumentach o eterycznym brzmieniu, które wykorzystuje do budowania intensywnych, zapadających w pamięć emocji. Współpracował m.in. z Benjaminem Biolayem, Diam’s, Woodkidem, Orelsanem, Boobą, Keren Ann, Raphaëlem, Dannym Elfmanem i Isabellą Rossellini.
DOUGLAS WIESELMAN (gitara elektryczna, instrumenty dęte)
Douglas Wieselman jest wszechstronnym muzykiem i multiinstrumentalistą. W swojej karierze współpracował z artystami z różnych obszarów sztuki, m.in. z Johnem Luriem, Anohni and the Johnsons, Laurie Anderson, Lou Reedem, CocoRosie, Marthą Wainwright, Jerome’em Robbinsem, Halem Willnerem, Butchem Morrisem, Kronos Quartet oraz Robertem Wilsonem.
SIMONE DRAETTA (skrzypce)
Eklektyczny skrzypek, którego kariera obejmuje szerokie spektrum gatunków i kontekstów – od muzyki klasycznej i współczesnej po jazz i pop. Jako muzyk orkiestrowy regularnie współpracuje z orkiestrą Istituto Rusconi w Rho oraz Canova Chamber Orchestra. Jest także jedną z kluczowych postaci włoskiej sceny jazzowych skrzypiec. Od 2025 roku współpracuje z CocoRosie.
VIOLA MARIETTI (performerka / aktorka)
Viola Marietti jest włoską aktorką (ur. 1992). Do jej najważniejszych ról teatralnych należą Teukros w Helenie oraz Lampitò w Lizystracie wystawionej w Greckim Teatrze w Syrakuzach – kreacje, które przyniosły jej nagrodę Enrico di Luciano dla najlepszej wschodzącej aktorki. Jest córką cenionej włoskiej aktorki Lelli Costy oraz Andrei Mariettiego.
A.J. WEISSBARD (reżyseria światła)
A.J. Weissbard jest wszechstronnym artystą, który światło i przestrzeń traktuje jak podstawowe tworzywo swojej pracy. Tworzy projekty wymykające się gatunkowym klasyfikacjom, realizowane na styku teatru, opery i tańca. Współpracował m.in. z Robertem Wilsonem, Peterem Steinem, Mariną Abramović, Peterem Greenawayem, Davidem Cronenbergiem, Gae Aulenti, Giorgiem Armanim, Hugo Bossem, Ermenegildo Zegną, CocoRosie oraz Martha Graham Dance Company.
DARIO FELLI (projekt dźwięku)
Dario Felli jest artystą dźwięku mieszkającym obecnie w Amsterdamie. Jego praktyka obejmuje projektowanie dźwięku do spektakli teatralnych, produkcję muzyczną oraz kompozycję elektroakustyczną. Regularnie współpracuje jako sound designer z uznanymi reżyserami teatralnymi, a jego kompozycje funkcjonują również jako elementy instalacji sztuki współczesnej prezentowanych na całym świecie.
CORENTIN JPM LEVEN (wideo / scenografia)
Corentin JPM Leven to multidyscyplinarny artysta pracujący w Oslo. Wykształcony jako scenograf, z czasem rozszerzył swoją praktykę o performans, teatr i taniec, łącząc pracę z obrazem i działaniami scenicznymi. W ramach CJPM Productions prezentuje międzynarodowo projekty podejmujące tematykę queerową oraz zagadnienia związane z HIV/AIDS, w tym DIWRIZIENNET – Lost Genealogies. Jego prace były pokazywane m.in. w La MaMa, Judson Memorial Church oraz MoMA w Nowym Jorku.
GASPARD YURKIEVICH (kostiumy)
Francuski projektant Gaspard Yurkievich od ponad dekady należy do grona najbardziej rozpoznawalnych twórców mody na świecie. Jego projekty wyróżniają się wyrazistym charakterem i konsekwentnym, autorskim stylem.
Spektakl dla widzów powyżej 15. roku życia.
______________
Dofinansowano ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego pochodzących z Funduszu Promocji Kultury – państwowego funduszu celowego
Możliwość zakupu biletu OzN uprawniającego do wstępu na wydarzenie wraz z osobą towarzyszącą
Miejsca na widowni są stojące, występuje swobodny ruch publiczności
Dostępny sektor z miejscami siedzącymi (ograniczona liczba miejsc) – aby skorzystać z dostępnego sektora należy posiadać bilet OzN lub zgłosić potrzebę skorzystania z miejsca siedzącego wysyłając maila na adres: natalia.dabrowska@malta-festival.pl i otrzymać z ww. adresu potwierdzenie rezerwacji miejsca
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Sala Wielka w CK Zamek
LA MORT DE LA MER
14:00
/ Teatr, Opera, Performans
Sala Wielka CK Zamek
czytaj więcej
Panel poświęcony współczesnej duchowości – jej miejscu w codziennym życiu oraz temu, dlaczego coraz więcej kobiet powraca dziś do praktyk duchowych i poszukiwania głębszego kontaktu ze sobą. Porozmawiamy o potrzebie sensu, intuicji, wspólnoty i wewnętrznej równowagi w świecie przeciążonym bodźcami i niepewnością.
Jednym z punktów odniesienia będzie także figura Wiedźmy – odczytywana nie jako stereotyp, lecz symbol kobiecej siły, niezależności, sprawczości i wiedzy przekazywanej poza oficjalnymi strukturami. Zastanowimy się, co współczesne kobiety mogą dziś odzyskać z tego archetypu i dlaczego staje się on ważnym językiem opowiadania o autonomii, intuicji i własnej drodze.
Natalia de Barbaro – psycholożka, socjolożka, pisarka oraz autorka bestsellerów takich jak „Czuła przewodniczka”, „Przędza” i „Przejścia”. Felietonistka „Zwierciadła” i „Tygodnika Powszechnego”. Prowadzi autorskie warsztaty dla kobiet: „Własny pokój”, „Moje TAK, moje NIE” i „Którędy do miłości”, a także szkolenia, warsztaty i interwencje zespołowe w obszarach takich jak komunikacja, przywództwo, motywacja czy wystąpienia publiczne.
Dominika Kulczyk – przedsiębiorczyni, inwestorka i filantropka, założycielka Kulczyk Foundation. Od lat angażuje się w działania na rzecz kobiet, dzieci i grup wykluczonych społecznie, realizując projekty pomocowe na całym świecie. Mecenaska Malta Festival oraz propagatorka Celów Zrównoważonego Rozwoju ONZ. Producentka ponad 60 filmów dokumentalnych tworzonych we współpracy z CNN International i TVN Warner Bros. Discovery. Laureatka Orderu Uśmiechu za działalność na rzecz dzieci.
Maria Peszek – wokalistka, aktorka, autorka tekstów i performerka. Laureatka m.in. Paszportu „Polityki” i Fryderyków. Twórczyni albumów „Miasto mania”, „Maria Awaria”, „Jezus Maria Peszek” czy „Ave Maria”. Autorka bestsellerowej książki „Naku*wiam zen” napisanej wspólnie z Janem Peszkiem oraz współautorka musicalu „Serce ze szkła. Musical zen”.
Agnieszka Szydłowska – dziennikarka radiowa i telewizyjna, dyrektorka i redaktorka naczelna Programu 3 Polskiego Radia. Prowadziła cenione audycje radiowe, m.in. „Radiowy Dom Kultury” i „Program Alternatywny”, a także podcast „8 kobiet”. Związana wcześniej z Rozgłośnią Harcerską, Radiostacją, Newonce Radio i Radiową Trójką, do której wróciła po latach.
Tłumaczenie PJM – Dominika Mroczek-Dąbrowska
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Klub Festiwalowy
W CZYM WZMACNIA NAS DUCHOWOŚĆ?
16:00
/ Panel
Klub Festiwalowy
czytaj więcej
The Air Between Us to plenerowy performans powietrzny autorstwa nowozelandzkiej choreografki Chloe Loftus, wykonywany wspólnie z Florentem Devlesaverem. Spektakl łączy precyzję techniki z intymnością relacji, budując choreografię opartą na zaufaniu, partnerstwie i współzależności. To jednocześnie kameralne i widowiskowe doświadczenie, w którym ruch powstaje z różnicy, a siła spektaklu wynika z tego, co wydarza się między dwojgiem tancerzy.
The Air Between Us to duet powietrzny oparty na bliskiej relacji między performerami i pracy z napięciem, ciężarem oraz równowagą. Artyści poruszają się w przestrzeni zawieszonej nad ziemią, wykorzystując system lin i przeciwwag, który pozwala budować ruch w oparciu o wzajemne wsparcie i precyzję.
Podstawą spektaklu jest różnica doświadczeń i warunków fizycznych performerów – Florent Devlesaver porusza się na wózku, który zostaje włączony w strukturę choreografii jako jej integralna część. Ruch nie omija tej różnicy, lecz ją wykorzystuje, staje się bowiem ona punktem wyjścia do budowania relacji, napięcia i dynamiki scenicznej.
To praca, która działa bezpośrednio na odbiorców; intensywna, emocjonalna i angażująca, budująca poczucie bliskości i wspólnego doświadczenia. The Air Between Us łączy formę widowiska powietrznego z intymnym językiem tańca współczesnego, opierając się na relacji – między performerami, ale też między sceną a publicznością.
Dofinansowano ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego pochodzących z Funduszu Promocji Kultury.
Dofinansowano ze środków budżetowych Miasta Poznania. #poznanwspiera
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Plac Wolności
THE AIR BETWEEN US
17:00
/ Plener
Plac Wolności
czytaj więcej
Projekt Karoliny Wyrwał, rezydentki CK Zamek More Units Than Meaning to krajobraz nadmiaru. Performans bez fabuły i bez jednej odpowiedzi – doświadczenie zbudowane z napięć, przerw i błędów.
More Units Than Meaning to krajobraz nadmiaru. Performans bez fabuły i bez jednej odpowiedzi – doświadczenie zbudowane z napięć, przerw i błędów. Dwa ciała poruszają się w przestrzeni niczym elementy wadliwego mechanizmu, zawieszone pomiędzy kontrolą a utratą ciągłości. Fragmenty intensywnego ruchu przechodzą w ciszę, bezruch, fizyczne wyczerpanie. W tych pęknięciach pojawia się glitch – moment, w którym ciało przestaje być narzędziem produkcji i zaczyna funkcjonować na własnych zasadach. W świecie oceniającym życie w kategoriach użyteczności, a nie sensu, ciało staje się miejscem oporu. Nie potrafi w pełni się dopasować. Czasami odmawia współpracy. Wymyka się logice produktywności. Ten moment – błąd, przeciążenie, utrata sensu – staje się przestrzenią artystycznej eksploracji. Performans funkcjonuje w rzeczywistości przeciążonej bodźcami, w której reakcja wyprzedza refleksję. Znaczenie rozpada się tu na jednostki ruchu, dźwięku i obrazu.
MORE UNITS THAN MEANING
17:30
/ Wydarzenia towarzyszące
CK ZAMEK
czytaj więcej
Book Rave wokół Bilansu snów Chimamandy Ngozi Adichie to wspólne czytanie, słuchanie i rozmowa o literaturze, która opowiada o relacjach, bliskości i emocjonalnych zależnościach współczesnego świata. Zamiast klasycznego spotkania autorskiego Malta Festival proponuje bardziej kameralne doświadczenie – bez dystansu, bliżej tekstu i innych czytelników.
Czytanie też może być wydarzeniem. Book Rave na Malta Festival powstał z myślą o osobach, które chcą przeżywać literaturę wspólnie – nie tylko słuchać rozmowy o książce, ale wejść w tekst razem z innymi. To format, który odchodzi od tradycyjnego podziału na scenę i publiczność, przesuwając uwagę z samego komentowania książki na doświadczenie bycia wokół niej: słuchania, czytania, rozmowy i obecności.
Punktem wyjścia spotkania będzie Bilans snów Chimamandy Ngozi Adichie – autorki, która od lat opowiada o kobietach, relacjach, miłości, władzy i emocjonalnych zależnościach współczesnego świata. W ramach wydarzenia uczestnicy otrzymają dostęp do wybranych fragmentów tekstu w aplikacji Filia Story, tak by wejście w książkę było otwarte i dostępne dla każdego.
Spotkanie poprowadzi Michał Nogaś, który porozmawia z tłumaczką Kają Gucio również o samym przekładzie – o tym, jak język i wrażliwość Adichie wybrzmiewają po polsku. Całość została pomyślana jako spokojne, kameralne doświadczenie budowane wokół literatury, muzyki i wspólnej obecności.
22.06 – Anna Jadowska
23.06 – Book Rave wokół Bilansu snów Chimamandy Ngozi Adichie
24.06 – Tara K. Menon
25.06 – Samanta Schweblin
Partnerami medialnymi cyklu „Głosy Kobiet” są Trójka Polskie Radio i Magazyn Pismo.
Cykl „Głosy Kobiet” powstaje we współpracy z naturalną wodą mineralną Muszyna Skarb Życia.
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Klub Festiwalowy
BOOK RAVE Z FILIA STORY
17:30
/ Literatura
Klub Festiwalowy
czytaj więcej
Epifity to spektakl plenerowy, inspirowany naturą i światem roślin, wykonywany przez cztery tancerki-akrobatki na wysokości. Belgijskie przedstawienie łączy dwa światy, ożywiony i nieożywiony, by wydobyć organiczny charakter cyrkowego sprzętu, zaprojektowanego niczym gigantyczne rzeźby drzew, po których mogą się wspinać inne, dając sobie wzajemne wsparcie. Spektakl to też definicja siostrzeństwa: wsparcia i uważności w brawurowym wydaniu.
Spektakl zaprasza nas do lasu – żywego i wyśnionego, ponadczasowego, tajemniczego i wielowymiarowego: miejsca spotkań i wielozmysłowej komunikacji, przestrzeni rozrywki i lęku, placu zabaw oraz wyrazu wolności. W centrum uwagi znajdują się przekraczanie granic oraz metamorfoza. Czy znajdujemy się w prawdziwym lesie, czy może w jego wewnętrznym, duchowym odzwierciedleniu?
Épiphytes to istna orkiestra ciał, żywy i poruszający spektakl choreograficzny. Poszukiwania ruchowe artystek inspirowane są epifitami – roślinami, które nie dotykają ziemi, lecz wspinają się po innych roślinach lub podporach, nie wyczerpując zasobów swoich „gospodarzy”. Dla performerek to zaproszenie, by wykorzystać scenograficzną konstrukcję, zazielenić ją ruchem i wprawić ją w ruch.
Wychodząc z założenia, że do poznania świata nie wystarczy rozum, lecz potrzebne są także inne zdolności – emocjonalne i zmysłowe – artystki zapraszają do tej próby.
Dofinansowano ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego pochodzących z Funduszu Promocji Kultury.
Dofinansowano ze środków budżetowych Miasta Poznania. #poznanwspiera
Projekt realizowany dzięki wsparciu Wallonie-Bruxelles International.
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Plac Wolności
ÉPIPHYTES
18:00
/ Plener
Plac Wolności
czytaj więcej
Rewolta to spektakl muzyczny osadzony w realiach Poznańskiego Czerwca 1956 roku. Napędzane punk-rockową energią przeboje Maanamu są tu nie tyle tłem, co komentatorem opowieści o buncie, opresji, miłości i walce o chleb. Akcja łączy historyczne wydarzenia z fabułą inspirowaną losami poznańskiej rodziny. To pełna emocji narracja o pierwszym poważnym zrywie przeciw totalitarnemu systemowi w powojennej Polsce.
Wyobraź sobie wyłaniający się z gruzów wojny nieprzyjazny, szary świat, a w tym świecie miasto, którego zgliszcza dryfują między jedną a drugą zawieruchą nowego systemu. W fabryce, w której pracujesz, rządzą wyśrubowane ponad miarę normy, za które otrzymujesz głodowe wynagrodzenie. Nie stać cię na ubranie, nie stać cię na jedzenie, nie stać cię na mieszkanie. I nie możesz wydostać się z tego świata. Żyć możesz tutaj co najwyżej namiastką życia.
A teraz wyobraź sobie Franka, wojennego rozbitka, który trafia w sam środek tej rzeczywistości. Przed wojną był nauczycielem gimnazjalnym, ale jako przeciwnik nowego porządku nie znalazł po wojnie miejsca w szkole. Dzisiaj to jego uczą ciężkiej, fizycznej pracy przy zakładowej maszynie. Franek nie ma z tym problemu, w jego oczach wszyscy są równi. Podobne deklaracje składają twórcy panującego ustroju. Tylko… czy na pewno tak myślą? Ci, którzy są na dole, na zawsze zostaną na dole – gorzko zauważają zakładowi bracia Franka.
Rodzonego brata miał Franek tylko jednego. Mietka.
Mietek to teraz wysoko postawiony aparatczyk. Wierzy w zmianę. Nie rozumie niezadowolenia robotników. Jak można nie chcieć pracować dla wspólnego dobra? Franek wie, że władzy nie chodzi o budowę lepszego świata, ale o to, żeby robotnik uginał się bardziej i bardziej, żeby system mógł wycisnąć z niego jak najwięcej. Obaj twardo bronią swoich stanowisk.
Twórcy Rewolty umiejscowili ten osobisty, rodzinny konflikt na tle zbiorowego oporu przeciw opresji. Inspirowana prawdziwymi losami jednej z poznańskich rodzin opowieść wykracza poza duszne wnętrze powojennego mieszkania, rozlewając się na całe miasto.
A co Ty byś zrobił, gdyby zabrakło Ci nadziei? Czy stanąłbyś na czele buntu, czy dołączyłbyś do tłumu domagającego się godnych warunków życia? Jak zachowałbyś się, kiedy nie miałbyś nic do stracenia, bo władza, która miała budować, znowu burzy? Miała chronić, a strzela.
Choć od wydarzeń Czerwca 1956 roku minęło 70 lat, wiele z ran zadanych w tamtych dniach wciąż pozostaje otwartych – w pamięci ludzi, w historii rodzin, w tożsamości miasta. Choć Rewolta to opowieść inspirowana prawdziwymi wydarzeniami, trudno nie oprzeć się wrażeniu, że historia lubi się powtarzać, częściej jako dramat niż jako farsa.
Piosenki Maanamu wykorzystane w spektaklu komentują tę rzeczywistość, stając się świadkami zbiorowych i osobistych tragedii. Choć utwory te, do których muzykę napisał Marek Jackowski, powstały kilkadziesiąt lat po wydarzeniach Czerwca 1956 roku, ich wymowa i przekaz wciąż są aktualne. Podszyte niepokojem utwory takie jak „Falowanie i spadanie”, „Nocny Patrol, „Bądź ostrożny”, „Smycz”, czy „Wyjątkowo zimny maj” stają się językiem sprzeciwu tych, którzy już nie chcą milczeć.
Rewolta zawsze zbiera krwawe żniwo. Giną niewinni, którzy mieli odwagę upomnieć się o chleb. W Poznaniu było ich blisko sześćdziesiąt.
Rewolta ma ich twarz.
Rewolta nosi ich imię.
Sponsorem Premiery spektaklu muzycznego „Rewolta” jest Modertrans Poznań Sp. z o.o., a patronem medialnym – Program 1 Polskiego Radia.
Spektakl dla publiczności powyżej 16. roku życia.
REWOLTA
19:00
/ Wydarzenia towarzyszące
Teatr Muzyczny w Poznaniu
czytaj więcej
Trójka dorosłych dzieci Nory i Torvalda wraca po latach do rodzinnego mieszkania – miejsca, w którym rozpadła się ich rodzina. Wspomnienia wracają fragmentami: w zatarte słowa, obrazy, dźwięki i gesty wpisane są dawne konflikty, których jako dzieci nie potrafili jeszcze zrozumieć.
Twórcy spektaklu przesuwają punkt widzenia z bohaterki Ibsena na konsekwencje jej wyborów i pytania o to, co dzieje się z domem, kiedy jego fundamentem staje się pozór. Dom lalek staje się tu opowieścią o pamięci, rozpadzie i poszukiwaniu bliskości w świecie, który wciąż nie potrafi znaleźć języka dla wspólnoty, odpowiedzialności i miłości.
Trójka dorosłych dzieci Nory i Torvalda wraca po latach do rodzinnego mieszkania – świata własnego dzieciństwa, w którym rozpadła się ich rodzina. To próba przeprowadzenia sądu nad przedawnionymi winami i złożenia pamięci z odłamków. Zatarte słowa, obrazy, dźwięki i zapachy wracają uporczywie, choć nie sposób przywołać ich już w całości.
Ibsen pytał o moralność i o kłamstwo jarzące się jako codzienny nawyk: co dzieje się z domem, gdy jego fundamentem staje się pozór?
W XXI wieku w Polsce co roku zapada ponad 50 tysięcy rozwodów, a dziesiątki tysięcy dzieci zostają objęte ich konsekwencjami. Zdążyliśmy odrzucić XIX- i XX-wieczną obyczajowość, ale wciąż nie znaleźliśmy języka, który naprawdę potrafiłby ją zastąpić. Indywidualizm bez wspólnoty, wolność bez odpowiedzialności, przejrzystość bez zaufania – granice Ibsenowskiej obyczajowości nie tyle się oddaliły, ile przesunęły. Jego diagnoza zakłamania wraca dziś jak echo.
Dom lalek przypomina, że każdy porządek – stary czy nowy – najpierw pęka w języku i w domu. Pytanie nie brzmi więc „kto zawinił?”, lecz: co dziś próbujemy podłożyć pod fundament, żeby dom się nie rozpadł?
Nasza inscenizacja przesuwa punkt widzenia z bohaterki na konsekwencje jej wyboru. Dzieci dorastały obok sporów, których nie rozumiały; zapamiętały napięcia i gesty. Goście w tym domu pozostają równie niejednoznaczni: ich decyzje ranią, a jednocześnie podtrzymują czyjeś życie. Nie chodzi o wydanie wyroku, lecz o rozpoznanie układu sił, w którym nikt nie jest całkowicie winny ani całkiem niewinny.
Bo Dom lalek to opowieść o poszukiwaniu sensu po rozpadzie i o nieskończonym pragnieniu miłości. Kierkegaardowska pustka istnienia nie jest tu tezą, lecz stanem codzienności: niedoborem znaczeń domagających się nazwania. Przeszłość została zamknięta we wspomnieniach świadków, z których każdy walczył o siebie. Co dzieje się wtedy, gdy wersje tej samej historii oddalają się od siebie tak bardzo, że żaden wyrok nie ma już nic wspólnego ze sprawiedliwością?
Historia Nory pozostaje osią, ale nie zamyka opowieści. Jest raczej ramą, w której pojawią się pytania: Czy dzieci mogą winić matkę za walkę o własne szczęście? Czy mamy prawo oczekiwać bezwarunkowej miłości? Jak złożyć dom, kiedy ma się wszystkie części i żadna z nich nie pasuje do pierwotnego rysunku? I czy można jeszcze wrócić do miejsca, które dawno przestało istnieć?
Spektakl dla widzów powyżej 18. roku życia.
spektakl odbywa się w Malarni
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Teatr Polski w Poznaniu
DOM LALEK
19:00
/ Teatr
Teatr Polski w Poznaniu
czytaj więcej
Moja Pierwsza Nieśmiertelność to performatywny seans inspirowany twórczością Milana Kundery i Franceski Woodman – opowieść o pamięci, obrazie i ciele zapisanym w świetle. Spektakl zanurza się w świat fotografii, przemijania i utrwalonych śladów obecności, gdzie Eros i Tanatos nieustannie się splatają.
Twórcy budują intymne doświadczenie balansujące między performansem, wizualnym rytuałem i refleksją nad współczesnym nadmiarem obrazów. To opowieść o patrzeniu, pamięci i próbie dotarcia do tego, co pozostaje ukryte pod powierzchnią ciała i fotografii.
dajcie dzieciom język, lecz nie uczcie ich waszych wierszy
dajcie im ruch, lecz nie pozwólcie im ćwiczyć dawnych tańców
dajcie im dźwięki, lecz nie grajcie im waszej muzyki
dajcie światło, lecz nie dawajcie im obrazów
a nade wszystko, nim pierwszy raz otworzą oczy, spalcie wszystkie fotografie
Próbując odrzucić wszelki obraz i wszelką opowieść, nie jesteśmy w stanie oddać ile „Moja Pierwsza Nieśmiertelność” zawdzięcza postaci Agnes, bohaterce powieści Milana Kundery pt. „Nieśmiertelność”. Równocześnie nie staramy się ukryć, że nasz Seans zrodził się z fascynacji i inspiracji pracami Francesci Woodman, genialnej fotografki i performerki, która poznanie przejrzystej jak fotograficzna błona Istoty, uczyniła sensem zarówno swego krótkiego życia jak i swej nagłej, samowybranej śmierci.
W domenie optyki przejrzystość jest fizyczną własnością umożliwiającą przejście światła przez materiał bez rozproszenia. Przeźroczystość jest jedną z podstawowych cech cieczy – substancji, które są zdolne do przepuszczania promieni świetlnych przez swe nieskończone warstwy. O ile w przypadku wód powierzchniowych ich przeźroczystość bywa różna, to już wody podziemne są zazwyczaj przeźroczyste. Pojęciem przeciwstawnym staje się tu mętność. Gdy rodzimy się nasze ciało w osiemdziesięciu procentach składa się z wody. Nasza przeźroczystość zmniejsza się z roku na rok, jakbyśmy odchodząc od źródeł „ku światłu”, stawali się mętni.
W „Mojej Pierwszej Nieśmiertelności” zstępujemy w głąb przemijania i przejrzystości naszych ciał, wszelkich ciał a zarazem ich utrwalonego obrazu, ich wiecznej (nie)obecności, gdzie Eros i Tanatos splatają się w jedno. Nie ufamy wiekowi fotografii, wiekowi pracy światła, który rodząc się przyniósł największe w historii ludzkości zbrodnie i jakby bezwiednie, „przy okazji” utrwalił je ku potomności, ku bezprecedensowemu bałwochwalstwu zła. I bałwochwalstwu patrzenia na jego obraz bez końca, jakby nasze patrzenie zastępowało samego boga.
A jeśli składamy się z szeregu przylegających do siebie warstw, powłok, naskórków, których splecenie postrzegamy jako własne ciało, fotografia ściąga te warstwy – rozcina to, co niesłusznie zostało sklejone w akcie urodzenia, aby oddać nieśmiertelności – poprzez zadanie śmierci tej lichej powłoce cienia, który właśnie wpadł w pułapkę światła. Fotografia jest skórą ściągniętą z mojego ciała. Jest albumem naskórków, przeniesionych przez światło. Kiedy fotografuję, patrzę na siebie umarłą.
Nie da się podać dokładnej liczby wykonanych od początku historii fotografii zdjęć. Zrobiono ich pewnie kilkanaście bilionów. Każdego dnia robimy około pięciu miliardów zdjęć, 57 tysięcy fotografii na sekundę.
Wyobrażam sobie gazety przyszłości bez choćby jednego słowa, jednego zdania, żadnych informacji o mordach, pogromach, gwałtach, wypadkach. Żadnych dat, godzin, miejsc. A przede wszystkim żadnych zdjęć tylko delikatne, akwarelowe rysunki oczu świadków, którzy tam byli i w których oczach odbija się wszystko, co winniśmy zrozumieć. I rozumiemy to natychmiast i na zawsze.
Dofinansowano ze środków budżetowych miasta Poznania #poznanwspiera
Dofinansowano ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego pochodzących z Funduszu Promocji Kultury – państwowego funduszu celowego
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie: Scena Robocza.
MOJA PIERWSZA NIEŚMIERTELNOŚĆ. SEANS
19:00
/ Wydarzenia towarzyszące
Scena Robocza
czytaj więcej
Polska premiera i specjalna odsłona opery‑performansu La Mort de la Mer autorstwa CocoRosie z udziałem Justyny Wasilewskiej to pierwsze teatralne ogłoszenie Malta Festival 2026. Spektakl – inspirowany ośmioma fazami księżyca, rytmami natury i refleksją ekologiczną – zostanie zaprezentowany 22 i 23 czerwca 2026 roku w Sali Wielkiej CK Zamek w Poznaniu. To pierwszy pokaz spektaklu od światowej premiery na festiwalu Transart w Bolzano we wrześniu 2025 roku i powrót CocoRosie na Malta Festival po 20 latach od ich pierwszego koncertu w Polsce.
La Mort de la Mer to opera audiowizualna o eksperymentalnej, immersyjnej konstrukcji, w której muzyka, performans i teatr wizualny tworzą jedno sceniczne środowisko. Spektakl ma cykliczny przebieg i rozwija się jako poetycki, rytualny proces, a publiczność doświadcza go z różnych perspektyw — w bliskości działania i z możliwością zmiany punktu obserwacji.
Przewodniczkami tej opowieści są dwie symboliczne figury — Moon i Sea (Księżyc i Morze), które otwierają przed widzami przestrzeń refleksji nad czasem, pamięcią i relacją człowieka z kosmosem i naturą. Całość układa się w medytacyjne tableau zawieszone pomiędzy tym, co intymne, a tym, co planetarne.
Warstwa muzyczna spektaklu łączy charakterystyczny język CocoRosie – balansujący na pograniczu muzyki eksperymentalnej, elektroniki i pieśni – z imersyjną formą doświadczania.
Centralnym tematem spektaklu jest relacja człowieka z naturą w dobie kryzysu ekologicznego. Motyw „śmierci morza” pojawia się tu jako doświadczenie utraty równowagi i żałoby po świecie, który znika, ale także jako impuls do redefinicji relacji człowieka z otaczającym środowiskiem.
W polskiej premierze spektaklu weźmie udział Justyna Wasilewska – jedna z najważniejszych polskich aktorek teatralnych, związana m.in. z TR Warszawa. Współpracowała z Kornélem Mundruczó (Cząstki kobiety), René Polleschem i Anną Smolar. Szerokiej publiczności znana jest również z serialu Heweliusz Jana Holoubka oraz z filmu Serce miłości w reżyserii Łukasza Rondudy.
COCOROSIE
CocoRosie to duet artystyczny z oddaną, międzynarodową publicznością – od Europy, przez Stany Zjednoczone, po Amerykę Południową i inne regiony świata. Od ponad dwóch dekad siostry Bianca i Sierra Casady konsekwentnie wydają nowatorskie albumy studyjne i występują przed wyprzedanymi salami koncertowymi. Ich twórczość rozpoznawalna jest dzięki mistrzowskiej poezji, ponadczasowym harmoniom oraz charakterystycznemu połączeniu lo-fi, „zabawkowych” brzmień z klasyczną instrumentacją i rytmami wymykającymi się gatunkowym klasyfikacjom.
Sierra Casady jest klasycznie wykształconą śpiewaczką operową i aktorką sceniczną, Bianca Casady zaś poetką, reżyserką teatralną i artystką wizualną. Wspólnie łączą muzykę, praktyki teatralne oparte na ruchu i pracy z postacią, modę oraz sztukę współczesną, tworząc wielowymiarowe projekty opowiadające o pięknie i smutku wspólnego doświadczenia. Poprzez wywrotową, precyzyjnie skonstruowaną sztukę CocoRosie sięgają po ironię i zabawę, by zabierać głos w sprawach praw człowieka i kwestionować społeczne normy – często dotykając tematów tabu. Szeroko podziwiane, bywa że niezrozumiane, lecz zawsze konsekwentne, CocoRosie pozostaje jednym z najbardziej wyrazistych projektów artystyczno-muzycznych ostatnich dwóch dekad.
CocoRosie wydały dotąd osiem albumów studyjnych, z których najnowszy – Little Death Wishes (2025) – zamyka kolejną fazę ich twórczości. Wcześniejsze wydawnictwa to m.in. Put The Shine On (2020), Heartache City (2015), Tales of a Grasswidow (2013), Grey Oceans (2010), The Adventures of Ghosthorse and Stillborn (2007), Noah’s Ark (2005) oraz La Maison de Mon Rêve (2004).
Poza intensywną działalnością koncertową i festiwalową CocoRosie komponowały muzykę do czterech spektakli teatralnych w reżyserii Roberta Wilsona (Peter Pan, Pushin’s Fairy Tales, Edda, Jungle Book), a kolejne współprace są w przygotowaniu. Duet współpracował również z Kronos Quartet podczas San Francisco Jazz Festival, rozwijając materiał na wspólny album.
Bianca Casady od lat rozwija własną praktykę teatralną, tworząc multimedialne projekty taneczno-teatralne w ramach rezydencji i szkół teatralnych w całej Europie. Jej styl jest surowy i „ręczny”, jednocześnie silnie zakorzeniony w obrazie i muzyce. Narracje często czerpią z archetypów zdeformowanego świata baśni, a teatr eksploruje tematy szaleństwa, wygnania i podległości poprzez mroczne, poetyckie obrazy i transgresyjne środki wyrazu. Charakterystyczne są tu przedmioty znalezione, historyczne kostiumy i wpisywanie się w lokalne konteksty. Twórczość Bianki łączy poezję, muzykę i sztuki wizualne w intensywne, intymne, a zarazem prowokujące wizje sceniczne.
Do jej wcześniejszych realizacji należą m.in. NightShift (2012, Kampnagel w Hamburgu), Mother Hunting (2015, Narodowy Teatr w Oslo) oraz The Angel Show (2017, Narodowa Akademia Teatralna w Norwegii). Bianca wystawiała również swoje prace wizualne na wystawach indywidualnych, m.in. w Deitch Projects (2007) i Cheim & Read Gallery (2012), a także prowadzi eksperymentalny kurs poezji Remembering The Miracle. W 2023 roku opublikowała debiutancki tom poezji Au bord du ciel: Heaven bound.
Sierra Casady występowała i aranżowała muzykę na całym świecie, współpracując z orkiestrami i instytucjami takimi jak Orkiestra Symfoniczna w Amsterdamie, ICA w Londynie czy Sydney Opera House. Jest również autorką opery Soul Life, zaprezentowanej na Donau Festival w Krems.
JUSTYNA WASILEWSKA
Justyna Wasilewska jest jedną z najważniejszych polskich aktorek teatralnych i filmowych, związaną z TR Warszawa. Współpracowała m.in. z Kornélem Mundruczó, René Polleschem i Anną Smolar. Znana jest także z serialu Heweliusz oraz z filmu Serce miłości w reżyserii Łukasza Rondudy. Za rolę Mai w spektaklu Cząstki Kobiety dostała nagrodę im. Aleksandra Zelwerowicza, nagrodę miesięcznika „Teatr”, nagrodę dla za najlepszą rolę żeńską na festiwalu Boska Komedia. Spektakl z jej udziałem prezentowany był na wszystkich najważniejszych festiwalach w Europie.
ICHIHARA AKIHITO (tancerz butoh)
Akihito Ichihara jest jednym z czołowych japońskich tancerzy butoh, przez wiele lat pierwszym wykonawcą legendarnej grupy Sankai Juku oraz założycielem zespołu ELF. Blisko 30 lat spędzonych w Sankai Juku pozwoliło mu nie tylko zachować, ale i twórczo rozwijać charakterystyczną technikę zespołu, uznawaną za jedną z fundamentalnych metod współczesnego butoh. Ichihara współpracował z kluczowymi postaciami tej dziedziny, brał udział w projektowaniu scenografii i konsekwentnie traktuje taniec jako narzędzie empatii oraz kulturowego dialogu. Od momentu powołania ELF w 2022 roku działa na rzecz upowszechniania butoh wśród nowych odbiorców i młodszych pokoleń poprzez międzynarodowe spektakle i warsztaty.
CHRISTOPHER NELL (nagrany głos mówiony)
Christopher Nell współpracował z takimi reżyserami jak Claus Peymann, Peter Stein, Mona Kraushaar i Manfred Karge, występując w licznych spektaklach, m.in. Romeo, Mackie Messer, Hamlet czy Mephisto. W 2011 roku zagrał u Roberta Wilsona w spektaklu The Life and Death of Marina Abramović, wystawionym na Manchester International Festival, obok Willema Dafoe, Anthony’ego Hegarty’ego i Mariny Abramović.
W grudniu 2018 roku wystąpił w Volksbühne Berlin, a w sezonie 2022/23 zadebiutował na scenie Schauspiel Leipzig w spektaklu Lazarus w reżyserii Huberta Wilda. Od 2003 roku koncertuje także z Claudią Graue i Marcusem Melzwigiem jako członek nagradzanego tria a cappella Muttis Kinder, występując w krajach niemieckojęzycznych oraz m.in. w Singapurze, Tajwanie, Kanadzie, Wielkiej Brytanii, Rumunii i Chorwacji.
MARC CHOURAIN (cristal Baschet, theremin, instrumenty klawiszowe)
Na przestrzeni lat Marc Chourain wypracował pozycję jednego z najwybitniejszych wykonawców gry na cristal Baschet i thereminie – instrumentach o eterycznym brzmieniu, które wykorzystuje do budowania intensywnych, zapadających w pamięć emocji. Współpracował m.in. z Benjaminem Biolayem, Diam’s, Woodkidem, Orelsanem, Boobą, Keren Ann, Raphaëlem, Dannym Elfmanem i Isabellą Rossellini.
DOUGLAS WIESELMAN (gitara elektryczna, instrumenty dęte)
Douglas Wieselman jest wszechstronnym muzykiem i multiinstrumentalistą. W swojej karierze współpracował z artystami z różnych obszarów sztuki, m.in. z Johnem Luriem, Anohni and the Johnsons, Laurie Anderson, Lou Reedem, CocoRosie, Marthą Wainwright, Jerome’em Robbinsem, Halem Willnerem, Butchem Morrisem, Kronos Quartet oraz Robertem Wilsonem.
SIMONE DRAETTA (skrzypce)
Eklektyczny skrzypek, którego kariera obejmuje szerokie spektrum gatunków i kontekstów – od muzyki klasycznej i współczesnej po jazz i pop. Jako muzyk orkiestrowy regularnie współpracuje z orkiestrą Istituto Rusconi w Rho oraz Canova Chamber Orchestra. Jest także jedną z kluczowych postaci włoskiej sceny jazzowych skrzypiec. Od 2025 roku współpracuje z CocoRosie.
VIOLA MARIETTI (performerka / aktorka)
Viola Marietti jest włoską aktorką (ur. 1992). Do jej najważniejszych ról teatralnych należą Teukros w Helenie oraz Lampitò w Lizystracie wystawionej w Greckim Teatrze w Syrakuzach – kreacje, które przyniosły jej nagrodę Enrico di Luciano dla najlepszej wschodzącej aktorki. Jest córką cenionej włoskiej aktorki Lelli Costy oraz Andrei Mariettiego.
A.J. WEISSBARD (reżyseria światła)
A.J. Weissbard jest wszechstronnym artystą, który światło i przestrzeń traktuje jak podstawowe tworzywo swojej pracy. Tworzy projekty wymykające się gatunkowym klasyfikacjom, realizowane na styku teatru, opery i tańca. Współpracował m.in. z Robertem Wilsonem, Peterem Steinem, Mariną Abramović, Peterem Greenawayem, Davidem Cronenbergiem, Gae Aulenti, Giorgiem Armanim, Hugo Bossem, Ermenegildo Zegną, CocoRosie oraz Martha Graham Dance Company.
DARIO FELLI (projekt dźwięku)
Dario Felli jest artystą dźwięku mieszkającym obecnie w Amsterdamie. Jego praktyka obejmuje projektowanie dźwięku do spektakli teatralnych, produkcję muzyczną oraz kompozycję elektroakustyczną. Regularnie współpracuje jako sound designer z uznanymi reżyserami teatralnymi, a jego kompozycje funkcjonują również jako elementy instalacji sztuki współczesnej prezentowanych na całym świecie.
CORENTIN JPM LEVEN (wideo / scenografia)
Corentin JPM Leven to multidyscyplinarny artysta pracujący w Oslo. Wykształcony jako scenograf, z czasem rozszerzył swoją praktykę o performans, teatr i taniec, łącząc pracę z obrazem i działaniami scenicznymi. W ramach CJPM Productions prezentuje międzynarodowo projekty podejmujące tematykę queerową oraz zagadnienia związane z HIV/AIDS, w tym DIWRIZIENNET – Lost Genealogies. Jego prace były pokazywane m.in. w La MaMa, Judson Memorial Church oraz MoMA w Nowym Jorku.
GASPARD YURKIEVICH (kostiumy)
Francuski projektant Gaspard Yurkievich od ponad dekady należy do grona najbardziej rozpoznawalnych twórców mody na świecie. Jego projekty wyróżniają się wyrazistym charakterem i konsekwentnym, autorskim stylem.
Spektakl dla widzów powyżej 15. roku życia.
______________
Dofinansowano ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego pochodzących z Funduszu Promocji Kultury – państwowego funduszu celowego
Możliwość zakupu biletu OzN uprawniającego do wstępu na wydarzenie wraz z osobą towarzyszącą
Miejsca na widowni są stojące, występuje swobodny ruch publiczności
Dostępny sektor z miejscami siedzącymi (ograniczona liczba miejsc) – aby skorzystać z dostępnego sektora należy posiadać bilet OzN lub zgłosić potrzebę skorzystania z miejsca siedzącego wysyłając maila na adres: natalia.dabrowska@malta-festival.pl i otrzymać z ww. adresu potwierdzenie rezerwacji miejsca
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Sala Wielka w CK Zamek
LA MORT DE LA MER
19:00
/ Teatr, Opera, Performans
Sala Wielka CK Zamek
czytaj więcej
W świecie, gdzie twarz jest ulem, myśli są miodem, a porządku pilnują pszczelarze, chaos wydaje się niemożliwy. Potwarz to plenerowy spektakl o dezintegracji, zmysłowej anarchii i przepotwarzeniu – pełen groteski, absurdu i zabawy językiem.
Artystyczny Kolektyw Trema, działający przy Kole Naukowym Antrakt UAP, tworzy projekty na pograniczu performansu, scenografii i działań przestrzennych. Grupa koncentruje się na eksperymentalnych formach scenicznych i działaniach powstających na styku różnych dziedzin sztuki. Jednym z wcześniejszych projektów kolektywu był Zwierzostan, prezentowany podczas Malta Festival 2024.
W świecie, gdzie twarz jest ulem, myśli są miodem, a porządku pilnują pszczelarze, nie ma miejsca na chaos. Co się jednak stanie, gdy nos wetknie się w nie swoje sprawy, język nie będzie trzymał się za zębami, a prawe oko spojrzy na Maroko? Potwarz to spektakl plenerowy, który mierzy się z dezintegracją, zmysłową anarchią i przepotwarzeniem. Przyjdźcie i nie przewracajcie oczami – a może dowiecie się, jak zachować twarz.
Artystyczny Kolektyw Trema działa przy Kole Naukowym Antrakt UAP. To poznańska grupa artystyczna działająca na pograniczu sztuk performatywnych, scenografii i działań przestrzennych. W swojej praktyce koncentruje się na tworzeniu wydarzeń artystycznych oraz eksperymentalnych form scenicznych, szczególnie interesując się projektami powstającymi na styku różnych dziedzin. Istotnym elementem działalności grupy jest współpraca zarówno z instytucjami artystycznymi, jak i środowiskiem akademickim. Jednym z ważniejszych projektów Tremy jest spektakl „Zwierzostan”, którego premiera odbyła się w 2024 roku podczas Festiwalu Malta. Praca powstała pod opieką artystyczną Krzysztofa Cicheńskiego, we współpracy z Fundacją Asocjacja 2006.
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Plac Wolności
POTWARZ
21:15
/ Wydarzenia towarzyszące
Plac Wolności
czytaj więcej
Unikatowy projekt łączący arcydzieło polskiej literatury z wrażliwością wyjątkowej dwójki artystów — wokalistki i performerki Marii Peszek oraz pianisty i kompozytora Bartka Wąsika. Peszek i Wąsik stworzyli dwanaście nowych kompozycji oddając oryginalny tekst Pieśni świętojańskiej o Sobótce Jana Kochanowskiego w całości. Dzieło Kochanowskiego zyskuje nową, barwną i wielce zaskakującą interpretację, a Pieśń wybrzmiewa polifonią i nieskończonymi możliwościami jakie daje głos ludzki i fortepian.
Peszek i Wąsik grają Kochanowskiego, ale grają też siebie nawzajem. Pieśń świętojańska staje się lustrem, w którym przeglądają się osobowości artystów. Liryzm i dzikość mieszają się w różnych proporcjach, wydobywając z obojga niespodziewane dla nich samych aury.
Unikatowy projekt łączący arcydzieło polskiej literatury renesansowej z wrażliwością wyjątkowej dwójki artystów: wokalistki i performerki Marii Peszek oraz pianisty i kompozytora Bartka Wąsika. Dzieło Jana Kochanowskiego Pieśń świętojańska o Sobótce połączyło ich wrażliwości, zyskując nową, barwną i zaskakującą interpretację.
Choć Peszek i Wąsik mówią tu jednym głosem, ich odczytanie Pieśni wybrzmiewa polifonią i możliwościami, jakie dają głos ludzki i fortepian. Obok tradycyjnego śpiewu pojawiają się dźwięki inspirowane naturą oraz emocjami obecnymi w oryginalnym tekście. Również fortepian brzmi tu zarówno klasycznie, jak i w bardziej eksperymentalny sposób: z wykorzystaniem preparacji i technik rozszerzonych.
Ten niezwykły dialog służy oddaniu fantastyczności nocy sobótkowej, czasu, w którym świat realny miesza się ze światem duchów i słowiańskich wierzeń. Maria Peszek i Bartek Wąsik stworzyli dwanaście nowych kompozycji, zachowując oryginalny tekst Kochanowskiego w całości. U Kochanowskiego dwanaście Panien opowiada o świętowaniu, miłości, tańcu, ale też o wojnie czy relacji człowieka z naturą. Pomimo niemal 450 lat od pierwszego wydania dzieła jego tekst pozostaje zaskakująco aktualny i właśnie ta współczesność przyciągnęła uwagę Peszek i Wąsika, artystów, w których twórczości podobne tematy powracają od lat.
Kochanowski sugerował, by Pieśń świętojańską o Sobótce wykonywać na żywo podczas obchodów Sobótki, pomiędzy zachodem a wschodem słońca. Podążając za tym tropem oraz za nowym opracowaniem Peszek i Wąsika, każda przestrzeń może na chwilę stać się miejscem wspólnoty, rytuału i spotkania.
O artystach:
Maria Peszek – wokalistka, performerka, autorka tekstów i aktorka. Współpracowała m.in. z Jerzym Grzegorzewskim, Agnieszką Holland, Krystianem Lupą i Kazimierzem Kutzem. Od 2005 roku koncentruje się na muzyce, wydając albumy, które regularnie stawały się zarówno artystycznymi, jak i komercyjnymi sukcesami, w tym Maria Awaria, Jezus Maria Peszek czy Ave Maria. Laureatka Paszportu Polityki, Fryderyków i wielu nagród kulturalnych. Znana z wyrazistego języka artystycznego i projektów łączących muzykę, teatr oraz osobisty komentarz społeczny.
Bartek Wąsik – pianista, kompozytor i aranżer, laureat Paszportu Polityki, Fryderyka oraz Koryfeusza Muzyki Polskiej. Współtwórca zespołów Kwadrofonik i Lutosławski Piano Duo. Występował w Europie, Azji i obu Amerykach, prezentując zarówno autorskie projekty, jak i reinterpretacje muzyki klasycznej oraz alternatywnej. Współpracował m.in. z Ralphem Kaminskim, Katarzyną Nosowską, Melą Koteluk i Stanisławą Celińską. W swoich projektach łączy muzykę klasyczną z eksperymentem, elektroniką i współczesną wrażliwością.
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> KontenerART
PIEŚŃ NOCY LETNIEJ. PESZEK I WĄSIK GRAJĄ KOCHANOWSKIEGO
21:30
/ Muzyka, Koncert
KontenerART
czytaj więcej
Kino kobiet to cykl pokazów filmowych i spotkań, podczas których kino staje się punktem wyjścia do rozmowy o relacjach, emocjach i doświadczeniach współczesnego świata.
Moje wspaniałe życie opowiada o Joannie, która ma wszystko, czego można by oczekiwać od udanego życia – rodzinę, pracę i stabilność. Gdy jednak coraz bardziej oddala się od samej siebie, zaczyna zadawać pytanie, czy życie, które prowadzi, rzeczywiście jest jej własnym. To ciepła i przewrotna opowieść o odwadze potrzebnej, by szukać szczęścia na własnych zasadach.
Po seansie odbędzie się spotkanie z aktorką Agatą Buzek i producentką Natalią Grzegorzek.
Może i wspaniałe, ale czy na pewno moje? Z takim pytaniem mierzy się Joanna (Agata Buzek), bohaterka komedii obyczajowej Łukasza Grzegorzka („Kamper”, „Córka trenera”). Troskliwa córka, wyluzowana matka, lubiana nauczycielka, żona, z którą można konie kraść – w każdej z tych ról wypada doskonale. I w żadnej z nich od dawna nie czuje się sobą. Dlatego „Jo” prowadzi podwójne życie, ma tajemnicę, którą nie dzieli się z nikim. Bo gdyby ktoś się dowiedział, byłby to koniec wszystkiego, co w jej świecie wydaje się takie „wspaniałe”.
Rozgrywający się w prowincjonalnej, malowniczej Nysie film przypomina, że prawdziwe życie nie jest gdzie indziej, tylko wszędzie tam, gdzie próbujemy być szczęśliwi na własnych warunkach.
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Park Starego Browaru
KINO KOBIET: MOJE WSPANIAŁE ŻYCIE
21:30
/ Film, Panel
Park Starego Browaru
czytaj więcej
Zapraszamy na obchody Nocy Świętojańskiej – tradycyjnego słowiańskiego święta ognia, wody i miłości, przypadającego w okresie letniego przesilenia. Noc Świętojańska od wieków była czasem rytuałów związanych z naturą, odnową i wspólnotowym świętowaniem.
Wydarzenie rozpocznie się o zachodzie słońca, po koncercie. Wszyscy zainteresowani uczestnictwem przejdziemy razem nad Wartę, gdzie rozpocznie się świętowanie, które potrwa do świtu.
Przez cały czas trwania płonąć będzie ognisko, stanowiące centralny punkt obchodów, nawiązujące do dawnych praktyk oczyszczających i jednoczących uczestników. Następnie odbędzie się tradycyjne puszczanie wianków.
Wydarzenie zakończy się o wschodzie słońca serią ćwiczeń gimnastyki słowiańskiej „Powitanie Jaryło”.
Uczestnicy poczują magię dawnego słowiańskiego święta oraz będą mieli okazję współtworzyć przestrzeń wspólnego celebrowania kulturowego dziedzictwa w harmonii z otaczającą przyrodą.
Wydarzenie poprowadzi Rita Małgorzata Daniło-Gorlewicz wraz z instruktorkami gimnastyki słowiańskiej ze szkoły Metamorphosis.
Udział w warsztatach nie wymaga zapisów.
Warto zabrać ze sobą coś ciepłego, gdyż temperatura przed świtem jest zwykle dużo niższa, a ognisko już będzie coraz słabsze.
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Polana nad Wartą (obok przystanku tramwaju wodnego Panny Marii)
NOC ŚWIĘTOJAŃSKA NAD WARTĄ
22:30
/ Plener, Warsztaty
Polana nad Wartą (obok Przystanku Tramwaju Wodnego Panny Marii)
czytaj więcej
24.06/środa
W ramach sekcji Wiedźmy podczas Malta Festival, odbywającej się w czasie letniego przesilenia, w dniach 22–24 czerwca, otwarty będzie Namiot Wiedźm – wyjątkowa przestrzeń spotkań, odpoczynku i wspólnego odkrywania dawnych tradycji oraz współczesnych praktyk związanych z kobiecą duchowością, intuicją i kulturą. Położony tuż nad Wartą namiot stanie się miejscem wyciszenia, rozmowy i doświadczenia alternatywnych form bycia razem.
W programie znajdą się warsztaty, spotkania oraz działania inspirowane symboliką wiedźm, rytuałów i kobiecej wspólnotowości. Uczestnicy będą mogli spróbować autorskich naparów przygotowanych przez Sarę Grolewską-Szymczak, opartych na ziołach i tradycjach naturalnych praktyk.
Przestrzeń namiotu stanie się także miejscem odkrywania wiedźmińskich symboli, wróżb i motywów obecnych zarówno w dawnych wierzeniach, jak i we współczesnej popkulturze. Przyjrzymy się ich historycznym korzeniom, znaczeniom oraz temu, dlaczego dziś powracają jako język opowiadania o kobiecej sile, niezależności i potrzebie wspólnoty.
Na miejscu będzie można również własnoręcznie upleść tradycyjny wianek – symbol cykliczności, natury i letnich rytuałów związanych z przesileniem.
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Polana nad Wartą (obok przystanku tramwaju wodnego Panny Marii)
NAMIOT WIEDŹM
09:00
/ Plener
Polana nad Wartą (obok Przystanku Tramwaju Wodnego Panny Marii)
czytaj więcej
Goście będą mogli spróbować autorskich naparów przygotowanych przez Sarę Grolewską-Szymczak, opartych na ziołach i tradycjach naturalnych praktyk. Dostępnych cały czas podczas działania namiotu i obsługiwanych przez wolontariuszy.
Sara Grolewska-Szymczak – kulturoznawczyni, animatorka kultury, dyplomowana zielarka i fitoterapeutka oraz założycielka Stowarzyszenia „Dziewczyny w Naturze”. Od lat popularyzuje wiedzę o ziołach, etnobotanice, ekologii ekoeminizmie i kobiecej wspólnotowości, prowadząc warsztaty, spacery zielarskie i działania edukacyjne. Jest także twórczynią marki „Napary od Sary” oraz autorką projektu „Dobre Ziele”, poprzez który zachęca do uważnego kontaktu z naturą i lokalnymi roślinami. W swojej działalności łączy tradycyjną wiedzę zielarską z nowoczesnym podejściem do ekologii i kultury.
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Polana nad Wartą (obok przystanku tramwaju wodnego Marii Panny)
NAPARY OD SARY
09:00
/ Plener
Polana nad Wartą (obok Przystanku Tramwaju Wodnego Panny Marii)
czytaj więcej
Warsztat poświęcony będzie odkrywaniu i budzeniu wewnętrznej siły oraz mocy, która znajduje się w każdym z nas. Uczestnicy poznają techniki i sposoby pracy z własną świadomością, pomagające uwolnić się od ograniczających przekonań i dawnych schematów myślowych. Ważnym elementem spotkania będzie medytacja oczyszczająca stare wzorce oraz wspierająca odnalezienie wewnętrznego spokoju i harmonii.
Następnie uczestnicy wezmą udział w relaksującym koncercie mis, gongów, bębnów i dzwonków, którego dźwięki pomogą wyciszyć ciało i umysł, przywracając równowagę, spokój oraz poczucie harmonii.
Warsztaty poprowadzi Małgorzata Dec, która od ponad 30 lat zajmuje się holistyczną pracą z człowiekiem, wspierając proces uzdrawiania emocji, ciała oraz doświadczeń z przeszłości.
Udział w warsztatach nie wymaga zapisów.
Liczba miejsc jest jednak ograniczona, dlatego zachęcamy do wcześniejszego przybycia, aby mieć pewność udziału.
Możliwość skorzystania ze wsparcia asystentki i audiodeskryptorki w trakcie wydarzenia – jeśli potrzebujesz wsparcia takiej osoby napisz maila na: natalia.dabrowska@malta-festival.pl
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Klub Festiwalowy
PRZEBUDZENIE WEWNĘTRZNEJ SIŁY I KONCERT GONGÓW
10:00
/ Warsztaty
Klub Festiwalowy
czytaj więcej
Na wystawie zostaną zaprezentowane przykłady procesów ideowych i projektowych w postaci rysunków, analiz i modeli przestrzennych, prowadzących do powstania spektakli teatralnych prezentowanych, między innymi, w ramach Festiwalu „Malta”. Niektóre z wymienionych materiałów są częścią historii tego wydarzenia a dodatkowym uzupełnieniem są materiały fotograficzne ze spektakli. Prezentowane w postaci reprodukcji prace rysunkowe są w oryginale własnością Muzeum Śląskiego w Katowicach.
Część druga wystawy zaprezentuje cykle rysunkowe będące rodzajem „spektaklu potencjalnego” (in potentia) bez stanu realizacji. Ten rysunkowy materiał odnosi się częściowo do profetycznego dzieła literackiego Janusza Andrzeja Zajdla pt ”Limes Inferior” z 1979 roku będącego formą fantastyki socjologicznej osadzoną w przestrzeniach dystopijnego miasta Argoland. Pozostałe cykle rysunkowe są samodzielnymi autonomicznymi bytami rysunkowymi wynikającymi z wewnętrznej intuicji przestrzennej i formalnej autora.
Bohdan Cieślak – architekt wnętrz, scenograf, rysownik i malarz. Autor ponad 30stu scenografii teatralnych realizowanych na ważnych polskich scenach teatru dramatycznego, tańca i animacji. Współpraca z takimi twórcami jak Lech Raczak (wieloletni dyrektor artystyczny Międzynarodowego Festiwalu „Malta” w Poznaniu) czy Ewa Wycichowska (dyrektorka Polskiego Teatru Tańca w Poznaniu) Jego prace scenograficzne w postaci rysunków, projektów i makiet scenograficznych w liczbie kilkuset obiektów są częścią zbiorów Muzeum Śląskiego w Katowicach (Centrum Scenografii Polskiej) i były eksponowane podczas indywidualnych wystaw autora w Muzeum Śląskim oraz w Muzeum Narodowym w Poznaniu. Brał on również udział w wystawie zbiorowej pt „Wirtuozi wyobraźni. Rysunki przestrzeni i postaci artystów współczesnych ze zbiorów Muzeum Śląskiego” obok takich twórców jak Tadeusz Kantor, Jerzy Skarżyński, Jerzy Gurawski, Jan Berdyszak, Janusz Wiśniewski czy Jadwiga Mydlarska – Kowal.
PRZESTRZENIE SPEKTAKLU
10:00
Centrum Festiwalowe. Galeria Nowa Scena UAP
czytaj więcej
Projekt Ewy Kuleszy koncentruje się na subtelnych śladach dziecięcych doświadczeń – wspomnieniach, które znikają pod powierzchnią świadomości, ale nadal wpływają na ciało i sposób odczuwania świata. Interaktywna instalacja zaprasza do doświadczenia poprzez dotyk, obecność i pozostawianie śladów, uruchamiając proces osobistej refleksji.
Wystawa staje się spotkaniem z tym, co ukryte, a jednocześnie fundamentalne dla naszego wewnętrznego świata. Kulesza – artystka, fotografka i wykładowczyni Uniwersytetu Artystycznego w Poznaniu – od lat tworzy projekty związane z pamięcią, ciałem i doświadczeniem wizualnym.
Projekt prezentowany jest przez Galerię Sztuki Czas Kobiet – przestrzeń wspierającą współczesne artystki i działania podejmujące tematy wspólnotowości, kobiecości oraz społecznej i kulturowej sprawczości.
Projekt koncentruje się na subtelnych sygnałach dotyczących dziecięcych doświadczeń. Zdarzenia wczesnych lat osuwają się w głąb podświadomości. Choć giną w procesie sedymentacji wspomnień, pozostają aktywne — nieustannie oddziałują na nasze ciało i sposób odczuwania świata.
Instalacja ma charakter interaktywny. Zbudowana z materiałów ulotnych i zmiennych, zaprasza do doświadczenia poprzez dotyk, pozostawienia śladu, do bycia tu i teraz. Gest odcisku palców staje się zarówno fizycznym działaniem, jak i metaforą — uruchamiając proces refleksji i zanurzenia we własną historię.
Wystawa Ewy Kuleszy to spotkanie z tym, co ukryte a jednocześnie fundamentalne dla naszego wewnętrznego świata.
Ewa Kulesza, ur. 1977 w Poznaniu.
W latach 1997 – 2003 studiowała Realizację Obrazu Filmowego, Telewizyjnego, Fotografię Oraz równolegle Rzeźbę na Akademii Sztuk Pięknych w Poznaniu. Obroniła dyplomy z
Rysunku i Rzeźby u prof. Macieja Szańkowskiego i prof. Jarosława Kozłowskiego oraz z Fotografii u dr hab. Krzysztofa J. Baranowskiego. Stypendystka Ministerstwa Kultury i Sztuki (1997). Otrzymała stypendium twórcze Miasta Poznania (2004). Została zaproszona na rezydencję artystyczną w Bern w Szwajcarii (2000) oraz w Nordic Kunst Dale w Norwegii (2007). W 2021 r. została wybrana do Secondary Archive – platformy badawczej i bazodanowej dotyczącej artystek Europy Centralnej i Wschodniej po II wojnie światowej stworzonej przez Katarzyna Kozyra Foundation, Zachęta Narodowa Galeria Sztuki, East Topics, Bjornson, Meetfactory.
Od 2004 r. pracuje na Uniwersytecie Artystycznym w Poznaniu. W 2009 roku obroniła doktorat w dziedzinie sztuki piękne a w 2019 r. roku uzyskała stopień doktora habilitowanego. Od 2018 r. jest członkinią Rady Naukowej. Od 2024 r. członkinią Senatu Uczelni oraz Rady Programowej Wydziału Malarstwa i Rysunku. W latach 2023 – 2025 pełniła funkcję Koordynatorki Study in English w zakresie Sztuki i Teorii. W latach 2011-2014 współtworzyła projekt TERAZ RYSUNEK w ramach którego odbyły się 34 wykłady wybitnych postaci ze świata sztuki polskiej. Od 2022 r. wspólnie z dr hab. Dianą Fiedler Prowadzi Pracownię Praktyk i Badań Artystycznych w Uniwersytecie Artystycznym w Poznaniu.
Galeria Sztuki Czas Kobiet realizuje misję wspierania, promowania i upowszechniania twórczości współczesnych artystek różnych pokoleń. Naszym celem jest tworzenie przestrzeni, w której kobiety aktywne artystycznie mogą swobodnie rozwijać swoje praktyki twórcze, prezentować nowe projekty oraz budować sieci współdziałania i solidarności.
Galeria koncentruje się na sztuce podejmującej kluczowe dla współczesności zagadnienia: kobiecości i jej kulturowych reprezentacji, wspólnotowości i siostrzeństwa, praw kobiet, przeciwdziałania przemocy, redefinicji ról społecznych oraz poszukiwania języka sprawczości. Wspieramy artystki, które badają miejsce kobiet w historii sztuki i podejmują refleksję nad redefinicją kanonu, a także te, które reagują na aktualne problemy społeczno-kulturowe.
Od kilku lat Galeria zapewnia żyjącym artystkom profesjonalną, otwartą i bezpieczną przestrzeń do prezentacji projektów realizowanych w szerokim spektrum mediów — od malarstwa, rysunku i rzeźby, przez fotografię i instalacje multimedialne, po działania performatywne. Wystawiamy zarówno projekty indywidualne, jak i grupowe, podkreślając znaczenie dialogu, wymiany perspektyw oraz potencjału wspólnototwórczego, który niesie sztuka.
CHRONIONE CZĘSTOTLIWOŚCI (WYSTAWA)
10:00
/ Wydarzenia towarzyszące
Galeria Sztuki Czas Kobiet
czytaj więcej
BARK to plenerowy spektakl nordyckiego kolektywu Acting for Climate, tworzony bezpośrednio w przestrzeni natury. Przedstawienie łączy elementy współczesnego cyrku, tańca i teatru fizycznego, budując doświadczenie oparte na relacji między ludźmi a środowiskiem.
BARK powstanie w bezpośrednim kontakcie z miejscem – w Parku Starego Browaru , gdzie drzewa, ziemia i otaczająca przestrzeń staną się równorzędnymi elementami działania. To nie scenografia, lecz współtwórca przedstawienia.
Choreografia opiera się na pracy z naturą i jej strukturą – performerki wykorzystują drzewa jako punkt odniesienia dla ruchu, budując działania pomiędzy nimi, wokół nich i z ich udziałem. Spektakl łączy akrobatykę grupową, taniec wertykalny i teatr fizyczny, tworząc kompozycję rozwijającą się w przestrzeni i czasie.
Istotą projektu jest relacja – między performerami, ale też między ludźmi a środowiskiem. BARK zaprasza do doświadczenia natury poprzez ciało i zmysły, proponując zmianę perspektywy: człowiek nie jest tu obserwatorem, lecz częścią większego systemu, w którym wszystko pozostaje we wzajemnej zależności.
Spektakl rozwija się w rytmie miejsca – reaguje na przestrzeń, warunki i obecność widzów. Każda realizacja jest inna, zależna od konkretnego otoczenia i jego dynamiki. BARK funkcjonuje jako doświadczenie, które nie oddziela sztuki od środowiska, lecz łączy je w jedno, wspólne działanie.
Dofinansowano ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego pochodzących z Funduszu Promocji Kultury.Spektakl realizowany we współpracy z Ambasadą Norwegii.
Wspierane przez Kulturradet – Arts Council Norway, Nordic Culture Fund, SPENN Norge, Danish Art Foundation (Statens Kunstfond), Taike Arts Promotion Center Finland, and Custom Raw bikes.
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Park Dąbrowskiego przy Starym Browarze
BARK
12:00
/ Plener
Park Starego Browaru
czytaj więcej
Podczas warsztatu zagłębimy się w świat baśniarstwa — w rolę baśniarza i samych baśni. To spotkanie z prastarą techniką opowiadania znaną ludom Ziemi: tworzeniem światów poprzez obrazy i słowa.
Będzie o tym jak jak rodzą się baśnie, jak można je przekazywać, jak dźwięk i pieśń niosą nasiona opowieści.
Warsztat poprowadzi baśniarka Magda Justyna Polkowska z Baśnii Ludów Ziemi, czerpiąca inspiracje z ciszy siebie samej, oraz Ludów, wśród których mieszkała – na rezerwatach plemienia Lakotów w Południowej Dakocie, w Meksyku, w Kazachstanie, oraz stepach Republiki Tuwińskiej w Południowej Syberii.
Prowadziła słuchowisko radiowe na falach Polskiego Radia New York, 910 AM, „Baśnie Pieśni Ludów Ziemi”. W ramach projektu założyła również Sacred Theater Collective, teatr, który inscenizował baśnie dla dorosłych jak również dla dzieci.
Udział w warsztatach nie wymaga zapisów.
Liczba miejsc jest jednak ograniczona, dlatego zachęcamy do wcześniejszego przybycia, aby mieć pewność udziału.
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Polana nad Wartą (obok przystanku tramwaju wodnego Panny Marii)
PRASTARA SZTUKA OPOWIADANIA
12:00
/ Plener
Polana nad Wartą (obok Przystanku Tramwaju Wodnego Panny Marii)
czytaj więcej
Warsztat poświęcony jest pracy z energią seksualną jako źródłem naszego przebudzenia, kreacji i wewnętrznej mocy. Odwołując się do podejścia tantry „prawej ręki” oraz tao miłości, uczestniczki przyjrzą się temu, czym jest energia seksualna i jak może wspierać, zamiast prowadzić do utraty czy przeciążenia.
Spotkanie porusza tematy świadomości, granic i odpowiedzialności w przestrzeni energii seksualnej. To przestrzeń do refleksji nad tym, jak korzystać z własnej energii w sposób, który wzmacnia, nasyca i pogłębia kontakt ze sobą.
Warsztat ma charakter łagodny i uważny, oparty na pracy z ciałem, oddechem i świadomością.
Poprowadzi go Rita Małgorzata Daniło-Gorlewicz — doświadczona instruktorka gimnastyki słowiańskiej i tantry. Twórczyni przestrzeni Metamorphosis, w której pracuje z ciałem, energią seksualną, oddechem i świadomością. Od lat towarzyszy kobietom w pogłębianiu relacji ze sobą, łącząc wiedzę o ruchu z głębokim wyczuciem procesów emocjonalnych i tworząc bezpieczną, uważną przestrzeń.
Udział w warsztatach nie wymaga zapisów.
Liczba miejsc jest jednak ograniczona, dlatego zachęcamy do wcześniejszego przybycia, aby mieć pewność udziału.
Prosimy o zabranie ze sobą własnych mat i kocyków. Polecamy wygodny, niekrępujący ruchów strój.
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Polana nad Wartą (obok przystanku tramwaju wodnego Panny Marii)
TANTRA MIŁOŚCI – ŹRÓDŁO PRZEBUDZENIA KOBIET. ENERGIA ŻYCIOWA, SEKSUALNA I TAO MIŁOŚCI
14:00
/ Plener, Warsztaty
Polana nad Wartą (obok Przystanku Tramwaju Wodnego Panny Marii)
czytaj więcej
BARK to plenerowy spektakl nordyckiego kolektywu Acting for Climate, tworzony bezpośrednio w przestrzeni natury. Przedstawienie łączy elementy współczesnego cyrku, tańca i teatru fizycznego, budując doświadczenie oparte na relacji między ludźmi a środowiskiem.
BARK powstanie w bezpośrednim kontakcie z miejscem – w Parku Starego Browaru , gdzie drzewa, ziemia i otaczająca przestrzeń staną się równorzędnymi elementami działania. To nie scenografia, lecz współtwórca przedstawienia.
Choreografia opiera się na pracy z naturą i jej strukturą – performerki wykorzystują drzewa jako punkt odniesienia dla ruchu, budując działania pomiędzy nimi, wokół nich i z ich udziałem. Spektakl łączy akrobatykę grupową, taniec wertykalny i teatr fizyczny, tworząc kompozycję rozwijającą się w przestrzeni i czasie.
Istotą projektu jest relacja – między performerami, ale też między ludźmi a środowiskiem. BARK zaprasza do doświadczenia natury poprzez ciało i zmysły, proponując zmianę perspektywy: człowiek nie jest tu obserwatorem, lecz częścią większego systemu, w którym wszystko pozostaje we wzajemnej zależności.
Spektakl rozwija się w rytmie miejsca – reaguje na przestrzeń, warunki i obecność widzów. Każda realizacja jest inna, zależna od konkretnego otoczenia i jego dynamiki. BARK funkcjonuje jako doświadczenie, które nie oddziela sztuki od środowiska, lecz łączy je w jedno, wspólne działanie.
Dofinansowano ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego pochodzących z Funduszu Promocji Kultury.Spektakl realizowany we współpracy z Ambasadą Norwegii.
Wspierane przez Kulturradet – Arts Council Norway, Nordic Culture Fund, SPENN Norge, Danish Art Foundation (Statens Kunstfond), Taike Arts Promotion Center Finland, and Custom Raw bikes.
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Park Dąbrowskiego przy Starym Browarze
BARK
15:00
/ Plener
Park Starego Browaru
czytaj więcej
Jak szukać duchowości, nie tracąc kontaktu ze sobą? Gdzie przebiega granica między rozwojem a presją ciągłego „naprawiania się”? Jak odróżnić intuicję od manipulacji, a wspierające praktyki od tych, które odbierają sprawczość?
Duchowe BHP to spotkanie Natalii de Barbaro i Agnieszki Szydłowskiej poświęcone świadomemu, uważnemu i bezpiecznemu wchodzeniu w obszar duchowości oraz pracy nad sobą. Punktem wyjścia będzie potrzeba odzyskiwania wewnętrznej równowagi w świecie przeciążonym bodźcami, oczekiwaniami i nieustannym imperatywem samodoskonalenia.
Prowadzące porozmawiają o znaczeniu granic – o umiejętności mówienia „nie”, rozpoznawania własnego dyskomfortu i zaufania do sygnałów płynących z ciała oraz emocji. Zastanowią się również, jak nie zagubić siebie w gąszczu współczesnych języków duchowości, terapii, coachingu i rozwoju osobistego.
To będzie rozmowa o czułości wobec siebie, ale też o krytycznym myśleniu. O potrzebie sensu, wspólnoty i duchowego doświadczenia, które nie wymaga podporządkowania ani rezygnacji z własnej autonomii.
Spotkanie będzie miało interaktywny charakter – publiczność zostanie zaproszona do współtworzenia rozmowy poprzez pytania, refleksje i wspólne namysły nad tym, czym dziś może być odpowiedzialna, wspierająca duchowość.
Natalia de Barbaro – psycholożka, socjolożka, pisarka. i autorka bestsellerów takich jak Czuła Przewodniczka, Przędza i Przejścia. Felietonistka Zwierciadła i Tygodnika Powszechnego. Prowadzi autorskie warsztaty dla kobiet – Własny Pokój, Moje TAK, moje NIE i Którędy do miłości oraz szkolenia, warsztaty i interwencje zespołowe w obszarach takich jak komunikacja, przywództwo, motywacja czy wystąpienia publiczne.
Agnieszka Szydłowska – dziennikarka radiowa i telewizyjna, dyrektorka-redaktorka naczelna Programu 3 Polskiego Radia. Prowadziła cenione audycje radiowe, m.in. Radiowy Dom Kultury i Program Alternatywny, a także podcast 8 kobiet. Związana wcześniej z Rozgłośnią Harcerską, Radiostacją, Newonce Radio i Radiową Trójką, do której wróciła po latach. z której mikrofonem przez lata podróżowała po całej Polsce.
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Klub Festiwalowy
DUCHOWE BHP
16:00
/ Panel
Klub Festiwalowy
czytaj więcej
The Air Between Us to plenerowy performans powietrzny autorstwa nowozelandzkiej choreografki Chloe Loftus, wykonywany wspólnie z Florentem Devlesaverem. Spektakl łączy precyzję techniki z intymnością relacji, budując choreografię opartą na zaufaniu, partnerstwie i współzależności. To jednocześnie kameralne i widowiskowe doświadczenie, w którym ruch powstaje z różnicy, a siła spektaklu wynika z tego, co wydarza się między dwojgiem tancerzy.
The Air Between Us to duet powietrzny oparty na bliskiej relacji między performerami i pracy z napięciem, ciężarem oraz równowagą. Artyści poruszają się w przestrzeni zawieszonej nad ziemią, wykorzystując system lin i przeciwwag, który pozwala budować ruch w oparciu o wzajemne wsparcie i precyzję.
Podstawą spektaklu jest różnica doświadczeń i warunków fizycznych performerów – Florent Devlesaver porusza się na wózku, który zostaje włączony w strukturę choreografii jako jej integralna część. Ruch nie omija tej różnicy, lecz ją wykorzystuje, staje się bowiem ona punktem wyjścia do budowania relacji, napięcia i dynamiki scenicznej.
To praca, która działa bezpośrednio na odbiorców; intensywna, emocjonalna i angażująca, budująca poczucie bliskości i wspólnego doświadczenia. The Air Between Us łączy formę widowiska powietrznego z intymnym językiem tańca współczesnego, opierając się na relacji – między performerami, ale też między sceną a publicznością.
Dofinansowano ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego pochodzących z Funduszu Promocji Kultury.
Dofinansowano ze środków budżetowych Miasta Poznania. #poznanwspiera
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Plac Wolności
THE AIR BETWEEN US
17:00
/ Plener
Plac Wolności
czytaj więcej
Premiera spotu “Menopauza bez tabu” w reż. Moniki Kmity oraz rozmowa ekspertek na temat tego, że menopauzy nie da się ominąć, dlatego zacznijmy o niej mówić głośno.
Menopauza to naturalny etap życia każdej kobiety, tymczasem blisko połowa Polek uważa ją za temat tabu. A tabu to coś o czym się milczy, co budzi lęk i wstyd. Skoro o tym nie mówimy, to brakuje wiedzy zarówno w społeczeństwie, jak i wśród specjalistów. Brak wiedzy nadrabiamy stereotypami, które tworzą krzywdzący obraz kobiety w transformacji menopauzalnej.
O tym jakie to rodzi konsekwencje dla kobiet i całego społeczeństwa, a także co można zrobić, by to zmienić porozmawiają Anna Samsel, dr Alicja Długołęcka i dr Katarzyna Skórzewska. A spotkanie poprowadzi Odeta Moro.
MENOPAUZA BEZ TABU
17:00
Atrium UAP
czytaj więcej
Tara K. Menon należy dziś do najgłośniejszych nowych autorek na międzynarodowej scenie literackiej. Jej debiutancka powieść Pod wodą, której prawa sprzedano już do 34 krajów, to opowieść o przyjaźni, żałobie i świecie, którego kruchość coraz trudniej ignorować.
Menon buduje historię dwóch dziewczynek dorastających na tajskiej wyspie tuż przed katastrofalnym tsunami z 2004 roku, łącząc intymną opowieść o relacji z doświadczeniem katastrofy klimatycznej i utraty.
Spotkanie z Tarą K. Menon będzie jednym z najważniejszych międzynarodowych wydarzeń tegorocznego cyklu Głosy Kobiet. Autorka urodziła się w Indiach, dorastała w Singapurze, studiowała i pracowała w Nowym Jorku, a obecnie wykłada na Uniwersytecie Harvarda.
Jej debiutancka powieść Pod wodą rozpoczyna się od historii pięcioletniej Marissy, która po śmierci matki trafia z ojcem na tajską wyspę na Morzu Andamańskim. Tam poznaje Arielle, z którą buduje intensywną, niemal symbiotyczną relację. Świat dziewczynek zostaje jednak gwałtownie przerwany przez tsunami z 2004 roku, które rozdziela je i na zawsze zmienia ich życie.
Menon prowadzi tę historię dalej – od doświadczenia dzieciństwa po dorosłość naznaczoną pamięcią, stratą i poczuciem niepewności wobec świata. Katastrofa klimatyczna nie pozostaje tu wyłącznie tłem wydarzeń, lecz wpływa na relacje, emocje i sposób przeżywania żałoby.
To literatura, która łączy intymność z rozmachem – opowieść o dziewczęcej bliskości, ale też o świecie znajdującym się w kryzysie. Tematy obecne w książce wyraźnie rezonują również z tegorocznym programem performatywnym Malty, szczególnie ze spektaklem Dystans Tiago Rodriguesa czy operą La Mort de la Mer duetu CocoRosie.
22.06 – Anna Jadowska
23.06 – Book Rave wokół Bilansu snów Chimamandy Ngozi Adichie
24.06 – Tara K. Menon
25.06 – Samanta Schweblin
Partnerami medialnymi cyklu „Głosy Kobiet” są Trójka Polskie Radio i Magazyn Pismo.
Cykl „Głosy Kobiet” powstaje we współpracy z naturalną wodą mineralną Muszyna Skarb Życia.
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Klub Festiwalowy
GŁOSY KOBIET:TARA MENON
17:30
/ Literatura
Klub Festiwalowy
czytaj więcej
Relacje zmieniają się razem z nami. Pod wpływem czasu, codzienności, rodzicielstwa, pracy, zmęczenia, zmian w naszym ciele czy emocji. I choć wszyscy chcemy bliskości, czasem coraz trudniej jest nam naprawdę się usłyszeć.
Właśnie o tym będą nasze dwa spotkania poświęcone związkom i dojrzałym relacjom.
Rozmowa o związkach z udziałem Pauliny i Mateusza Damięckich, którą poprowadzi Odeta Moro.
W centrum rozmowy znajdzie się pytanie o to, jak tworzyć balans w życiu, który służy każdemu w związku. Jaką siłę tworzą pary działające razem, ale również jak zmienia się relacja w perspektywie czasu, doświadczenia rodzicielstwa oraz życia zawodowego. Ważnym wątkiem będzie także równość w związku, a także współczesne napięcia i zmiany społeczno-kulturowe wpływające na relacje partnerskie.
Balans w tym kontekście nie jest stanem stałym, ale raczej dynamicznym procesem –codziennym negocjowaniem między pracą a życiem prywatnym, między byciem rodzicem a partnerem, między ambicją zawodową a obecnością w relacji i rodzinie. To nie równowaga „raz na zawsze”, ale umiejętność ciągłego dostrajania się do zmieniających się potrzeb, ról i etapów życia.
„Couple Balance” rozpoczyna cykl poświęcony dojrzałym relacjom. Stanowi wprowadzenie do kolejnej rozmowy – „Couple Pause” – o relacjach ludzi w dojrzałym wieku, połączonej z premierą książki dr Katarzyny Skórzewskiej, dr Piotra Świniarskiego i Zuzanny Kuffel „Dopóki hormony nas nie rozłączą”.
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Atrium UAP
COUPLE BALANCE
17:45
Atrium UAP
czytaj więcej
Moja Pierwsza Nieśmiertelność to performatywny seans inspirowany twórczością Milana Kundery i Franceski Woodman – opowieść o pamięci, obrazie i ciele zapisanym w świetle. Spektakl zanurza się w świat fotografii, przemijania i utrwalonych śladów obecności, gdzie Eros i Tanatos nieustannie się splatają.
Twórcy budują intymne doświadczenie balansujące między performansem, wizualnym rytuałem i refleksją nad współczesnym nadmiarem obrazów. To opowieść o patrzeniu, pamięci i próbie dotarcia do tego, co pozostaje ukryte pod powierzchnią ciała i fotografii.
dajcie dzieciom język, lecz nie uczcie ich waszych wierszy
dajcie im ruch, lecz nie pozwólcie im ćwiczyć dawnych tańców
dajcie im dźwięki, lecz nie grajcie im waszej muzyki
dajcie światło, lecz nie dawajcie im obrazów
a nade wszystko, nim pierwszy raz otworzą oczy, spalcie wszystkie fotografie
Próbując odrzucić wszelki obraz i wszelką opowieść, nie jesteśmy w stanie oddać ile „Moja Pierwsza Nieśmiertelność” zawdzięcza postaci Agnes, bohaterce powieści Milana Kundery pt. „Nieśmiertelność”. Równocześnie nie staramy się ukryć, że nasz Seans zrodził się z fascynacji i inspiracji pracami Francesci Woodman, genialnej fotografki i performerki, która poznanie przejrzystej jak fotograficzna błona Istoty, uczyniła sensem zarówno swego krótkiego życia jak i swej nagłej, samowybranej śmierci.
W domenie optyki przejrzystość jest fizyczną własnością umożliwiającą przejście światła przez materiał bez rozproszenia. Przeźroczystość jest jedną z podstawowych cech cieczy – substancji, które są zdolne do przepuszczania promieni świetlnych przez swe nieskończone warstwy. O ile w przypadku wód powierzchniowych ich przeźroczystość bywa różna, to już wody podziemne są zazwyczaj przeźroczyste. Pojęciem przeciwstawnym staje się tu mętność. Gdy rodzimy się nasze ciało w osiemdziesięciu procentach składa się z wody. Nasza przeźroczystość zmniejsza się z roku na rok, jakbyśmy odchodząc od źródeł „ku światłu”, stawali się mętni.
W „Mojej Pierwszej Nieśmiertelności” zstępujemy w głąb przemijania i przejrzystości naszych ciał, wszelkich ciał a zarazem ich utrwalonego obrazu, ich wiecznej (nie)obecności, gdzie Eros i Tanatos splatają się w jedno. Nie ufamy wiekowi fotografii, wiekowi pracy światła, który rodząc się przyniósł największe w historii ludzkości zbrodnie i jakby bezwiednie, „przy okazji” utrwalił je ku potomności, ku bezprecedensowemu bałwochwalstwu zła. I bałwochwalstwu patrzenia na jego obraz bez końca, jakby nasze patrzenie zastępowało samego boga.
A jeśli składamy się z szeregu przylegających do siebie warstw, powłok, naskórków, których splecenie postrzegamy jako własne ciało, fotografia ściąga te warstwy – rozcina to, co niesłusznie zostało sklejone w akcie urodzenia, aby oddać nieśmiertelności – poprzez zadanie śmierci tej lichej powłoce cienia, który właśnie wpadł w pułapkę światła. Fotografia jest skórą ściągniętą z mojego ciała. Jest albumem naskórków, przeniesionych przez światło. Kiedy fotografuję, patrzę na siebie umarłą.
Nie da się podać dokładnej liczby wykonanych od początku historii fotografii zdjęć. Zrobiono ich pewnie kilkanaście bilionów. Każdego dnia robimy około pięciu miliardów zdjęć, 57 tysięcy fotografii na sekundę.
Wyobrażam sobie gazety przyszłości bez choćby jednego słowa, jednego zdania, żadnych informacji o mordach, pogromach, gwałtach, wypadkach. Żadnych dat, godzin, miejsc. A przede wszystkim żadnych zdjęć tylko delikatne, akwarelowe rysunki oczu świadków, którzy tam byli i w których oczach odbija się wszystko, co winniśmy zrozumieć. I rozumiemy to natychmiast i na zawsze.
Dofinansowano ze środków budżetowych miasta Poznania #poznanwspiera
Dofinansowano ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego pochodzących z Funduszu Promocji Kultury – państwowego funduszu celowego
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie: Scena Robocza.
MOJA PIERWSZA NIEŚMIERTELNOŚĆ. SEANS
19:00
/ Wydarzenia towarzyszące
Scena Robocza
czytaj więcej
Dystans to polska premiera koprodukcji Malta Festival i jedyny pokaz spektaklu w Polsce. Najnowsza sztuka Tiago Rodriguesa – jednego z najważniejszych współczesnych twórców teatralnych, od 2022 roku dyrektora artystycznego Festival d’Avignon – po prezentacjach m.in. w Madrycie, Barcelonie, Mediolanie, Atenach i Santiago de Chile zostanie pokazana w Poznaniu w ramach 36. edycji festiwalu.
Spektakl opowiada intymną historię więzi ojca i córki, osadzoną w realiach niepokojąco bliskiej przyszłości. Akcja rozgrywa się w 2077 roku. W obliczu katastrofy klimatycznej bohaterowie żyją na dwóch planetach – Ziemi i Marsie. Rodrigues buduje precyzyjnie skomponowane przedstawienie o miłości, odpowiedzialności i międzypokoleniowym konflikcie w świecie, który przestaje być wspólny.
Dystans Tiago Rodriguesa rozgrywa się w roku 2077, w świecie coraz silniej naznaczonym kryzysem klimatycznym. Ludzkość funkcjonuje już na dwóch planetach – Ziemi i Marsie – a ojciec i córka żyją w odrębnych rzeczywistościach, oddzieleni nie tylko ogromną przestrzenią, lecz także różnymi wizjami przyszłości. Spektakl opowiada intymną historię relacji w świecie, który przestaje być wspólny.
Tiago Rodrigues – jeden z najważniejszych współczesnych twórców teatralnych i dyrektor artystyczny Festival d’Avignon – buduje precyzyjnie skomponowaną opowieść o miłości, odpowiedzialności i międzypokoleniowym napięciu. Dystans dotyka tematów emancypacji, samodzielności i niewypowiedzianych deklaracji, stawiając pytanie o to, jak bardzo przyszłe pokolenia będą jeszcze w stanie się porozumieć z tymi, które je poprzedziły.
Minimalistyczna forma spektaklu opiera się na obrotowej scenie podzielonej na dwie przestrzenie, symbolicznie odpowiadające Ziemi i Marsowi, oraz na ścisłej relacji między tekstem, ruchem, światłem i dźwiękiem. Zmienny rytm przedstawienia podkreśla napięcie między tym, co intymne i bliskie, a tym, co stopniowo się oddala, budując medytacyjny ton całości.
Dystans jest opowieścią o relacji ojca i córki, ale także o odpowiedzialności za przyszłość w świecie dotkniętym kryzysem środowiskowym. Prezentacja spektaklu w Poznaniu będzie polską premierą koprodukcji Malta Festival i jedynym polskim przystankiem na międzynarodowej trasie przedstawienia.
BIOGRAMY
Tiago Rodrigues
Portugalski aktor, reżyser i dramatopisarz, jedna z najważniejszych postaci współczesnego teatru europejskiego, od 2022 roku dyrektor Festival d’Avignon. Współzałożyciel zespołu Mundo Perfeito, z którym realizował projekty wystawiane w instytucjach teatralnych na całym świecie. W latach 2015–2021 był dyrektorem Teatro Nacional D. Maria II w Lizbonie. Jego twórczość łączy intymne opowieści z wyraźnym zaangażowaniem społecznym oraz silny nacisk na relację aktora z widownią. Swoje spektakle prezentował na najważniejszych scenach europejskich, m.in. w ramach Holland Festival, Wiener Festwochen czy Edinburgh International Festival. Realizował premiery na zaproszenie m.in. Comédie-Française, Comédie de Genève i NTGent. Wśród jego najbardziej rozpoznawalnych na świecie tytułów znajdziemy autorskie By Heart (Na pamięć), Sopro, Catarina and the Beauty of Killing Fascists, No Yogurt for the Dead oraz prezentowany na Malta Festival Dystans, a także rewizje klasyków jak Antoniusz i Kleopatra czy Wiśniowy sad.
Adama Diop
Aktor i reżyser urodzony w Dakarze w Senegalu. W 2002 roku przeniósł się do Francji, gdzie studiował w Conservatoire national d’art dramatique w Montpellier, a następnie w Conservatoire national supérieur d’arts dramatiques w Paryżu. Współpracował z wieloma uznanymi reżyserami teatralnymi, m.in. Bernardem Sobelem, Julienem Gosselinem, Stéphane’em Braunschweigiem, Arthurem Nauzycielem, Frankiem Castorfem oraz Jean-François Sivadierem. Występował na najważniejszych scenach europejskich, w tym na Festival d’Avignon, gdzie zagrał w Wiśniowym sadzie w reżyserii Tiago Rodriguesa, prezentowanym w Cour d’honneur. Obok pracy aktorskiej zajmuje się również reżyserią, a także regularnie występuje w filmach i słuchowiskach radiowych. Angażuje się ponadto w działalność edukacyjną, współtworząc projekty szkoleniowe i teatralne w Senegalu.
Alison Dechamps
Aktorka, absolwentka Conservatoire d’Art Dramatique w Nantes. W 2021 roku dołączyła do zespołu Théâtre National de Bretagne. Występowała m.in. w spektaklach La Tour de Constance w reżyserii Guillaume’a Vincenta oraz Dreamers II Pascala Ramberta.
Dofinansowano ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego pochodzących z Funduszu Promocji Kultury – państwowego funduszu celowego.
Możliwość zakupu biletu OzN uprawniającego do wstępu na wydarzenie wraz z osobą towarzyszącą
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Aula Artis
DYSTANS
19:00
/ Teatr
Aula Artis
czytaj więcej
Rozmowa o przeżywaniu dojrzałości w związku, czyli co można zwalić na hormony?
Związek dojrzałej kobiety i dojrzałego mężczyzny to często pole minowe, po którym partnerzy nie wiedzą, jak się poruszać. Wcześniej wydeptane ścieżki prowadzą donikąd lub na skraj przepaści – końca związku. Zaczynają się od siebie oddalać – rozmowy stają się krótsze, dotyk i seks rzadsze, a coraz więcej rzeczy zaczyna irytować.
Wiele z tych problemów wynika z naturalnych zmian hormonalnych związanych z menopauzą i andropauzą.
Podczas spotkania „Couplepause”, autorzy książki „Dopóki hormony nas nie rozłączą” – dr Katarzyna Skórzewska, ginekolożka, endokrynolożka i dr Piotr Świniarski, androlog, urolog – porozmawiają z Odetą Moro o tym, jak zmiany hormonalne wpływają na dynamikę w związku. Podzielą się też praktycznymi wskazówkami: jakie badania wykonać, kiedy zgłosić się do lekarza, w jakiej sytuacji rozważyć terapię hormonalną i jak rozmawiać z partnerką czy partnerem, by odzyskać bliskość.
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Atrium UAP
COUPLE-PAUSE
19:00
Atrium UAP
czytaj więcej
Silent Disco x NOS – Trójka Polskie Radio za konsoletą!
Silent Disco to już prawdziwa tradycja Malta Festival – wydarzenie, które od lat przyciąga tłumy miłośników muzyki i tańca. DJ sety są obecne na Malcie nieprzerwanie od 2009 roku. Właśnie wtedy zorganizowaliśmy pierwsze silent disco w przestrzeni publicznej w Polsce, stając się jednym z prekursorów tej wyjątkowej formy zabawy – jednocześnie kolektywnej i intymnej.
W tym roku rozpoczynamy festiwal z przytupem – Silent Disco będzie naszą imprezą otwarcia!
Zapraszamy 24 czerwca wieczorem do Klubu Festiwalowego, gdzie słuchawki zastąpią głośniki, a parkiet – wspólne poruszenie ciał i serc.
Za konsoletą – trio, którego nie trzeba przedstawiać: NOS, czyli Michał Nogaś, Agnieszka Obszańska i Agnieszka Szydłowska z Trójki Polskiego Radia. Ich muzyczny miks to wieczór pełen emocji, zaskoczeń i przebojów, do których nie sposób nie tańczyć i nie śpiewać – choć każdy w swojej strefie ciszy.
Obiecujemy: świetny dobór DJ-ów, eklektyczny repertuar i niezapomniane emocje.
Dołączcie do nas, zatańczcie w ciszy, poczujcie wspólnotę.
Za miłość!
Więcej o dostępności miejsca -> Klub Festiwalowy
SILENT DISCO x NOS
20:00
/ Muzyka
Klub Festiwalowy
czytaj więcej
Kino kobiet to cykl pokazów filmowych i spotkań, podczas których kino staje się punktem wyjścia do rozmowy o relacjach, emocjach i doświadczeniach współczesnego świata.
Brat to poruszająca historia rodziny próbującej odnaleźć się w rzeczywistości naznaczonej przemocą, niespełnionymi ambicjami i narastającym chaosem. Gdy czternastoletni Dawid bierze na siebie odpowiedzialność za młodszego brata, a jedyna szansa na zmianę zaczyna wymykać się spod kontroli, rodzinne więzi zostają wystawione na najtrudniejszą próbę.
Po seansie odbędzie się spotkanie z aktorką Agnieszką Grochowską i reżyserem Maciejem Sobieszczańskim.
Brat to poruszająca opowieść o kobiecie i rodzinie wystawionej na próbę w świecie przemocy, niespełnionych ambicji i narastającego chaosu. 14-letni Dawid opiekuje się młodszym bratem i próbuje sprostać oczekiwaniom matki, która chce wyrwać się z toksycznej przeszłości i zacząć od nowa, bez męża osadzonego w więzieniu. Choć chłopak ma talent i siłę, to w codzienności rozpiętej między szkołą, domem i ulicą coraz trudniej mu zachować kontrolę. Wszystko komplikuje się jeszcze bardziej, gdy w ich życie wkracza Konrad – jedyny dorosły, któremu Dawid naprawdę ufa. To jednak dopiero początek burzliwych wydarzeń, które mogą ostatecznie rozbić tę rodzinę… albo ją ocalić.
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Park Starego Browaru
KINO KOBIET: BRAT
21:30
/ Film, Panel
Park Starego Browaru
czytaj więcej
25.06/czwartek
Poranki Malta Festival ponownie rozpoczną się od jogi. W dniach koncertów na Scenie Muzycznej Malty zapraszamy na wspólną praktykę inspirowaną rytmem festiwalu i muzyką artystów występujących na Międzynarodowych Targach Poznańskich.
To moment na złapanie oddechu, rozciągnięcie ciała i spokojne wejście w dzień przed wieczornymi koncertami. Zajęcia są otwarte dla wszystkich – niezależnie od doświadczenia i poziomu zaawansowania.
Festiwalowa joga będzie oparta na łagodnej praktyce hatha jogi, skupionej na oddechu, równowadze i uważnym ruchu. Tempo zajęć pozostanie spokojne, a kolejne pozycje będą prowadzić raczej do rozluźnienia i regeneracji niż intensywnego wysiłku.
Tegoroczna edycja połączy praktykę z muzyką artystów występujących tego samego dnia na Scenie Muzycznej Malta Festival, tworząc poranne doświadczenie inspirowane atmosferą festiwalu i rytmem koncertowych dni.
Każde spotkanie będzie skupione na innym obszarze pracy z ciałem:
– 25 czerwca – praktyka dla każdego skoncentrowana na obszarze bioder
– 26 czerwca – praktyka dla każdego skupiona na otwarciu klatki piersiowej i wzmocnieniu pleców
– 27 czerwca – praktyka dla każdego skupiona na rozciągnięciu tylnej taśmy ciała
– 28 czerwca – praktyka dla każdego nastawiona na rozluźnienie po całym tygodniu festiwalowania
Zajęcia skierowane są zarówno do osób praktykujących jogę regularnie, jak i tych, które chcą spróbować jej po raz pierwszy. Wystarczy wygodny strój, mata i chwila czasu dla siebie.
Partnerem wydarzenia jest Kuchnia Vikinga. Po każdych zajęciach dostępna będzie także strefa regeneracji z przekąskami i koktajlami, które pozwolą odzyskać energię po treningu.
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie: Klub Festiwalowy
JOGA NA TARASIE
09:00
/ Inne
Klub Festiwalowy
czytaj więcej
Na wystawie zostaną zaprezentowane przykłady procesów ideowych i projektowych w postaci rysunków, analiz i modeli przestrzennych, prowadzących do powstania spektakli teatralnych prezentowanych, między innymi, w ramach Festiwalu „Malta”. Niektóre z wymienionych materiałów są częścią historii tego wydarzenia a dodatkowym uzupełnieniem są materiały fotograficzne ze spektakli. Prezentowane w postaci reprodukcji prace rysunkowe są w oryginale własnością Muzeum Śląskiego w Katowicach.
Część druga wystawy zaprezentuje cykle rysunkowe będące rodzajem „spektaklu potencjalnego” (in potentia) bez stanu realizacji. Ten rysunkowy materiał odnosi się częściowo do profetycznego dzieła literackiego Janusza Andrzeja Zajdla pt ”Limes Inferior” z 1979 roku będącego formą fantastyki socjologicznej osadzoną w przestrzeniach dystopijnego miasta Argoland. Pozostałe cykle rysunkowe są samodzielnymi autonomicznymi bytami rysunkowymi wynikającymi z wewnętrznej intuicji przestrzennej i formalnej autora.
Bohdan Cieślak – architekt wnętrz, scenograf, rysownik i malarz. Autor ponad 30stu scenografii teatralnych realizowanych na ważnych polskich scenach teatru dramatycznego, tańca i animacji. Współpraca z takimi twórcami jak Lech Raczak (wieloletni dyrektor artystyczny Międzynarodowego Festiwalu „Malta” w Poznaniu) czy Ewa Wycichowska (dyrektorka Polskiego Teatru Tańca w Poznaniu) Jego prace scenograficzne w postaci rysunków, projektów i makiet scenograficznych w liczbie kilkuset obiektów są częścią zbiorów Muzeum Śląskiego w Katowicach (Centrum Scenografii Polskiej) i były eksponowane podczas indywidualnych wystaw autora w Muzeum Śląskim oraz w Muzeum Narodowym w Poznaniu. Brał on również udział w wystawie zbiorowej pt „Wirtuozi wyobraźni. Rysunki przestrzeni i postaci artystów współczesnych ze zbiorów Muzeum Śląskiego” obok takich twórców jak Tadeusz Kantor, Jerzy Skarżyński, Jerzy Gurawski, Jan Berdyszak, Janusz Wiśniewski czy Jadwiga Mydlarska – Kowal.
PRZESTRZENIE SPEKTAKLU
10:00
Centrum Festiwalowe. Galeria Nowa Scena UAP
czytaj więcej
Projekt Ewy Kuleszy koncentruje się na subtelnych śladach dziecięcych doświadczeń – wspomnieniach, które znikają pod powierzchnią świadomości, ale nadal wpływają na ciało i sposób odczuwania świata. Interaktywna instalacja zaprasza do doświadczenia poprzez dotyk, obecność i pozostawianie śladów, uruchamiając proces osobistej refleksji.
Wystawa staje się spotkaniem z tym, co ukryte, a jednocześnie fundamentalne dla naszego wewnętrznego świata. Kulesza – artystka, fotografka i wykładowczyni Uniwersytetu Artystycznego w Poznaniu – od lat tworzy projekty związane z pamięcią, ciałem i doświadczeniem wizualnym.
Projekt prezentowany jest przez Galerię Sztuki Czas Kobiet – przestrzeń wspierającą współczesne artystki i działania podejmujące tematy wspólnotowości, kobiecości oraz społecznej i kulturowej sprawczości.
Projekt koncentruje się na subtelnych sygnałach dotyczących dziecięcych doświadczeń. Zdarzenia wczesnych lat osuwają się w głąb podświadomości. Choć giną w procesie sedymentacji wspomnień, pozostają aktywne — nieustannie oddziałują na nasze ciało i sposób odczuwania świata.
Instalacja ma charakter interaktywny. Zbudowana z materiałów ulotnych i zmiennych, zaprasza do doświadczenia poprzez dotyk, pozostawienia śladu, do bycia tu i teraz. Gest odcisku palców staje się zarówno fizycznym działaniem, jak i metaforą — uruchamiając proces refleksji i zanurzenia we własną historię.
Wystawa Ewy Kuleszy to spotkanie z tym, co ukryte a jednocześnie fundamentalne dla naszego wewnętrznego świata.
Ewa Kulesza, ur. 1977 w Poznaniu.
W latach 1997 – 2003 studiowała Realizację Obrazu Filmowego, Telewizyjnego, Fotografię Oraz równolegle Rzeźbę na Akademii Sztuk Pięknych w Poznaniu. Obroniła dyplomy z
Rysunku i Rzeźby u prof. Macieja Szańkowskiego i prof. Jarosława Kozłowskiego oraz z Fotografii u dr hab. Krzysztofa J. Baranowskiego. Stypendystka Ministerstwa Kultury i Sztuki (1997). Otrzymała stypendium twórcze Miasta Poznania (2004). Została zaproszona na rezydencję artystyczną w Bern w Szwajcarii (2000) oraz w Nordic Kunst Dale w Norwegii (2007). W 2021 r. została wybrana do Secondary Archive – platformy badawczej i bazodanowej dotyczącej artystek Europy Centralnej i Wschodniej po II wojnie światowej stworzonej przez Katarzyna Kozyra Foundation, Zachęta Narodowa Galeria Sztuki, East Topics, Bjornson, Meetfactory.
Od 2004 r. pracuje na Uniwersytecie Artystycznym w Poznaniu. W 2009 roku obroniła doktorat w dziedzinie sztuki piękne a w 2019 r. roku uzyskała stopień doktora habilitowanego. Od 2018 r. jest członkinią Rady Naukowej. Od 2024 r. członkinią Senatu Uczelni oraz Rady Programowej Wydziału Malarstwa i Rysunku. W latach 2023 – 2025 pełniła funkcję Koordynatorki Study in English w zakresie Sztuki i Teorii. W latach 2011-2014 współtworzyła projekt TERAZ RYSUNEK w ramach którego odbyły się 34 wykłady wybitnych postaci ze świata sztuki polskiej. Od 2022 r. wspólnie z dr hab. Dianą Fiedler Prowadzi Pracownię Praktyk i Badań Artystycznych w Uniwersytecie Artystycznym w Poznaniu.
Galeria Sztuki Czas Kobiet realizuje misję wspierania, promowania i upowszechniania twórczości współczesnych artystek różnych pokoleń. Naszym celem jest tworzenie przestrzeni, w której kobiety aktywne artystycznie mogą swobodnie rozwijać swoje praktyki twórcze, prezentować nowe projekty oraz budować sieci współdziałania i solidarności.
Galeria koncentruje się na sztuce podejmującej kluczowe dla współczesności zagadnienia: kobiecości i jej kulturowych reprezentacji, wspólnotowości i siostrzeństwa, praw kobiet, przeciwdziałania przemocy, redefinicji ról społecznych oraz poszukiwania języka sprawczości. Wspieramy artystki, które badają miejsce kobiet w historii sztuki i podejmują refleksję nad redefinicją kanonu, a także te, które reagują na aktualne problemy społeczno-kulturowe.
Od kilku lat Galeria zapewnia żyjącym artystkom profesjonalną, otwartą i bezpieczną przestrzeń do prezentacji projektów realizowanych w szerokim spektrum mediów — od malarstwa, rysunku i rzeźby, przez fotografię i instalacje multimedialne, po działania performatywne. Wystawiamy zarówno projekty indywidualne, jak i grupowe, podkreślając znaczenie dialogu, wymiany perspektyw oraz potencjału wspólnototwórczego, który niesie sztuka.
CHRONIONE CZĘSTOTLIWOŚCI (WYSTAWA)
10:00
/ Wydarzenia towarzyszące
Galeria Sztuki Czas Kobiet
czytaj więcej
Rozmowa o przywództwie, odpowiedzialności i budowaniu organizacji w świecie nieustannej zmiany. Dr Anna Rulkiewicz opowie o doświadczeniach związanych z zarządzaniem jedną z największych firm medycznych w Polsce oraz o wyzwaniach, jakie stoją dziś przed systemem ochrony zdrowia.
Czy w świecie nieustannej zmiany i presji wyników jest jeszcze miejsce na empatię? Podczas spotkania z Anną Rulkiewicz – liderką i prezeską Grupy LUX MED – porozmawiamy o tym, jak wartości wpływają na współczesne przywództwo i decyzje liderów. Będzie to rozmowa o budowaniu organizacji opartych na zaufaniu, odpowiedzialności i szacunku oraz o tym, że empatia nie jest kosztem sukcesu, lecz jego fundamentem. Punktem wyjścia do dyskusji będzie książka „Moc wartości. Przywództwo w świecie zmian”.
dr Anna Rulkiewicz – Prezeska Grupy LUX MED, wiceprezydentka Konfederacji Lewiatan, prezeska Związku Pracodawcy dla Zdrowia
Menedżerka z ponad 30-letnim doświadczeniem, od 2007 r. zarządza największą prywatną siecią medyczną w Polsce, Grupą LUX MED a w 2026 powołana do zarządu Bupa. Przeprowadziła ponad 60 akwizycji i zbudowała zespół 30 tys. profesjonalistów. Jest wiceprezydentką Konfederacji Lewiatan, prezeską Związku Pracodawcy dla Zdrowia, członkinią Rady Uczelni SGH. Należy do Rady Nadzorczej Banku Handlowego SA, Rady Programowej studiów MBA (SGH i WUM) oraz Rady Ekspertów przy Rzeczniku Praw Pacjenta. Dr n. med. i n. o zdr. WUM. Absolwentka Stanford Executive Program (Stanford GSB) i Singularity University w Kalifornii.
Prowadząca: Magdalena Rosłaniec – dziennikarka magazynu Zwierciadło
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Klub Festiwalowy
DZIEŃ Z LUX MED: CENA EMPATII. O SILE WARTOŚCI W PRZYWÓDZTWIE
12:00
Klub Festiwalowy
czytaj więcej
Rozmowa o zdrowiu, długowieczności i świadomym dbaniu o siebie w świecie pełnym zmian. Uczestnicy spotkania zastanowią się, jak współczesna medycyna, aktywność fizyczna, profilaktyka i nowe technologie mogą wspierać nas w budowaniu dłuższego i zdrowszego życia.
Czy sekret długiego i zdrowego życia kryje się w naszych genach, czy raczej w codziennych nawykach i podejmowanych decyzjach? Podczas panelu eksperci przyjrzą się najnowszym trendom dotyczącym długowieczności oraz czynnikom, które realnie wpływają na tempo starzenia się organizmu. Zapraszamy na rozmowę o tym, jak świadomie kształtować swoją przyszłość, by żyć dłużej, zdrowiej i cieszyć się lepszą jakością życia przez wiele lat.
Uczestnicy:
Robert Korzeniowski – czterokrotny mistrz olimpijski, doradca Ministra Sportu i Turystyki ds. „Strategii Rozwoju Sportu – IO Warszawa 2040”
Jest uznanym ekspertem w dziedzinie zdrowego stylu życia i aktywności fizycznej. Poprzez swoją fundację prowadzi szkolenia lekkoatletyczne dla młodych talentów oraz rozwija klub RK Athletics, który kształci zawodników i popularyzuje chód sportowy oraz bieganie. Korzeniowski należy do grona najbardziej utytułowanych polskich lekkoatletów w historii. Specjalizując się w chodzie sportowym, zdobył cztery złote medale olimpijskie: w Atlancie (1996, 50 km), w Sydney (2000, 20 km i 50 km) oraz w Atenach (2004, 50 km). Trzykrotnie stawał również na najwyższym podium mistrzostw świata, a dwukrotnie sięgał po tytuł mistrza Europy, imponując niezwykłą umiejętnością strategicznego planowania i stosując innowacyjne metody przygotowań. Po zakończeniu kariery sportowej rozwija działalność menedżerską, medialną i społeczną. Jako trener i mentor wspiera kolejne pokolenia sportowców, łącząc doświadczenie mistrza z pasją do biznesu, komunikacji i rozwoju osobistego.
dr hab. n. o zdr. Grzegorz Juszczyk – Doradca Zarządu Grupy LUX MED, wykładowca Wyższej Szkoły Nauk Medycznych
Specjalista zdrowia publicznego. Od 2003 roku jest pracownikiem naukowym w Zakładzie Zdrowia Publicznego Warszawskiego Uniwersytetu Medycznego. Od 2004 roku aktywnie współpracuje z pracodawcami w zakresie planowania i wdrażania działań prozdrowotnych w miejscu pracy. Reprezentował polskich pracodawców w Komitecie Doradczym Komisji Europejskiej ds. Zdrowia i Bezpieczeństwa w Miejscu Pracy. W latach 2017 -2022 pełnił funkcję dyrektora Narodowego Instytutu Zdrowia Publicznego PZH – Państwowego Instytutu Badawczego, którego misją jest kształtowanie i wspieranie systemu zdrowia publicznego w Polsce. Instytut prowadził aktywne działania przeciwepidemiczne w ramach działań zespołów kryzysowych powoływanych w okresie pandemii COVID-19 oraz koordynacji zabezpieczenia potrzeb zdrowotnych uchodźców wojennych z Ukrainy w 2022 roku. Jest autorem i współautorem 77 prac naukowych. Od 2020 roku jest członkiem Komitetu Zdrowia Publicznego Polskiej Akademii Nauk. W swoim dotychczasowym dorobku naukowym koncentrował się na ocenie stanu zdrowia i działaniach profilaktycznych kierowanych do osób w wieku produkcyjnym oraz skutecznych metodach niwelowania skutków pandemii COVID-19.
dr n. biol. Magdalena Kaliszewska – Koordynatorka ds. rozwoju badań genetycznych w LUX MED, biolog molekularny, specjalistka w zakresie genetyki człowieka oraz diagnostyki chorób genetycznych
Doktor nauk biologicznych, biolog molekularny i specjalistka w zakresie genetyki człowieka oraz diagnostyki chorób genetycznych. Posiada prawo wykonywania zawodu diagnosty laboratoryjnego i bogate doświadczenie w analizie danych pochodzących z sekwencjonowania nowej generacji (NGS). Przez ponad 15 lat była związana z Instytutem Genetyki i Biotechnologii Uniwersytetu Warszawskiego, gdzie prowadziła działalność naukową i dydaktyczną. Współpracowała także z Instytutem Matki i Dziecka w Warszawie, gdzie zajmowała się diagnostyką chorób uwarunkowanych genetycznie. Doświadczenie zawodowe poszerzała podczas staży zagranicznych, m.in. na Loyola University of Chicago. Jest autorką i współautorką publikacji naukowych oraz wystąpień konferencyjnych z zakresu genetyki i diagnostyki molekularnej. Obecnie pracuje w LUX MED jako Koordynatorka rozwoju badań genetycznych, gdzie odpowiada za rozwój i wdrażanie nowoczesnych metod diagnostyki molekularnej. Jej praca łączy doświadczenie naukowe z praktyką kliniczną, koncentrując się na wykorzystaniu badań genetycznych w medycynie spersonalizowanej.
Prowadząca: Ewa Niewola – Psycholożka i psychoonkolożka, coach ICF, koordynatorka merytoryczna i wykładowczyni studiów podyplomowych „Styl życia i długowieczność w praktyce” Wyższej Szkoły Nauk Medycznych
Psycholożka i psychoonkolożka, coach ICF. Absolwentka międzynarodowego programu Lifestyle and Wellness Coaching, realizowanego przez Harvard Medical School, który rozwija kompetencje w zakresie praktycznych narzędzi opartych na evidence-based lifestyle medicine. Od lat łączy wiedzę naukową z praktyką wspierania ludzi w trwałej zmianie, budowaniu motywacji i zdrowych nawyków. Pasjonuje się żeglarstwem i CrossFitem: to jej osobiste przestrzenie równowagi i siły. Autorka podcastu psychologicznego: „Harmonia – Twoja bezpieczna przystań”, współtworzy również podcast „Droga do długowieczności”. Koordynatorka merytoryczna i wykładowczyni studiów podyplomowych: „Styl życia i długowieczność w praktyce”.
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Klub Festiwalowy
DZIEŃ Z LUX MED: DŁUGOWIECZNOŚĆ. CO JEST ZAPISANE W GENACH, A CO W NASZYCH WYBORACH?
13:30
Klub Festiwalowy
czytaj więcej
Spotkanie poświęcone menopauzie i zdrowiu kobiet, podczas którego porozmawiamy o zmianach zachodzących w okresie menopauzalnym, potrzebie przełamywania tabu oraz budowaniu większej świadomości społecznej. W rozmowie udział wezmą dr n. o zdr. Monika Tomaszewska i Anna Samsel, a poprowadzi ją Anna Augustyn-Protas.
Menopauza to naturalny etap życia, który wciąż bywa otoczony stereotypami i niedopowiedzeniami. Podczas panelu ekspertki porozmawiają o wpływie menopauzy na zdrowie, codzienność i dobrostan kobiet, łącząc perspektywę medyczną z doświadczeniami i sytuacjami, z którymi kobiety mierzą się na różnych etapach tego procesu. Zapraszamy do rozmowy o zmianie, która dotyczy milionów kobiet, a wciąż zbyt rzadko staje się tematem publicznej debaty.
dr n. o zdr. Monika Tomaszewska – Dyrektorka Departamentu Zarządzania Klinicznego i Projektów Medycznych Grupy LUX MED, Dyrektorka Instytutu Pielęgniarstwa Wyższej Szkoły Nauk Medycznych
Pielęgniarka, absolwentka Uniwersytetu Medycznego w Białymstoku oraz Warszawskiego Uniwersytetu Medycznego, gdzie uzyskała tytuł doktora nauk o zdrowiu. Ukończyła specjalizację w dziedzinie pielęgniarstwa internistycznego, a następnie epidemiologicznego. Absolwentka studiów MBA w ochronie zdrowia Akademii Ekonomiczno-Humanistycznej w Warszawie. Od 15 lat zarządza obszarem pielęgniarstwa i położnictwa w Grupie LUX MED (opieka ambulatoryjna i szpitalna), czynnie pracuje zawodowo. Od ponad 20 lat współpracuje z uczelniami medycznymi kształcącymi na kierunkach pielęgniarstwo w roli nauczyciela akademickiego, w tym promotora prac magisterskich oraz promotora pomocniczego prac doktorskich. Od początku związana z kierunkiem pielęgniarstwo w WSNM.
Anna Samsel – psycholożka i trenerka grupowa, w Kulczyk Foundation prowadzi projekt „Menopauza bez tabu” , którego celem jest budowanie świadomości dotyczącej menopauzy oraz wprowadzanie rozwiązań wspierających kobiety w okresie transformacji menopauzalnej.
Prowadząca: Anna Augustyn-Protas – ekspertka magazynu Zwierciadło
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Klub Festiwalowy
DZIEŃ Z LUX MED: MENOPAUZA – CZYM JEST TA ZMIANA? POMIĘDZY OSOBISTYM DOŚWIADCZENIEM A SPOŁECZNĄ NARRACJĄ
15:00
Klub Festiwalowy
czytaj więcej
Dystans to polska premiera koprodukcji Malta Festival i jedyny pokaz spektaklu w Polsce. Najnowsza sztuka Tiago Rodriguesa – jednego z najważniejszych współczesnych twórców teatralnych, od 2022 roku dyrektora artystycznego Festival d’Avignon – po prezentacjach m.in. w Madrycie, Barcelonie, Mediolanie, Atenach i Santiago de Chile zostanie pokazana w Poznaniu w ramach 36. edycji festiwalu.
Spektakl opowiada intymną historię więzi ojca i córki, osadzoną w realiach niepokojąco bliskiej przyszłości. Akcja rozgrywa się w 2077 roku. W obliczu katastrofy klimatycznej bohaterowie żyją na dwóch planetach – Ziemi i Marsie. Rodrigues buduje precyzyjnie skomponowane przedstawienie o miłości, odpowiedzialności i międzypokoleniowym konflikcie w świecie, który przestaje być wspólny.
Dystans Tiago Rodriguesa rozgrywa się w roku 2077, w świecie coraz silniej naznaczonym kryzysem klimatycznym. Ludzkość funkcjonuje już na dwóch planetach – Ziemi i Marsie – a ojciec i córka żyją w odrębnych rzeczywistościach, oddzieleni nie tylko ogromną przestrzenią, lecz także różnymi wizjami przyszłości. Spektakl opowiada intymną historię relacji w świecie, który przestaje być wspólny.
Tiago Rodrigues – jeden z najważniejszych współczesnych twórców teatralnych i dyrektor artystyczny Festival d’Avignon – buduje precyzyjnie skomponowaną opowieść o miłości, odpowiedzialności i międzypokoleniowym napięciu. Dystans dotyka tematów emancypacji, samodzielności i niewypowiedzianych deklaracji, stawiając pytanie o to, jak bardzo przyszłe pokolenia będą jeszcze w stanie się porozumieć z tymi, które je poprzedziły.
Minimalistyczna forma spektaklu opiera się na obrotowej scenie podzielonej na dwie przestrzenie, symbolicznie odpowiadające Ziemi i Marsowi, oraz na ścisłej relacji między tekstem, ruchem, światłem i dźwiękiem. Zmienny rytm przedstawienia podkreśla napięcie między tym, co intymne i bliskie, a tym, co stopniowo się oddala, budując medytacyjny ton całości.
Dystans jest opowieścią o relacji ojca i córki, ale także o odpowiedzialności za przyszłość w świecie dotkniętym kryzysem środowiskowym. Prezentacja spektaklu w Poznaniu będzie polską premierą koprodukcji Malta Festival i jedynym polskim przystankiem na międzynarodowej trasie przedstawienia.
BIOGRAMY
Tiago Rodrigues
Portugalski aktor, reżyser i dramatopisarz, jedna z najważniejszych postaci współczesnego teatru europejskiego, od 2022 roku dyrektor Festival d’Avignon. Współzałożyciel zespołu Mundo Perfeito, z którym realizował projekty wystawiane w instytucjach teatralnych na całym świecie. W latach 2015–2021 był dyrektorem Teatro Nacional D. Maria II w Lizbonie. Jego twórczość łączy intymne opowieści z wyraźnym zaangażowaniem społecznym oraz silny nacisk na relację aktora z widownią. Swoje spektakle prezentował na najważniejszych scenach europejskich, m.in. w ramach Holland Festival, Wiener Festwochen czy Edinburgh International Festival. Realizował premiery na zaproszenie m.in. Comédie-Française, Comédie de Genève i NTGent. Wśród jego najbardziej rozpoznawalnych na świecie tytułów znajdziemy autorskie By Heart (Na pamięć), Sopro, Catarina and the Beauty of Killing Fascists, No Yogurt for the Dead oraz prezentowany na Malta Festival Dystans, a także rewizje klasyków jak Antoniusz i Kleopatra czy Wiśniowy sad.
Adama Diop
Aktor i reżyser urodzony w Dakarze w Senegalu. W 2002 roku przeniósł się do Francji, gdzie studiował w Conservatoire national d’art dramatique w Montpellier, a następnie w Conservatoire national supérieur d’arts dramatiques w Paryżu. Współpracował z wieloma uznanymi reżyserami teatralnymi, m.in. Bernardem Sobelem, Julienem Gosselinem, Stéphane’em Braunschweigiem, Arthurem Nauzycielem, Frankiem Castorfem oraz Jean-François Sivadierem. Występował na najważniejszych scenach europejskich, w tym na Festival d’Avignon, gdzie zagrał w Wiśniowym sadzie w reżyserii Tiago Rodriguesa, prezentowanym w Cour d’honneur. Obok pracy aktorskiej zajmuje się również reżyserią, a także regularnie występuje w filmach i słuchowiskach radiowych. Angażuje się ponadto w działalność edukacyjną, współtworząc projekty szkoleniowe i teatralne w Senegalu.
Alison Dechamps
Aktorka, absolwentka Conservatoire d’Art Dramatique w Nantes. W 2021 roku dołączyła do zespołu Théâtre National de Bretagne. Występowała m.in. w spektaklach La Tour de Constance w reżyserii Guillaume’a Vincenta oraz Dreamers II Pascala Ramberta.
Dofinansowano ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego pochodzących z Funduszu Promocji Kultury – państwowego funduszu celowego.
Możliwość zakupu biletu OzN uprawniającego do wstępu na wydarzenie wraz z osobą towarzyszącą
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Aula Artis
DYSTANS
17:00
/ Teatr
Aula Artis
czytaj więcej
Samanta Schweblin – jedna z najważniejszych współczesnych autorek literatury iberoamerykańskiej – przyjedzie do Poznania w ramach cyklu Głosy Kobiet. Argentyńska pisarka, mistrzyni krótkiej formy i autorka prozy wymykającej się prostym klasyfikacjom, opowie o swoim najnowszym zbiorze Dobre i złe, który ukaże się w Polsce w czerwcu nakładem Wydawnictwa Pauza.
To literatura, która działa subtelnie, ale zostaje na długo – budując napięcie nie przez to, co widoczne, lecz przez to, co niepokojąco przesunięte i niewypowiedziane.
Samanta Schweblin od lat należy do najważniejszych głosów współczesnej literatury światowej. Urodziła się w Buenos Aires, mieszka w Berlinie, a jej książki zostały przetłumaczone na ponad czterdzieści języków.
Międzynarodowe uznanie przyniosły jej zarówno powieści, jak i opowiadania – forma, z którą jest szczególnie kojarzona. Schweblin buduje swoje historie na drobnych przesunięciach rzeczywistości: pozornie zwyczajne sytuacje stopniowo zaczynają wymykać się logice, a napięcie rodzi się z tego, co pozostaje niedopowiedziane. Jej proza balansuje pomiędzy realizmem, absurdem i subtelnym niepokojem, konsekwentnie unikając jednoznacznych interpretacji.
Autorka była wielokrotnie nominowana do najważniejszych nagród literackich, w tym International Booker Prize i National Book Award. Niedawno otrzymała również Nagrodę AENA de Narrativa – jedno z najważniejszych wyróżnień dla literatury iberoamerykańskiej.
Spotkanie wokół książki Dobre i złe zamknie tegoroczny program Głosy Kobiet. Obecność Schweblin domknie cykl w sposób znaczący – pokazując literaturę, która nie potrzebuje efektowności, by zostawić po sobie trwały ślad.
22.06 – Anna Jadowska
23.06 – Book Rave wokół Bilansu snów Chimamandy Ngozi Adichie
24.06 – Tara K. Menon
25.06 – Samanta Schweblin
Partnerami medialnymi cyklu „Głosy Kobiet” są Trójka Polskie Radio i Magazyn Pismo.
Cykl „Głosy Kobiet” powstaje we współpracy z naturalną wodą mineralną Muszyna Skarb Życia.
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Klub Festiwalowy
GŁOSY KOBIET: SAMANTA SCHWEBLIN
17:30
/ Literatura
Klub Festiwalowy
czytaj więcej
Po spektaklu „Dystans” planowana jest rozmowa stanowiąca jego naturalne przedłużenie – próbę przeniesienia scenicznego doświadczenia w przestrzeń refleksji.
Spotkanie będzie skupione wokół dojrzałości, szczególnie w kontekście rodzicielstwa oraz doświadczeń mężczyzny na późniejszym etapie życia. To temat, który w przestrzeni publicznej wciąż pojawia się stosunkowo rzadko, a okazji do zatrzymania się nad doświadczeniem męskości, ojcostwa i ich przemianami nadal jest niewiele. Jak naturalne procesy zachodzące w ciele i psychice wpływają na relację z samym sobą i z najbliższymi – zwłaszcza z dorosłymi już dziećmi? Czy zawsze wiążą się z napięciem? A może otwierają przestrzeń dla przewartościowań i nowych perspektyw?
Będziemy wsłuchiwać się w to, co te doświadczenia mogą wnosić do życia – jakie zmiany uruchamiają zarówno w codzienności, w sposobie dbania o zdrowie i własne potrzeby, jak i w myśleniu o sobie, swoich rolach oraz relacji ze światem. Rozmowa dotknie również tego, jak upływ czasu wpływa na codzienne wybory, priorytety oraz sposób przeżywania własnej obecności – w relacjach i rzeczywistości.
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Aula Artis
MIĘDZY BLISKOŚCIĄ A DYSTANSEM. ROZMOWA O MĘSKIEJ DOJRZAŁOŚCI I RELACJACH Z DZIEĆMI
19:00
Aula Artis
czytaj więcej
MARO wystąpi 25 czerwca na Malta Festival. Portugalska artystka – multiinstrumentalistka, kompozytorka i producentka – należy do nowego pokolenia twórczyń działających na globalnej scenie, budując międzynarodową publiczność i współpracując z artystami z całego świata.
Jej muzyka jest oszczędna w środkach, ale intensywna emocjonalnie. Łącząc elementy popu, folku i alternatywy, tworzy kameralne kompozycje, które rozwijają się w skupieniu i zostają z słuchaczem na długo po ostatniej nucie.
MARO to portugalska multiinstrumentalistka, autorka piosenek i producentka pochodząca z Lizbony. Po ukończeniu Berklee College of Music w Bostonie zadebiutowała w 2018 roku, wydając pięć albumów i EP-kę. Wkrótce dołączyła do zespołu Jacoba Colliera podczas jego trasy DJESSE World Tour. W tym czasie występowała jako support m.in. dla Jessie J, Gipsy Kings, Charlotte Cardin i The Paper Kites.
W 2020 roku stworzyła projekt ITSAME, MARO! – serię 100 odcinków nagranych we współpracy z artystami z całego świata, wśród których znaleźli się m.in. Eric Clapton, Pablo Alborán, Lizzy McAlpine, Ivan Lins, Vitor Kley, ANAVITÓRIA, Sílvia Pérez Cruz, Maria Gadú, Mayra Andrade, Rui Veloso i Lennon Stella.
MARO wygrała portugalskie eliminacje Festival da Canção i reprezentowała Portugalię podczas Eurowizji w 2022 roku, gdzie utwór saudade, saudade znalazł się w pierwszej dziesiątce konkursu. Następnie wydała album can you see me?, łączący wpływy popu, trapu, muzyki świata i folku.
W kwietniu 2023 roku ukazał się album hortelã, nagrany w formacie akustycznego tria z katalońskimi gitarzystami Darío Barroso i Pau Figueresem. W większości śpiewany po portugalsku, album zdobył nagrodę José Afonso dla portugalskiej płyty roku.
Po współpracy przy EP-ce PIRILAMPO, MARO i NASAYA wydali w 2024 roku album LIFELINE, w którym artystka zwróciła się w stronę bardziej elektronicznego brzmienia.
W ciągu ostatnich trzech lat MARO intensywnie koncertowała na całym świecie, grając wyprzedane koncerty zarówno z akustycznym trio, jak i w duecie elektronicznym. Występowała na największych scenach obok takich artystów jak Jacob Collier, Odesza czy Parcels, a także supportowała trasę koncertową Shawna Mendesa.
Zapowiadając nowy album SO MUCH HAS CHANGED – celebrujący jaśniejsze, bardziej energetyczne brzmienie – MARO otwiera nowy rozdział swojej kariery, prezentując w 2026 roku koncerty w pełnym składzie przed publicznością na całym świecie.
Program koncertowy Malta Festival potrwa cztery dni, a każdego dnia na scenie zobaczymy aż trzy koncerty.
25.06 – MARO, Devendra Banhart, Benjamin Clementine
26.06 – HAAi, The Blessed Madonna, The Blaze (DJ-set)
27.06 – Efterklang, Charlie Cunningham, Beirut
28.06 – King No-One, Kacperczyk, Two Door Cinema Club
Bilety w sprzedaży na eBilet.pl
18:00 Drzwi
19:00 MARO
20:30 Devendra Banhart
22:00 Benjamin Clementine
Możliwość zakupu biletu OzN uprawniającego do wstępu na wydarzenie wraz z osobą towarzyszącą
Dostępny sektor – aby skorzystać z dostępnego sektora należy posiadać bilet OzN lub zgłosić potrzebę skorzystania z miejsca siedzącego wysyłając maila na adres: natalia.dabrowska@malta-festival.pl i otrzymać z ww. adresu potwierdzenie rezerwacji miejsca
MARO
19:00
/ Muzyka, Koncert
MTP, “Hala numer 6”
czytaj więcej
Devendra Banhart wystąpi 25 czerwca na Malta Festival. Jeden z najważniejszych twórców nurtów „freak folk” i „New Weird America”, artysta od lat wymyka się klasyfikacjom, łącząc muzykę z praktyką wizualną i poruszając się swobodnie między gatunkami.
Jego twórczość opiera się na połączeniu akustycznych brzmień, psychodelicznych harmonii i autorskiej wrażliwości. Koncerty Banharta mają formę osobistych, nieprzewidywalnych opowieści – balansujących między intymnością a sceniczną ekspresją.
Devendra Banhart (ur. 1980 w Houston w Teksasie) mieszka i pracuje w Los Angeles. Uznawany na całym świecie muzyk, jeden z pionierów nurtów „freak folk” i „New Weird America”, koncertował i współpracował m.in. z Vashti Bunyan, Yoko Ono, Os Mutantes, zespołem Swans, ANOHNI, Caetano Veloso czy Beckiem. Jego działalność muzyczna od zawsze rozwija się równolegle z praktyką w innych dziedzinach sztuk wizualnych.
Banhart pojawił się niemal znikąd w 2002 roku wraz ze swoją pierwszą płytą Oh Me Oh My… The Way the Day Goes By the Sun Is Setting Dogs Are Dreaming Lovesongs of the Christmas Spirit, wydaną przez wytwórnię Young God, prowadzoną przez Michaela Girę z zespołu Swans. Album powstał z domowych nagrań, które Banhart rejestrował podczas swoich podróży po świecie. Urodził się w Houston jako Devendra Obi Banhart, ale dzieciństwo spędził w Caracas w Wenezueli. Jako nastolatek wrócił z rodziną do Stanów Zjednoczonych, gdzie zamieszkał w południowej Kalifornii i szybko zafascynował się kulturą skateboardową.
Muzyka od zawsze była jego pasją, choć odkrywał ją w sposób zarówno intuicyjny, jak i przypadkowy. Dorastając w Caracas, był otoczony dźwiękami salsy, merengue, cumbii i bossa novy – muzyki obecnej wszędzie, na każdej ulicy. W liceum zainteresował się rocksteady, bluebeatem i ska, które poznawał dzięki filmom o skateboardingu. Po ukończeniu szkoły średniej planował karierę w sztukach wizualnych i rozpoczął studia w San Francisco Art Institute, jednak szybko z nich zrezygnował, by w pełni poświęcić się muzyce. Równolegle rozwijał jednak działalność artystyczną – jego charakterystyczne, precyzyjne, często enigmatyczne rysunki były prezentowane w galeriach na całym świecie, m.in. na targach Art Basel w Miami, w San Francisco Museum of Modern Art, Palais des Beaux-Arts w Brukseli czy Museum of Contemporary Art w Los Angeles.
Istotną rolę w kształtowaniu jego tożsamości artystycznej – również wizualnej – odegrało San Francisco. Ekstrawagancki styl ubioru, który przyciągnął uwagę świata mody i przyczynił się do przypisania mu etykiet „freak folk” i „New Weird America”, inspirowany był m.in. subwersywną estetyką i praktykami performatywnymi legendarnej grupy The Cockettes.
Podobnie jak jego dawni współpracownicy wydawniczy, Caetano Veloso czy David Byrne, Banhart czerpie z niezwykle szerokiego spektrum inspiracji – od folku i bluesa po muzykę awangardową. Wskazuje na wpływ Arthura Russella, artysty wymykającego się wszelkim klasyfikacjom, a także przyczynił się do ponownego odkrycia takich twórców jak Vashti Bunyan. Współpracował m.in. z Os Mutantes, Swans, ANOHNI i Beckiem, a także brał udział w projektach artystycznych, takich jak monumentalna instalacja wideo Song 1 Douga Aitkena, prezentowana na fasadzie muzeum Hirshhorn w Waszyngtonie.
Jak sam mówi, jego kariera pozostaje „przygodą i eksploracją”. Przyznaje również: „Nie dbam szczególnie o swój głos, ale – podobnie jak w przypadku gry na gitarze – z czasem coraz lepiej go poznajesz. Zawsze mówiłem, że jestem bardzo dobry w tym, że nie umiem grać na gitarze, ale tak naprawdę chodzi o to, że czuję się dobrze, nie będąc pewnym swojego podejścia.”
Program koncertowy Malta Festival potrwa cztery dni, a każdego dnia na scenie zobaczymy aż trzy koncerty.
25.06 – MARO, Devendra Banhart, Benjamin Clementine
26.06 – HAAi, The Blessed Madonna, The Blaze (DJ-set)
27.06 – Efterklang, Charlie Cunningham, Beirut
28.06 – King No-One, Kacperczyk, Two Door Cinema Club
Bilety w sprzedaży na eBilet.pl
18:00 Drzwi
19:00 MARO
20:30 Devendra Banhart
22:00 Benjamin Clementine
Możliwość zakupu biletu OzN uprawniającego do wstępu na wydarzenie wraz z osobą towarzyszącą
Dostępny sektor – aby skorzystać z dostępnego sektora należy posiadać bilet OzN lub zgłosić potrzebę skorzystania z miejsca siedzącego wysyłając maila na adres: natalia.dabrowska@malta-festival.pl i otrzymać z ww. adresu potwierdzenie rezerwacji miejsca
DEVENDRA BANHART
20:30
/ Muzyka, Koncert
MTP, “Hala numer 6”
czytaj więcej
DOWN to plenerowy duet tancerki i perkusisty autorstwa szwajcarskiej choreografki Mélissy Guex. Spektakl, który zobaczymy na schodach na Placu Wolności, w sercu festiwalu, rozgrywa się wśród publiczności, łącząc ruch i muzykę na żywo w intensywne, fizyczne doświadczenie oparte na rytmie i energii. Daj się ponieść!
DOWN Mélissy Guex to duet tancerki i perkusisty, w którym ruch i dźwięk pozostają w ścisłej, dynamicznej relacji. Choreografia rozwija się w bezpośrednim kontakcie z rytmem wykonywanej na żywo muzyki, budując napięcie i stopniowo zmieniając sposób, w jaki odbierana jest przestrzeń i obecność innych.
Spektakl rozgrywa się wśród publiczności, bez wyraźnego podziału na scenę i widownię. Ruch i rytm działają tu bezpośrednio na ciało – wpływają na tempo, skupienie i sposób reagowania, przesuwając uwagę z obserwacji na doświadczenie.
Punktem wyjścia jest stan „down” – moment po intensywności, w którym ciało traci równowagę, a percepcja ulega zmianie. Zamiast go przezwyciężać, spektakl zatrzymuje się w nim i rozwija go jako wspólną przestrzeń działania. W tym procesie choreografia pozostaje otwarta: reaguje na miejsce, sytuację i obecność widzów, za każdym razem układając się inaczej.
DOWN funkcjonuje jako forma pomiędzy spektaklem a wydarzeniem – oparta na powtarzalności, energii i bezpośrednim oddziaływaniu, które nie zamyka się w jednej interpretacji, lecz rozgrywa się w relacji z tym, co dzieje się tu i teraz.
Dofinansowano ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego pochodzących z Funduszu Promocji Kultury.
Dofinansowano ze środków budżetowych Miasta Poznania. #poznanwspiera
Projekt realizowany dzięki wsparciu Pro Helvetia.
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Plac Wolności
DOWN. SINGLE VERSION
21:00
/ Plener
Plac Wolności
czytaj więcej
Kino kobiet to cykl pokazów filmowych i spotkań, podczas których kino staje się punktem wyjścia do rozmowy o relacjach, emocjach i doświadczeniach współczesnego świata.
Przepiękne! splata losy kobiet znajdujących się na różnych etapach życia i mierzących się z miłością, macierzyństwem, ambicjami, przemijaniem oraz potrzebą bliskości. To wielogłosowa opowieść o codziennych wyborach, marzeniach i poszukiwaniu własnej drogi do szczęścia.
Po seansie odbędzie się spotkanie z aktorkami Martą Nieradkiewicz i Katarzyną Herman oraz reżyserką Katią Priwieziencew.
Magda (Marta Nieradkiewicz) próbuje pogodzić wychowanie dwójki małych dzieci z prowadzeniem domu, a jednocześnie pragnie wrócić do pracy i realizować swoje zawodowe ambicje. Basia (Marta Ścisłowicz), skryta za murem nieufności, za wszelką cenę, unika miłości, choć bardzo jej pragnie. Krysia (Hanna Śleszyńska), po trzydziestu latach małżeństwa, chce czerpać z życia pełnymi garściami, nawet jeśli jej mąż nie podziela jej entuzjazmu. Agata (Katarzyna Herman), odnosząca sukcesy bizneswoman, nie potrafi odnaleźć nici porozumienia z nastoletnią córką. Julia (Urzędowska) jest gotowa poświęcić wszystko, by przedłużyć swoją karierę w branży, która ceni tylko młodość i urodę. A mała Tosia (Róża Szmidt)? Ona po prostu szuka odpowiedzi na wielkie pytania, które stawia przed nią życie.
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Park Starego Browaru
KINO KOBIET: PRZEPIĘKNE!
21:30
/ Film, Panel
Park Starego Browaru
czytaj więcej
Chwalony przez krytyków i uwielbiany przez słuchaczy Benjamin Clementine, laureat cenionej Mercury Prize, Benjamin Clementine, to artysta, którego nie sposób zaszufladkować. Jego twórczość łączy elementy barokowego popu, muzyki klasycznej, soulu oraz muzyki eksperymentalnej. Eklektyczne podejście sprawia, że trudno jednoznacznie go przypisać do konkretnego gatunku – czerpie z wielu stylów i wpływów, tworząc muzykę głęboko osobistą i od razu rozpoznawalną. Jego twórczość jest głęboko liryczna, z tekstami, które często zawierają filozoficzne refleksje i surrealistyczne obrazy. Clementine jest poetą – autorem swoich utworów, co dodaje dodatkowej głębi jego muzyce. W swojej twórczości porusza tematy osobiste, egzystencjalne oraz związane z tożsamością, miłością i stratą. Jego barytonowy głos jest potężny i przejmujący, ale też kojący i szczery. To właśnie ta wyjątkowa mieszanka formy i treści sprawia, że Clementine pozostaje jednym z najbardziej intrygujących głosów współczesnej muzyki.
Koncerty Clementine’a są często porównywane do pełnych emocji występów Niny Simone, ale artysta od dawna tworzy własny, niepowtarzalny język sceniczny. Buduje intymną atmosferę bliskiego spotkania z widzem, wprowadzając elementy teatralne, balansuje na granicy koncertu i performansu. Clementine śpiewając, zmienia rytm, tempo oraz tonacje, nierzadko przeplata swoje kompozycje wymowną ciszą. Przejmujące, muzyczne spotkanie z Clementinem na żywo zapada głęboko w pamięć każdemu, kto miał okazję choć raz uczestniczyć w jego show. W Poznaniu wystąpił ostatnio w 2017 roku, w Polsce pamięta go nawet publiczność Gali Fryderyków, gdzie wystąpił z utworem London.
Clementine urodził się w Edmonton, na przedmieściach północnego Londynu, w surowym, chrześcijańskim domu ghańskich imigrantów. Zbudował swoją drogę z osobistych doświadczeń – jako nastolatek trafił na ulice Paryża, gdzie grywał w metrze, grając covery Jamesa Browna i, właśnie, Niny Simone. To tam został dostrzeżony, i rozpoczął profesjonalną karierę. Jego przełomowy album At Least for Now (2015) zdobył dużą popularność, zapewnił mu uznanie krytyków i otworzył drogę na najważniejsze sceny świata. Publiczność na całym świecie czeka właśnie na premierę nadchodzącego albumu Sir Introvert and the Featherweights. Utworów z nowej płyt spodziewamy się na koncercie w Poznaniu.
Program koncertowy Malta Festival potrwa cztery dni, a każdego dnia na scenie zobaczymy aż trzy koncerty.
25.06 – MARO, Devendra Banhart, Benjamin Clementine
26.06 – HAAi, The Blessed Madonna, The Blaze (DJ-set)
27.06 – Efterklang, Charlie Cunningham, Beirut
28.06 – King No-One, Kacperczyk, Two Door Cinema Club
Bilety w sprzedaży na eBilet.pl
18:00 Drzwi
19:00 MARO
20:30 Devendra Banhart
22:00 Benjamin Clementine
Możliwość zakupu biletu OzN uprawniającego do wstępu na wydarzenie wraz z osobą towarzyszącą
Dostępny sektor – aby skorzystać z dostępnego sektora należy posiadać bilet OzN lub zgłosić potrzebę skorzystania z miejsca siedzącego wysyłając maila na adres: natalia.dabrowska@malta-festival.pl i otrzymać z ww. adresu potwierdzenie rezerwacji miejsca
BENJAMIN CLEMENTINE
22:00
/ Muzyka, Koncert
MTP, “Hala numer 6”
czytaj więcej
26.06/piątek
Wasi ulubieńcy znów zagrają na ulicach i placach Poznania!
Legendarny sygnał Malta Festival, autorstwa Jerzego Satanowskiego, dźwiękiem trąbki wyznaczył dominantę muzyczną Festiwalu, poruszającą ulice. W czerwcu włoska orkiestra uliczna BANDAKADABRA po raz kolejny będą zaskakiwać mieszkańców i mieszkanki w niecodziennych miejskich przestrzeniach – zapraszając do zabawy i do tańca w różnych lokalizacjach Poznania.
Bandakadarba
Carlo Petrini, dziennikarz i założyciel ruchu Slow Food, nazwał ich „miejską fanfarą” – trafne określenie dla zespołu, który uczynił miasto swoim naturalnym tłem, a ulicę nie tylko sceną występów, ale też źródłem inspiracji. Dęciaki i perkusje – to ich język.
Potężna, marszowa energia, która z rozmachem opanowuje każdy styl muzyczny, niosąc ze sobą falę żywiołowości i dobrej zabawy.
Powstała w Turynie Bandakadabra prowadzi intensywną działalność koncertową, która zaprowadziła ją na sceny całej Europy i przyniosła rosnące zainteresowanie fanów.
Od Paleo Festival po Suoni delle Dolomiti, przez Jazz sous les pommiers, Premio Tenco, Festival della Mente czy Musiculturę – w zaledwie kilka lat zagrali ponad czterysta koncertów: na festiwalach teatralnych i muzycznych, w przestrzeni ulicznej i na prywatnych wydarzeniach, zdobywając reputację zespołu jedynego w swoim rodzaju.
Dofinansowano ze środków budżetowych Miasta Poznania. #poznanwspiera
ZA MIŁOŚĆ! ❤️
Wydarzenie bez słów
Wydarzenie odbywa się na otwartej przestrzeni; występują naturalne odgłosy miasta
Wydarzenie częściowo odbywa się w ruchu
Z uwagi na brak statycznej widowni nie jesteśmy w stanie przedstawić wszystkich możliwych do wystąpienia barier architektonicznych
MUZYKA NA ULICACH: BANDAKADABRA
/ Muzyka, Plener
Poznań
czytaj więcej
Poranki Malta Festival ponownie rozpoczną się od jogi. W dniach koncertów na Scenie Muzycznej Malty zapraszamy na wspólną praktykę inspirowaną rytmem festiwalu i muzyką artystów występujących na Międzynarodowych Targach Poznańskich.
To moment na złapanie oddechu, rozciągnięcie ciała i spokojne wejście w dzień przed wieczornymi koncertami. Zajęcia są otwarte dla wszystkich – niezależnie od doświadczenia i poziomu zaawansowania.
Festiwalowa joga będzie oparta na łagodnej praktyce hatha jogi, skupionej na oddechu, równowadze i uważnym ruchu. Tempo zajęć pozostanie spokojne, a kolejne pozycje będą prowadzić raczej do rozluźnienia i regeneracji niż intensywnego wysiłku.
Tegoroczna edycja połączy praktykę z muzyką artystów występujących tego samego dnia na Scenie Muzycznej Malta Festival, tworząc poranne doświadczenie inspirowane atmosferą festiwalu i rytmem koncertowych dni.
Każde spotkanie będzie skupione na innym obszarze pracy z ciałem:
– 25 czerwca – praktyka dla każdego skoncentrowana na obszarze bioder
– 26 czerwca – praktyka dla każdego skupiona na otwarciu klatki piersiowej i wzmocnieniu pleców
– 27 czerwca – praktyka dla każdego skupiona na rozciągnięciu tylnej taśmy ciała
– 28 czerwca – praktyka dla każdego nastawiona na rozluźnienie po całym tygodniu festiwalowania
Zajęcia skierowane są zarówno do osób praktykujących jogę regularnie, jak i tych, które chcą spróbować jej po raz pierwszy. Wystarczy wygodny strój, mata i chwila czasu dla siebie.
Partnerem wydarzenia jest Kuchnia Vikinga. Po każdych zajęciach dostępna będzie także strefa regeneracji z przekąskami i koktajlami, które pozwolą odzyskać energię po treningu.
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie: Klub Festiwalowy
JOGA NA TARASIE
10:00
/ Inne
Klub Festiwalowy
czytaj więcej
Projekt Ewy Kuleszy koncentruje się na subtelnych śladach dziecięcych doświadczeń – wspomnieniach, które znikają pod powierzchnią świadomości, ale nadal wpływają na ciało i sposób odczuwania świata. Interaktywna instalacja zaprasza do doświadczenia poprzez dotyk, obecność i pozostawianie śladów, uruchamiając proces osobistej refleksji.
Wystawa staje się spotkaniem z tym, co ukryte, a jednocześnie fundamentalne dla naszego wewnętrznego świata. Kulesza – artystka, fotografka i wykładowczyni Uniwersytetu Artystycznego w Poznaniu – od lat tworzy projekty związane z pamięcią, ciałem i doświadczeniem wizualnym.
Projekt prezentowany jest przez Galerię Sztuki Czas Kobiet – przestrzeń wspierającą współczesne artystki i działania podejmujące tematy wspólnotowości, kobiecości oraz społecznej i kulturowej sprawczości.
Projekt koncentruje się na subtelnych sygnałach dotyczących dziecięcych doświadczeń. Zdarzenia wczesnych lat osuwają się w głąb podświadomości. Choć giną w procesie sedymentacji wspomnień, pozostają aktywne — nieustannie oddziałują na nasze ciało i sposób odczuwania świata.
Instalacja ma charakter interaktywny. Zbudowana z materiałów ulotnych i zmiennych, zaprasza do doświadczenia poprzez dotyk, pozostawienia śladu, do bycia tu i teraz. Gest odcisku palców staje się zarówno fizycznym działaniem, jak i metaforą — uruchamiając proces refleksji i zanurzenia we własną historię.
Wystawa Ewy Kuleszy to spotkanie z tym, co ukryte a jednocześnie fundamentalne dla naszego wewnętrznego świata.
Ewa Kulesza, ur. 1977 w Poznaniu.
W latach 1997 – 2003 studiowała Realizację Obrazu Filmowego, Telewizyjnego, Fotografię Oraz równolegle Rzeźbę na Akademii Sztuk Pięknych w Poznaniu. Obroniła dyplomy z
Rysunku i Rzeźby u prof. Macieja Szańkowskiego i prof. Jarosława Kozłowskiego oraz z Fotografii u dr hab. Krzysztofa J. Baranowskiego. Stypendystka Ministerstwa Kultury i Sztuki (1997). Otrzymała stypendium twórcze Miasta Poznania (2004). Została zaproszona na rezydencję artystyczną w Bern w Szwajcarii (2000) oraz w Nordic Kunst Dale w Norwegii (2007). W 2021 r. została wybrana do Secondary Archive – platformy badawczej i bazodanowej dotyczącej artystek Europy Centralnej i Wschodniej po II wojnie światowej stworzonej przez Katarzyna Kozyra Foundation, Zachęta Narodowa Galeria Sztuki, East Topics, Bjornson, Meetfactory.
Od 2004 r. pracuje na Uniwersytecie Artystycznym w Poznaniu. W 2009 roku obroniła doktorat w dziedzinie sztuki piękne a w 2019 r. roku uzyskała stopień doktora habilitowanego. Od 2018 r. jest członkinią Rady Naukowej. Od 2024 r. członkinią Senatu Uczelni oraz Rady Programowej Wydziału Malarstwa i Rysunku. W latach 2023 – 2025 pełniła funkcję Koordynatorki Study in English w zakresie Sztuki i Teorii. W latach 2011-2014 współtworzyła projekt TERAZ RYSUNEK w ramach którego odbyły się 34 wykłady wybitnych postaci ze świata sztuki polskiej. Od 2022 r. wspólnie z dr hab. Dianą Fiedler Prowadzi Pracownię Praktyk i Badań Artystycznych w Uniwersytecie Artystycznym w Poznaniu.
Galeria Sztuki Czas Kobiet realizuje misję wspierania, promowania i upowszechniania twórczości współczesnych artystek różnych pokoleń. Naszym celem jest tworzenie przestrzeni, w której kobiety aktywne artystycznie mogą swobodnie rozwijać swoje praktyki twórcze, prezentować nowe projekty oraz budować sieci współdziałania i solidarności.
Galeria koncentruje się na sztuce podejmującej kluczowe dla współczesności zagadnienia: kobiecości i jej kulturowych reprezentacji, wspólnotowości i siostrzeństwa, praw kobiet, przeciwdziałania przemocy, redefinicji ról społecznych oraz poszukiwania języka sprawczości. Wspieramy artystki, które badają miejsce kobiet w historii sztuki i podejmują refleksję nad redefinicją kanonu, a także te, które reagują na aktualne problemy społeczno-kulturowe.
Od kilku lat Galeria zapewnia żyjącym artystkom profesjonalną, otwartą i bezpieczną przestrzeń do prezentacji projektów realizowanych w szerokim spektrum mediów — od malarstwa, rysunku i rzeźby, przez fotografię i instalacje multimedialne, po działania performatywne. Wystawiamy zarówno projekty indywidualne, jak i grupowe, podkreślając znaczenie dialogu, wymiany perspektyw oraz potencjału wspólnototwórczego, który niesie sztuka.
CHRONIONE CZĘSTOTLIWOŚCI (WYSTAWA)
10:00
/ Wydarzenia towarzyszące
Galeria Sztuki Czas Kobiet
czytaj więcej
Na wystawie zostaną zaprezentowane przykłady procesów ideowych i projektowych w postaci rysunków, analiz i modeli przestrzennych, prowadzących do powstania spektakli teatralnych prezentowanych, między innymi, w ramach Festiwalu „Malta”. Niektóre z wymienionych materiałów są częścią historii tego wydarzenia a dodatkowym uzupełnieniem są materiały fotograficzne ze spektakli. Prezentowane w postaci reprodukcji prace rysunkowe są w oryginale własnością Muzeum Śląskiego w Katowicach.
Część druga wystawy zaprezentuje cykle rysunkowe będące rodzajem „spektaklu potencjalnego” (in potentia) bez stanu realizacji. Ten rysunkowy materiał odnosi się częściowo do profetycznego dzieła literackiego Janusza Andrzeja Zajdla pt ”Limes Inferior” z 1979 roku będącego formą fantastyki socjologicznej osadzoną w przestrzeniach dystopijnego miasta Argoland. Pozostałe cykle rysunkowe są samodzielnymi autonomicznymi bytami rysunkowymi wynikającymi z wewnętrznej intuicji przestrzennej i formalnej autora.
Bohdan Cieślak – architekt wnętrz, scenograf, rysownik i malarz. Autor ponad 30stu scenografii teatralnych realizowanych na ważnych polskich scenach teatru dramatycznego, tańca i animacji. Współpraca z takimi twórcami jak Lech Raczak (wieloletni dyrektor artystyczny Międzynarodowego Festiwalu „Malta” w Poznaniu) czy Ewa Wycichowska (dyrektorka Polskiego Teatru Tańca w Poznaniu) Jego prace scenograficzne w postaci rysunków, projektów i makiet scenograficznych w liczbie kilkuset obiektów są częścią zbiorów Muzeum Śląskiego w Katowicach (Centrum Scenografii Polskiej) i były eksponowane podczas indywidualnych wystaw autora w Muzeum Śląskim oraz w Muzeum Narodowym w Poznaniu. Brał on również udział w wystawie zbiorowej pt „Wirtuozi wyobraźni. Rysunki przestrzeni i postaci artystów współczesnych ze zbiorów Muzeum Śląskiego” obok takich twórców jak Tadeusz Kantor, Jerzy Skarżyński, Jerzy Gurawski, Jan Berdyszak, Janusz Wiśniewski czy Jadwiga Mydlarska – Kowal.
PRZESTRZENIE SPEKTAKLU
10:00
Centrum Festiwalowe. Galeria Nowa Scena UAP
czytaj więcej
Stary Rynek jako scena opery? Oczywiście! Opera na chwilę to plenerowy projekt autorstwa Dirka Opstaele, z którym słoweński Bunker przenosi operę w przestrzeń miasta. Spektakl rozgrywa się wśród codziennych sytuacji, w których nagle pojawia się śpiew i muzyka, zmieniając znane miejsca w scenę.
Opera na chwilę rozwija się w przestrzeni miejskiej jako seria krótkich, nieoczekiwanych zdarzeń. Punktem wyjścia są sytuacje codzienne – przejście przez rynek, rozmowa, praca – które stopniowo zaczynają przechodzić w formę operową. Głos pojawia się tam, gdzie nie jest oczekiwany, a zwykłe gesty zyskują inny ciężar i znaczenie.
Spektakl nie wyznacza wyraźnej granicy między sceną a widownią. Przestrzeń miasta staje się miejscem działania, a osoby znajdujące się w jej obrębie – uczestnikami wydarzenia, niezależnie od tego, czy są świadome jego struktury.
Forma opiera się na prostym mechanizmie: przekształceniu codzienności poprzez muzykę i obecność performera. To, co znane i powtarzalne, zostaje na chwilę przesunięte – z rzeczywistości w stronę fikcji, z obserwacji w stronę doświadczenia.
Opera na chwilę działa jako interwencja w przestrzeni publicznej – krótkotrwała, ale wyraźna. Zostawia po sobie zmianę w sposobie patrzenia na miejsce i sytuację, która jeszcze przed chwilą wydawała się zwyczajna.Dofinansowano ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego pochodzących z Funduszu Promocji Kultury.
Dofinansowano ze środków budżetowych Miasta Poznania. #poznanwspiera
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie: Stary Rynek
OPERA NA CHWILĘ
12:15
/ Plener
Stary Rynek w Poznaniu
czytaj więcej
Panel z udziałem profesora oświaty Ryszarda Szubartowskiego będzie rozmową o wybitności, edukacji i granicach współczesnego systemu nauczania. O tym, dlaczego najbardziej utalentowani młodzi ludzie często rozwijają się nie dzięki systemowi, lecz pomimo niego. I o tym, jaką rolę może odegrać nauczyciel, który zamiast narzucać gotowe rozwiązania, uczy odwagi myślenia.
Profesor Ryszard Szubartowski od ponad trzech dekad rozwija metodę pracy z młodzieżą opartą na wolności myślenia, odpowiedzialności i partnerskiej relacji między mistrzem a uczniem. Wielu jego wychowanków podkreśla, że nauczył ich nie tylko programowania, ale przede wszystkim odwagi samodzielnego myślenia i przekraczania własnych ograniczeń.
W czasie spotkania porozmawiamy nie tylko o technologii, ale także o odpowiedzialności, wolności i przyszłości edukacji. O tym, czego młodzi ludzie naprawdę potrzebują do rozwoju. I dlaczego być może najważniejszą technologią przyszłości nadal pozostaje drugi człowiek.
To spotkanie o edukacji przyszłości, ale także o odpowiedzialności za tych, którzy tę przyszłość będą tworzyć.
Historia profesora Ryszarda Szubartowskiego stanie się także tematem powstającej produkcji fabularnej realizowanej przez dFlights dla platformy Netflix.
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Klub Festiwalowy
JAK WYCHOWAĆ GENIUSZA?
13:00
Klub Festiwalowy
czytaj więcej
Stary Rynek jako scena opery? Oczywiście! Opera na chwilę to plenerowy projekt autorstwa Dirka Opstaele, z którym słoweński Bunker przenosi operę w przestrzeń miasta. Spektakl rozgrywa się wśród codziennych sytuacji, w których nagle pojawia się śpiew i muzyka, zmieniając znane miejsca w scenę.
Opera na chwilę rozwija się w przestrzeni miejskiej jako seria krótkich, nieoczekiwanych zdarzeń. Punktem wyjścia są sytuacje codzienne – przejście przez rynek, rozmowa, praca – które stopniowo zaczynają przechodzić w formę operową. Głos pojawia się tam, gdzie nie jest oczekiwany, a zwykłe gesty zyskują inny ciężar i znaczenie.
Spektakl nie wyznacza wyraźnej granicy między sceną a widownią. Przestrzeń miasta staje się miejscem działania, a osoby znajdujące się w jej obrębie – uczestnikami wydarzenia, niezależnie od tego, czy są świadome jego struktury.
Forma opiera się na prostym mechanizmie: przekształceniu codzienności poprzez muzykę i obecność performera. To, co znane i powtarzalne, zostaje na chwilę przesunięte – z rzeczywistości w stronę fikcji, z obserwacji w stronę doświadczenia.
Opera na chwilę działa jako interwencja w przestrzeni publicznej – krótkotrwała, ale wyraźna. Zostawia po sobie zmianę w sposobie patrzenia na miejsce i sytuację, która jeszcze przed chwilą wydawała się zwyczajna.Dofinansowano ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego pochodzących z Funduszu Promocji Kultury.
Dofinansowano ze środków budżetowych Miasta Poznania. #poznanwspiera
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie: Stary Rynek
OPERA NA CHWILĘ
15:15
/ Plener
Stary Rynek w Poznaniu
czytaj więcej
Efekty Specjalne brawurowo zamienią ulicę Półwiejską w plan filmowy realizowany na żywo! Plenerowy projekt argentyńskiego duetu Luciana Acuña & Alejo Moguillansky, rozgrywa się wśród przechodniów, łącząc choreografię, działania performatywne i język kina w jedno, dynamiczne wydarzenie, którego musisz doświadczyć.
Jak powstaje film akcji? Zobaczysz to na Malcie! Efekty Specjalne rozegrają się w przestrzeni miejskiej, na ulicy Półwiejskiej, która na czas trwania spektaklu zacznie funkcjonować jak plan filmowy. Artyści będą pracować na żywo, budując sceny z udziałem performerów, tancerzy i publiczności, która wejdzie w role statystów, świadków i współtwórców.
Projekt będzie operował językiem kina akcji, ale jego konstrukcja pozostanie otwarta – kolejne sytuacje będą powstawać w czasie rzeczywistym, reagując na przestrzeń, ruch i obecność publiczności. Znane elementy filmowej narracji – napięcie, tempo, powtórzenie, synchronizacja – zostaną przeniesione do rzeczywistości ulicy i poddane działaniu przypadkowości.
Istotną rolę odegra tu muzyka grana na żywo przez DJ-a, która wyznaczy rytm i dynamikę zdarzeń. Dźwięk zorganizuje przestrzeń i wpłynie na sposób, w jaki poruszać się będą zarówno performerzy, jak i widzowie.
Efekty Specjalne to spektakl, który zagarnia przestrzeń miasta. Półwiejska nie będzie jego tłem, ale aktywnym elementem działania – miejscem, w którym codzienność zostanie chwilowo przepisana na język filmu i wspólnego doświadczenia.
Dofinansowano ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego pochodzących z Funduszu Promocji Kultury.
Dofinansowano ze środków budżetowych Miasta Poznania. #poznanwspiera
Wydarzenie odbywa się na otwartej przestrzeni; ulica Półwiejska jest miejscem o dużym natężeniu ruchu pieszego; występują naturalne odgłosy miasta;
Wydarzenie częściowo odbywa się w ruchu
Z uwagi na brak statycznej widowni nie jesteśmy w stanie przedstawić wszystkich możliwych do wystąpienia barier architektonicznych
EFEKTY SPECJALNE
16:00
/ Plener
Ulica Półwiejska
czytaj więcej
To monumentalne, powstające przez kilkanaście lat, dzieło nagrodzone Angelusem jest jedną z najbardziej interesujących nowych powieści wydanych w Polsce.
Pulverkopf to złożona, intertekstualna próba poszukiwania własnej tożsamości, scalenia jej z różnych wątków, rozgrywających się na wielu planach czasowych i przestrzennych. Poprzez zgromadzone w powieści archiwum zapisków, szkiców, notatek i przypadkowych zdjęć, główny bohater Patryk Werhunt pragnie dotrzeć do źródeł własnej tożsamości, ułożyć ją niczym perecowską układankę i w końcu zrozumieć siebie. Tam jednak, gdzie pojawiają się brakujące elementy faktografii, swoiste luki w historii, pojawia się też wyobraźnia, która przynosi paradoksalne odkrycia. To za jej pośrednictwem nieustanna gra z własną tożsamością przybiera formę autokreacji, dotkliwej, bo podyktowanej chorobą i procesem umierania.
Tekst zapleciony na historii życia kompozytora Norberta von Hanneheima to konsekwentny wybór reżyserki zafascynowanej tworzeniem teatralnych esejów o poszukiwaniu tożsamości i napięć między biografią i twórczością.
Informacja o fabule powieści:
Patryk Werhunt, nastoletni bohater, dorasta w Międzyrzeczu (Meseritz), jednym z najstarszych polskich miast, zagarniętym przez Niemców i wyzwolonym w 1945 r. Pewnego dnia trafia na pływające w Obrze ciało jednego z sąsiadów. Okoliczności śmierci są niejasne, a cień podejrzenia pada na wkraczającego w dorosłość chłopaka. Traumatyczne wydarzenie staje się pretekstem do snucia rozległej i skomponowanej misternie niczym fuga opowieści o splątanych losach: Polaków, Żydów, Niemców, Sowietów oraz ich potomków. Opowieści, której motywem przewodnim jest obsesyjne poszukiwanie prawdy o losach niemieckiego kompozytora Norberta von Hannenheima.
Misternie skonstruowana, wciągająca, wielopoziomowa, intertekstualna… trzeba powiedzieć wprost i krótko: Pulverkopf Pasewicza to powieść wybitna. Być może jedna z najlepszych, jak nie najwybitniejsza polska powieść ostatnich lat.
Jeśli czekaliście i czekałyście na “wielką polską powieść”, która opowie o naszych, polskich problemach z historią i tożsamością, w której zarówno postaci męskie jak i kobiece będą napisane tak, że na długo zostaną wam pod powiekami, oto jest – pisał Wojciech Szot.
spektakl odbywa się na Dużej Scenie.
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Teatr Polski w Poznaniu
PULVERKOPF
18:00
/ Teatr
Teatr Polski w Poznaniu
czytaj więcej
Kulminacyjnym wydarzeniem programu teatralnego Malta Festival będzie The Second Woman, polska odsłona jednego z najgłośniejszych projektów współczesnego teatru ostatnich lat, autorstwa Nat Randall i Anny Breckon. To 24-godzinny spektakl na jedną aktorkę – Magdalenę Cielecką – i 100 mężczyzn wyłonionych w drodze otwartego naboru. Projekt prezentowany był wcześniej m.in. w Londynie, Nowym Jorku, Wiedniu i Barcelonie.
To wciągające przedstawienie, w którym aktorka powtarza tę samą scenę rozstania sto razy, za każdym razem z innym partnerem scenicznym. Spektakl angażuje 100 uczestników wyłonionych w otwartym naborze do którego zgłosiło się 705 chętnych.
The Second Woman rozgrywa się w czasie rzeczywistym przez 24 godziny. Struktura spektaklu opiera się na powtarzalności jednej sytuacji scenicznej – krótkiego spotkania dwojga ludzi w momencie rozstania. Każda odsłona trwa około dziesięciu minut i realizowana jest z innym partnerem scenicznym, bez prób i wcześniejszych ustaleń.
W kulminacyjnym momencie każdej sceny partner aktorki podejmuje decyzję: wypowiada zdanie „zawsze cię kochałem” albo „nigdy cię nie kochałem”. Powtarzalność tej samej sytuacji nie prowadzi do ujednolicenia, lecz odsłania różnice w zachowaniu, emocjach i dynamice relacji, przekształcając spektakl w proces badania bliskości, władzy i komunikacji.
Istotnym elementem projektu jest jego otwarta forma. Spektakl powstaje na żywo, w relacji między aktorką a kolejnymi partnerami scenicznymi, a jego przebieg pozostaje nieprzewidywalny. Widzowie mogą obserwować zarówno pojedyncze odsłony, jak i dłuższe fragmenty, śledząc narastanie napięcia, zmęczenia i znaczeń wynikających z powtórzenia.
Akcja jest rejestrowana przez kamery i transmitowana na ekran, co umożliwia równoległe doświadczenie sceny w skali mikro – poprzez detale gestów, spojrzeń i reakcji – oraz w długim trwaniu całego performansu.
Projekt Nat Randall i Anny Breckon był prezentowany m.in. w Brooklyn Academy of Music w Nowym Jorku, podczas Holland Festival w Amsterdamie oraz Wiener Festwochen. W każdej realizacji spektakl funkcjonował jako lokalnie zakorzeniony eksperyment performatywny, ujawniający odmienne napięcia i konteksty społeczne.
W poznańskiej odsłonie udział weźmie 100 uczestników wyłonionych w drodze otwartego naboru. Nie jest wymagane doświadczenie aktorskie – kluczowa pozostaje gotowość do wejścia w krótką, intensywną sytuację sceniczną.
Najważniejsze informacje:
Spektakl trwa 24 godziny bez przerwy.
Bilet uprawnia do wejścia w określonym slocie czasowym lub od początku (bilet 24-godzinny).
Po wejściu w ramach własnego slotu czasowego widz może pozostać do końca spektaklu.
Widz może opuścić salę na maksymalnie 30 minut, po pobraniu kuponu kontrolnego.
W przypadku posiadania biletu slotowego, po wyjściu na czas dłuższy niż 30 minut widz traktowany jest jak nowo przybyły i jego bilet traci ważność, z zastrzeżeniem że pozostaje ważny, jeśli powrót nastąpi w godzinach przypisanych do danego slotu.
Wejście do sali możliwe jest wyłącznie w między scenami, co ok. 10 min.
W przypadku osiągnięcia maksymalnej liczby osób na sali wejście może zostać czasowo wstrzymane. Obowiązuje kolejka + priority line dla posiadaczy biletów 24-godzinnych.
Zakup biletu oznacza akceptację regulaminu.
Na wydarzenie obowiązują dwa typy biletów.
Przeczytaj zanim kupisz:
FAQ: link
Regulamin: link
_______________
Dofinansowano ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego pochodzących z Funduszu Promocji Kultury – państwowego funduszu celowego.
Wejście do Sali Ziemi znajduje się od ul. Śniadeckich. Prosimy iść chodnikiem po prawej stronie od bramy nr 1 do wejścia B, które jest na tyłach budynku z napisem „Garden”
Możliwość zakupu biletu OzN uprawniającego do wstępu na wydarzenie wraz z osobą towarzyszącą
Tłumaczenie w Polskim Języku Migowym: 26.06.2026 w godz. 21:00-24:00 oraz 27.06.2026 w godz. 09:00-12:00
Możliwość wejścia i wyjścia podczas spektaklu co ok. 10 minut, między zmianami scen. Podczas wyjścia na przerwę konieczność pobrania kuponu kontrolnego u obsługi przy drzwiach.
Obostrzenia dotyczące wnoszenia jedzenia i picia – osoby, które ze względów zdrowotnych (np. choroby przewlekłe) muszą spożywać własne produkty prosimy o uprzednie zgłoszenie takiej potrzeby na adres e-mail: natalia.dabrowska@malta-festival.pl do dnia 19.06.2026. Zgoda na wniesienie prowiantu na teren wydarzenia zostanie potwierdzona zwrotną wiadomością e-mail.
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Sala Ziemi
THE SECOND WOMAN
18:00
/ Teatr
Sala Ziemi
czytaj więcej
Stary Rynek jako scena opery? Oczywiście! Opera na chwilę to plenerowy projekt autorstwa Dirka Opstaele, z którym słoweński Bunker przenosi operę w przestrzeń miasta. Spektakl rozgrywa się wśród codziennych sytuacji, w których nagle pojawia się śpiew i muzyka, zmieniając znane miejsca w scenę.
Opera na chwilę rozwija się w przestrzeni miejskiej jako seria krótkich, nieoczekiwanych zdarzeń. Punktem wyjścia są sytuacje codzienne – przejście przez rynek, rozmowa, praca – które stopniowo zaczynają przechodzić w formę operową. Głos pojawia się tam, gdzie nie jest oczekiwany, a zwykłe gesty zyskują inny ciężar i znaczenie.
Spektakl nie wyznacza wyraźnej granicy między sceną a widownią. Przestrzeń miasta staje się miejscem działania, a osoby znajdujące się w jej obrębie – uczestnikami wydarzenia, niezależnie od tego, czy są świadome jego struktury.
Forma opiera się na prostym mechanizmie: przekształceniu codzienności poprzez muzykę i obecność performera. To, co znane i powtarzalne, zostaje na chwilę przesunięte – z rzeczywistości w stronę fikcji, z obserwacji w stronę doświadczenia.
Opera na chwilę działa jako interwencja w przestrzeni publicznej – krótkotrwała, ale wyraźna. Zostawia po sobie zmianę w sposobie patrzenia na miejsce i sytuację, która jeszcze przed chwilą wydawała się zwyczajna.Dofinansowano ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego pochodzących z Funduszu Promocji Kultury.
Dofinansowano ze środków budżetowych Miasta Poznania. #poznanwspiera
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie: Stary Rynek
OPERA NA CHWILĘ
20:00
/ Plener
Stary Rynek w Poznaniu
czytaj więcej
HAAi wystąpi 26 czerwca na Malta Festival. Australijska DJ-ka i producentka w krótkim czasie stała się jedną z najważniejszych postaci nowej elektroniki, wypracowując własny, rozpoznawalny język muzyczny.
Jej sety rozwijają się stopniowo – od hipnotycznych, rozciągniętych form po momenty wyraźnie klubowej intensywności. HAAi tworzy narracje oparte na rytmie, napięciu i płynnych przejściach, które prowadzą słuchaczy przez kolejne warstwy dźwięku.
HAAi to australijska DJ-ka i producentka, która w ostatnich latach wyraźnie zaznaczyła swoją obecność na międzynarodowej scenie elektronicznej. Jej twórczość rozwija się na styku różnych estetyk – od bardziej hipnotycznych i eksperymentalnych form po intensywne, klubowe brzmienia.
Charakterystyczną cechą jej setów jest płynność i stopniowe budowanie dramaturgii. HAAi prowadzi słuchaczy przez kolejne fazy dźwięku, pozwalając muzyce rozwijać się w czasie, bez gwałtownych zmian i oczywistych punktów kulminacyjnych. Jej występy opierają się na intuicji, rytmie i precyzyjnie wyczuwalnej energii przestrzeni.
Artystka współpracowała m.in. z Fred again.. i Jonem Hopkinsem, pojawiając się również w ich projektach. Występowała na najważniejszych festiwalach muzycznych, takich jak Glastonbury czy Primavera Sound, szybko zdobywając uznanie zarówno publiczności, jak i krytyków.
HAAi należy do pokolenia artystów, którzy redefiniują współczesną elektronikę – traktując ją jako przestrzeń otwartą, elastyczną i nieograniczoną jednym gatunkiem. Jej występ na Malta Festival otworzy wieczór poświęcony elektronice, wprowadzając publiczność w jego pierwszą, hipnotyczną fazę.
Program koncertowy Malta Festival potrwa cztery dni, a każdego dnia na scenie zobaczymy aż trzy koncerty.
25.06 – MARO, Devendra Banhart, Benjamin Clementine
26.06 – HAAi, The Blessed Madonna, The Blaze (DJ-set)
27.06 – Efterklang, Charlie Cunningham, Beirut
28.06 – King No-One, Kacperczyk, Two Door Cinema Club
Bilety w sprzedaży na eBilet.pl
19:00 Drzwi
20:00 HAAi
21:30 The Blessed Madonna
23:30 The Blaze DJ Set
Możliwość zakupu biletu OzN uprawniającego do wstępu na wydarzenie wraz z osobą towarzyszącą
Dostępny sektor – aby skorzystać z dostępnego sektora należy posiadać bilet OzN lub zgłosić potrzebę skorzystania z miejsca siedzącego wysyłając maila na adres: natalia.dabrowska@malta-festival.pl i otrzymać z ww. adresu potwierdzenie rezerwacji miejsca
HAAi
20:00
/ Muzyka, Koncert
MTP, “Hala numer 6”
czytaj więcej
Zapraszamy na premierę projektu Past Simple, który jest efektem pracy rezydentek: Alicji Cieryt i Zuzanny Jeglorz w Polskim Teatrze Tańca w ramach programu Narodowy Instytut Muzyki i Tańca Tancerz – rezydent – edycja 2025/2026.
Dwie postaci zanurzają się w przestrzeni wspomnień, gdzie przedmioty, gesty i emocje powracają jak echa minionych chwil. Spektakl to opowieść o tym, co było – i o tym, co wciąż nie chce odejść. Twórczynie przyglądają się naturze sentymentu – jego sile, ciężarowi i ulotności. Rozważają, czy trzymanie się tego, co było, pozwala ocalić to na zawsze – czy raczej odbiera przestrzeń na to, co dopiero może się wydarzyć. Past Simple zaprasza do zatrzymania się w kruchym momencie pomiędzy zachowaniem a utratą.
Rezydencja jest współorganizowana przez Narodowy Instytut Muzyki i Tańca w ramach Programu Tancerz Rezydent, współfinansowany ze środków Ministerstwa Kultury i Dziedzictwa Narodowego.
PAST SIMPLE
20:00
/ Wydarzenia towarzyszące
Polski Teatr Tańca
czytaj więcej
DOWN to plenerowy duet tancerki i perkusisty autorstwa szwajcarskiej choreografki Mélissy Guex. Spektakl, który zobaczymy na schodach na Placu Wolności, w sercu festiwalu, rozgrywa się wśród publiczności, łącząc ruch i muzykę na żywo w intensywne, fizyczne doświadczenie oparte na rytmie i energii. Daj się ponieść!
DOWN Mélissy Guex to duet tancerki i perkusisty, w którym ruch i dźwięk pozostają w ścisłej, dynamicznej relacji. Choreografia rozwija się w bezpośrednim kontakcie z rytmem wykonywanej na żywo muzyki, budując napięcie i stopniowo zmieniając sposób, w jaki odbierana jest przestrzeń i obecność innych.
Spektakl rozgrywa się wśród publiczności, bez wyraźnego podziału na scenę i widownię. Ruch i rytm działają tu bezpośrednio na ciało – wpływają na tempo, skupienie i sposób reagowania, przesuwając uwagę z obserwacji na doświadczenie.
Punktem wyjścia jest stan „down” – moment po intensywności, w którym ciało traci równowagę, a percepcja ulega zmianie. Zamiast go przezwyciężać, spektakl zatrzymuje się w nim i rozwija go jako wspólną przestrzeń działania. W tym procesie choreografia pozostaje otwarta: reaguje na miejsce, sytuację i obecność widzów, za każdym razem układając się inaczej.
DOWN funkcjonuje jako forma pomiędzy spektaklem a wydarzeniem – oparta na powtarzalności, energii i bezpośrednim oddziaływaniu, które nie zamyka się w jednej interpretacji, lecz rozgrywa się w relacji z tym, co dzieje się tu i teraz.
Dofinansowano ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego pochodzących z Funduszu Promocji Kultury.
Dofinansowano ze środków budżetowych Miasta Poznania. #poznanwspiera
Projekt realizowany dzięki wsparciu Pro Helvetia.
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Plac Wolności
DOWN. SINGLE VERSION
21:00
/ Plener
Plac Wolności
czytaj więcej
The Blessed Madonna wystąpi 26 czerwca na Malta Festival. Jedna z najważniejszych postaci współczesnej sceny klubowej, znana wcześniej jako The Black Madonna, od lat kształtuje jej brzmienie i sposób myślenia o muzyce.
Jej sety nie zatrzymują się na jednym gatunku – swobodnie poruszają się między house’em, disco i techno, budując napięcie tam, gdzie inni wybierają oczywiste rozwiązania. The Blessed Madonna łączy klubową energię z wyraźnym autorskim głosem, tworząc doświadczenie, które wykracza poza sam parkiet.
The Blessed Madonna należy dziś do najważniejszych postaci globalnej sceny klubowej. Jej działalność obejmuje zarówno DJ-ing i produkcję muzyczną, jak i aktywne kształtowanie współczesnej kultury klubowej jako przestrzeni wspólnoty, ekspresji i zmiany.
Jej sety charakteryzuje płynność i swoboda poruszania się między gatunkami. House, disco i techno nie funkcjonują tu jako oddzielne style, lecz jako elementy jednej, dynamicznej narracji. The Blessed Madonna buduje swoje występy poprzez napięcie, kontrasty i intuicyjne przejścia, tworząc doświadczenie, które rozwija się w czasie i reaguje na energię publiczności.
Artystka występowała na największych festiwalach świata, takich jak Glastonbury, Coachella czy Tomorrowland. Współpracowała m.in. z Duą Lipą, tworząc album Club Future Nostalgia, oraz z Kylie Minogue. Razem z Fred again.. odpowiada za utwór Marea (We’ve Lost Dancing), który w czasie pandemii stał się jednym z najbardziej rozpoznawalnych i symbolicznych utworów współczesnej elektroniki.
Jej twórczość łączy intensywność klubowego doświadczenia z refleksją nad jego znaczeniem. Muzyka nie jest tu jedynie narzędziem rozrywki, lecz także sposobem budowania relacji, kontekstu i wspólnoty. Występ na Malta Festival będzie pierwszą okazją, by zobaczyć The Blessed Madonnę na żywo w Polsce w pełnym, festiwalowym wymiarze.
Program koncertowy Malta Festival potrwa cztery dni, a każdego dnia na scenie zobaczymy aż trzy koncerty.
25.06 – MARO, Devendra Banhart, Benjamin Clementine
26.06 – HAAi, The Blessed Madonna, The Blaze (DJ-set)
27.06 – Efterklang, Charlie Cunningham, Beirut
28.06 – King No-One, Kacperczyk, Two Door Cinema Club
Bilety w sprzedaży na eBilet.pl
19:00 Drzwi
20:00 HAAi
21:30 The Blessed Madonna
23:30 The Blaze DJ Set
Możliwość zakupu biletu OzN uprawniającego do wstępu na wydarzenie wraz z osobą towarzyszącą
Dostępny sektor – aby skorzystać z dostępnego sektora należy posiadać bilet OzN lub zgłosić potrzebę skorzystania z miejsca siedzącego wysyłając maila na adres: natalia.dabrowska@malta-festival.pl i otrzymać z ww. adresu potwierdzenie rezerwacji miejsca
THE BLESSED MADONNA
21:30
/ Muzyka, Koncert
MTP, “Hala numer 6”
czytaj więcej
Kino kobiet to cykl pokazów filmowych i spotkań, podczas których kino staje się punktem wyjścia do rozmowy o relacjach, emocjach i doświadczeniach współczesnego świata.
Miłe kobiety to pełna czułości, humoru i elementów realizmu magicznego opowieść o kobietach na różnych etapach życia. Przez historie codziennych zmagań, marzeń i pragnienia zmiany film przygląda się temu, jak współczesne kobiety próbują odnaleźć własną drogę i zachować siebie mimo ciężaru odpowiedzialności.
Po seansie odbędzie się spotkanie z aktorką Anitą Sokołowską oraz reżyserami Marią Wojtyszko i Jakubem Kroftą.
Miłe kobiety to niezwykła opowieść o współczesnej kobiecości i jej problemach, które w magicznej rzeczywistości stworzonej przez duet Krofta-Wojtyszko przybierają materialną, zaskakującą formę. Poszczególne historie tworzą swego rodzaju przypowieści o egzystencji kobiety w ogóle – od dojrzewania, poprzez macierzyństwo, kryzys wieku średniego, żałobę po partnerze, aż po umieranie.
Milena opiekuje się dwójką dzieci, babcią i ciężarną siostrą, podczas kiedy jej mąż przebywa na odwyku. Kobieta w chwilach przeciążenia jeździ na lotnisko i obserwuje podróżnych. Pewnego dnia spotyka tam mężczyznę, który bierze ją za swojego kierowcę. Milena wchodzi w rolę, nawiązuje relację z nieznajomym i wdaje się z nim w romans. Tylko jemu zdradza, że marzy o tym, żeby uciec gdzieś z dala od rodziny. Nieznajomy namawia ją na wspólny wyjazd.
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Park Starego Browaru
KINO KOBIET: MIŁE KOBIETY
21:30
/ Film, Panel
Park Starego Browaru
czytaj więcej
Francuski duet The Blaze wystąpi 26 czerwca na Scenie Muzycznej Malta Festival. Guillaume i Jonathan Alric zdobyli międzynarodową rozpoznawalność dzięki nagradzanym teledyskom do utworów Virile i Territory, które przyciągnęły miliony widzów na całym świecie. Ich twórczość od początku rozwija się w ścisłym związku z obrazem – artyści sami reżyserują swoje wideoklipy, traktując je jako integralną część muzyki.
Charakterystyczne brzmienie The Blaze opiera się na hipnotycznych syntezatorach, głębokich wokalach i stopniowo budowanym napięciu. W ich utworach elektronika spotyka się z emocjonalną narracją, a muzyka i obraz tworzą spójną opowieść o wspólnocie, ruchu i doświadczeniu współczesnego miasta.
Francuski duet The Blaze należy dziś do najbardziej rozpoznawalnych projektów współczesnej sceny elektronicznej, łączących muzykę z filmową narracją obrazu.
Projekt The Blaze powstał na styku muzyki elektronicznej i obrazu filmowego. Guillaume i Jonathan Alric od początku rozwijają swoją twórczość w dwóch równoległych językach – dźwięku i wizualności – traktując wideoklipy nie jako dodatek do muzyki, lecz jej integralną część. To właśnie dzięki nim duet szybko zwrócił uwagę międzynarodowej publiczności.
Przełom przyniosły nagradzane klipy Virile oraz Territory, które zdobyły niemal sto milionów wyświetleń i stały się jednym z najbardziej rozpoznawalnych przykładów współczesnej narracji muzyczno-filmowej. W swoich pracach The Blaze łączą minimalistyczną elektronikę z emocjonalną dramaturgią obrazu, tworząc opowieści o wspólnocie, pamięci i doświadczeniu bycia razem.
Muzyka duetu opiera się na pulsujących syntezatorach, głębokich wokalach i powoli budowanym napięciu. Ich utwory rozwijają się stopniowo, pozwalając dźwiękom i rytmom wybrzmieć w przestrzeni. To elektronika skupiona na emocji i atmosferze, w której taniec i kontemplacja funkcjonują obok siebie.
O ARTYSTACH:
Wokale brzmią jak mantra – przenikające i niemal mistyczne. To charakterystyczne brzmienie The Blaze, dzięki któremu francuski duet dotarł do publiczności na całym świecie. Na swoim drugim albumie „Jungle” artyści wracają z nowymi doświadczeniami zebranymi podczas podróży koncertowych po różnych krajach, rozwijając zarówno swoją muzykę, jak i warstwę wizualną. W przypadku The Blaze te dwa elementy są nierozłączne i wzajemnie od siebie zależne. Tworzą muzykę wyraźnie osadzoną w elektronice, która istnieje w ścisłym związku z obrazem – wideoklipami realizowanymi w całości przez nich samych, często osadzonymi w miejskich „dżunglach”, będących niewyczerpanym źródłem życia i inspiracji.
Duet powstał w 2016 roku, a tworzą go Guillaume i Jonathan Alric – artyści wywodzący się ze świata filmu i fotografii. The Blaze szybko zwrócili na siebie uwagę, gdy ukazał się teledysk do utworu „Virile”, a wkrótce potem „Territory” z EP-ki o tym samym tytule. Oba klipy zdobyły wiele nagród i zgromadziły łącznie niemal 100 milionów wyświetleń. Przyciągnęły zarówno publiczność, jak i krytyków, szczególnie dzięki scenom wspólnoty i emocjonalnej bliskości między bohaterami. Głębokie wokale, brzmiące jakby pochodziły z najgłębszych pokładów duszy, dopełniają dopracowane, syntetyczne brzmienia, budując poczucie jedności. Następnie pojawiły się teledyski do utworów „Queens” oraz „Heaven”, które zapowiadały debiutancki album „Dancehall”, umacniając pozycję duetu na międzynarodowej scenie muzycznej.
Na albumie „Jungle” producenci – prywatnie kuzyni – postanowili poszerzyć swoją paletę środków wyrazu, nie rezygnując przy tym z własnej estetyki. Pierwszy singiel „Dreamer” pozostaje wierny ich charakterystycznemu stylowi. Nawiązuje do powrotu do korzeni, podobnie jak w teledysku do „Territory”, który przyniósł im rozpoznawalność. Artyści ponownie skupiają się na opowiadaniu historii ludzi funkcjonujących na marginesach społecznych. W roli głównej występuje Birane Ba, aktor Comédie Française, który wnosi do tej roli determinację i poczucie uwolnienia. „Szukamy ludzkiego wymiaru w miejscach, które zwykle wyobrażamy sobie jako mniej szczęśliwe. To właśnie tam odnajdujemy poezję i kontrasty” – tłumaczą Guillaume i Jonathan.
Nowy album opiera się na charakterystycznym, lekko przesuniętym rytmie tworzonym na syntezatorach, które działają jak powracający elektroniczny motyw – baza, wokół której The Blaze budują swoją muzyczną opowieść. Doskonale słychać to w singlu „Clash”, powolnej, popowej kompozycji pełnej optymizmu. Duet eksperymentuje również z różnymi fakturami wokalnymi, chętnie sięgając po harmonie, śpiew unisono oraz niemal inkantacyjne solowe partie. To nowe podejście wyraźnie słychać także w utworze „Lonely”, w którym szczególną uwagę poświęcono subtelnej melodii i poruszającym progresjom akordów.
Czasem jednak ich naturalne brzmienie powraca z jeszcze większą siłą, z wokalami splecionymi w unisonie – jak w utworze „Madly”. To kompozycja zbudowana wokół stopniowego narastania napięcia, w której wyraźnie słychać wpływ koncertowych doświadczeń zespołu. „Pracując nad tym albumem, wyobrażaliśmy sobie przede wszystkim, jak nasza muzyka zabrzmi na żywo. Podróże, kontakt z publicznością i obserwowanie jej reakcji popchnęły nas w stronę tej estetyki” – mówią artyści. W ich wypowiedziach pojawia się chwilowa przejrzystość, która szybko ustępuje miejsca mrokowi i tajemnicy obecnym w utworach „Siren” i „Haze”.
Na albumie „Jungle” The Blaze kontynuują także swoją fascynację ruchem. Na okładce płyty miasto przypomina ogromną falę – jest wszędzie jednocześnie. W samym środku tej energii kryją się jednak intymne historie, które tak bardzo inspirują obu muzyków. Fotograf Pablo López Luz uchwycił na zdjęciu esencję i szaleństwo miasta Meksyk – ogromnego miasta będącego symbolem miejsc, przez które się przechodzi, które się opuszcza, odnajduje lub w których można się zagubić. Wszystko to odnaleźć można w muzyce The Blaze – w opowieści o współczesnym świecie, której duet nadaje swój niepowtarzalny charakter.
Program koncertowy Malta Festival potrwa cztery dni, a każdego dnia na scenie zobaczymy aż trzy koncerty.
25.06 – MARO, Devendra Banhart, Benjamin Clementine
26.06 – HAAi, The Blessed Madonna, The Blaze (DJ-set)
27.06 – Efterklang, Charlie Cunningham, Beirut
28.06 – King No-One, Kacperczyk, Two Door Cinema Club
Bilety w sprzedaży na eBilet.pl
19:00 Drzwi
20:00 HAAi
21:30 The Blessed Madonna
23:30 The Blaze DJ Set
Możliwość zakupu biletu OzN uprawniającego do wstępu na wydarzenie wraz z osobą towarzyszącą
Dostępny sektor – aby skorzystać z dostępnego sektora należy posiadać bilet OzN lub zgłosić potrzebę skorzystania z miejsca siedzącego wysyłając maila na adres: natalia.dabrowska@malta-festival.pl i otrzymać z ww. adresu potwierdzenie rezerwacji miejsca
THE BLAZE (DJ-SET)
23:30
/ Muzyka, Koncert
MTP, “Hala numer 6”
czytaj więcej
27.06/sobota
Wasi ulubieńcy znów zagrają na ulicach i placach Poznania!
Legendarny sygnał Malta Festival, autorstwa Jerzego Satanowskiego, dźwiękiem trąbki wyznaczył dominantę muzyczną Festiwalu, poruszającą ulice. W czerwcu włoska orkiestra uliczna BANDAKADABRA po raz kolejny będą zaskakiwać mieszkańców i mieszkanki w niecodziennych miejskich przestrzeniach – zapraszając do zabawy i do tańca w różnych lokalizacjach Poznania.
Bandakadarba
Carlo Petrini, dziennikarz i założyciel ruchu Slow Food, nazwał ich „miejską fanfarą” – trafne określenie dla zespołu, który uczynił miasto swoim naturalnym tłem, a ulicę nie tylko sceną występów, ale też źródłem inspiracji. Dęciaki i perkusje – to ich język.
Potężna, marszowa energia, która z rozmachem opanowuje każdy styl muzyczny, niosąc ze sobą falę żywiołowości i dobrej zabawy.
Powstała w Turynie Bandakadabra prowadzi intensywną działalność koncertową, która zaprowadziła ją na sceny całej Europy i przyniosła rosnące zainteresowanie fanów.
Od Paleo Festival po Suoni delle Dolomiti, przez Jazz sous les pommiers, Premio Tenco, Festival della Mente czy Musiculturę – w zaledwie kilka lat zagrali ponad czterysta koncertów: na festiwalach teatralnych i muzycznych, w przestrzeni ulicznej i na prywatnych wydarzeniach, zdobywając reputację zespołu jedynego w swoim rodzaju.
Dofinansowano ze środków budżetowych Miasta Poznania. #poznanwspiera
ZA MIŁOŚĆ! ❤️
Wydarzenie bez słów
Wydarzenie odbywa się na otwartej przestrzeni; występują naturalne odgłosy miasta
Wydarzenie częściowo odbywa się w ruchu
Z uwagi na brak statycznej widowni nie jesteśmy w stanie przedstawić wszystkich możliwych do wystąpienia barier architektonicznych
MUZYKA NA ULICACH: BANDAKADABRA
/ Muzyka, Plener
Poznań
czytaj więcej
Na wystawie zostaną zaprezentowane przykłady procesów ideowych i projektowych w postaci rysunków, analiz i modeli przestrzennych, prowadzących do powstania spektakli teatralnych prezentowanych, między innymi, w ramach Festiwalu „Malta”. Niektóre z wymienionych materiałów są częścią historii tego wydarzenia a dodatkowym uzupełnieniem są materiały fotograficzne ze spektakli. Prezentowane w postaci reprodukcji prace rysunkowe są w oryginale własnością Muzeum Śląskiego w Katowicach.
Część druga wystawy zaprezentuje cykle rysunkowe będące rodzajem „spektaklu potencjalnego” (in potentia) bez stanu realizacji. Ten rysunkowy materiał odnosi się częściowo do profetycznego dzieła literackiego Janusza Andrzeja Zajdla pt ”Limes Inferior” z 1979 roku będącego formą fantastyki socjologicznej osadzoną w przestrzeniach dystopijnego miasta Argoland. Pozostałe cykle rysunkowe są samodzielnymi autonomicznymi bytami rysunkowymi wynikającymi z wewnętrznej intuicji przestrzennej i formalnej autora.
Bohdan Cieślak – architekt wnętrz, scenograf, rysownik i malarz. Autor ponad 30stu scenografii teatralnych realizowanych na ważnych polskich scenach teatru dramatycznego, tańca i animacji. Współpraca z takimi twórcami jak Lech Raczak (wieloletni dyrektor artystyczny Międzynarodowego Festiwalu „Malta” w Poznaniu) czy Ewa Wycichowska (dyrektorka Polskiego Teatru Tańca w Poznaniu) Jego prace scenograficzne w postaci rysunków, projektów i makiet scenograficznych w liczbie kilkuset obiektów są częścią zbiorów Muzeum Śląskiego w Katowicach (Centrum Scenografii Polskiej) i były eksponowane podczas indywidualnych wystaw autora w Muzeum Śląskim oraz w Muzeum Narodowym w Poznaniu. Brał on również udział w wystawie zbiorowej pt „Wirtuozi wyobraźni. Rysunki przestrzeni i postaci artystów współczesnych ze zbiorów Muzeum Śląskiego” obok takich twórców jak Tadeusz Kantor, Jerzy Skarżyński, Jerzy Gurawski, Jan Berdyszak, Janusz Wiśniewski czy Jadwiga Mydlarska – Kowal.
PRZESTRZENIE SPEKTAKLU
10:00
Centrum Festiwalowe. Galeria Nowa Scena UAP
czytaj więcej
Poranki Malta Festival ponownie rozpoczną się od jogi. W dniach koncertów na Scenie Muzycznej Malty zapraszamy na wspólną praktykę inspirowaną rytmem festiwalu i muzyką artystów występujących na Międzynarodowych Targach Poznańskich.
To moment na złapanie oddechu, rozciągnięcie ciała i spokojne wejście w dzień przed wieczornymi koncertami. Zajęcia są otwarte dla wszystkich – niezależnie od doświadczenia i poziomu zaawansowania.
Festiwalowa joga będzie oparta na łagodnej praktyce hatha jogi, skupionej na oddechu, równowadze i uważnym ruchu. Tempo zajęć pozostanie spokojne, a kolejne pozycje będą prowadzić raczej do rozluźnienia i regeneracji niż intensywnego wysiłku.
Tegoroczna edycja połączy praktykę z muzyką artystów występujących tego samego dnia na Scenie Muzycznej Malta Festival, tworząc poranne doświadczenie inspirowane atmosferą festiwalu i rytmem koncertowych dni.
Każde spotkanie będzie skupione na innym obszarze pracy z ciałem:
– 25 czerwca – praktyka dla każdego skoncentrowana na obszarze bioder
– 26 czerwca – praktyka dla każdego skupiona na otwarciu klatki piersiowej i wzmocnieniu pleców
– 27 czerwca – praktyka dla każdego skupiona na rozciągnięciu tylnej taśmy ciała
– 28 czerwca – praktyka dla każdego nastawiona na rozluźnienie po całym tygodniu festiwalowania
Zajęcia skierowane są zarówno do osób praktykujących jogę regularnie, jak i tych, które chcą spróbować jej po raz pierwszy. Wystarczy wygodny strój, mata i chwila czasu dla siebie.
Partnerem wydarzenia jest Kuchnia Vikinga. Po każdych zajęciach dostępna będzie także strefa regeneracji z przekąskami i koktajlami, które pozwolą odzyskać energię po treningu.
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie: Klub Festiwalowy
JOGA NA TARASIE
10:00
/ Inne
Klub Festiwalowy
czytaj więcej
Stary Rynek jako scena opery? Oczywiście! Opera na chwilę to plenerowy projekt autorstwa Dirka Opstaele, z którym słoweński Bunker przenosi operę w przestrzeń miasta. Spektakl rozgrywa się wśród codziennych sytuacji, w których nagle pojawia się śpiew i muzyka, zmieniając znane miejsca w scenę.
Opera na chwilę rozwija się w przestrzeni miejskiej jako seria krótkich, nieoczekiwanych zdarzeń. Punktem wyjścia są sytuacje codzienne – przejście przez rynek, rozmowa, praca – które stopniowo zaczynają przechodzić w formę operową. Głos pojawia się tam, gdzie nie jest oczekiwany, a zwykłe gesty zyskują inny ciężar i znaczenie.
Spektakl nie wyznacza wyraźnej granicy między sceną a widownią. Przestrzeń miasta staje się miejscem działania, a osoby znajdujące się w jej obrębie – uczestnikami wydarzenia, niezależnie od tego, czy są świadome jego struktury.
Forma opiera się na prostym mechanizmie: przekształceniu codzienności poprzez muzykę i obecność performera. To, co znane i powtarzalne, zostaje na chwilę przesunięte – z rzeczywistości w stronę fikcji, z obserwacji w stronę doświadczenia.
Opera na chwilę działa jako interwencja w przestrzeni publicznej – krótkotrwała, ale wyraźna. Zostawia po sobie zmianę w sposobie patrzenia na miejsce i sytuację, która jeszcze przed chwilą wydawała się zwyczajna.Dofinansowano ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego pochodzących z Funduszu Promocji Kultury.
Dofinansowano ze środków budżetowych Miasta Poznania. #poznanwspiera
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie: Stary Rynek
OPERA NA CHWILĘ
12:15
/ Plener
Stary Rynek w Poznaniu
czytaj więcej
Stary Rynek jako scena opery? Oczywiście! Opera na chwilę to plenerowy projekt autorstwa Dirka Opstaele, z którym słoweński Bunker przenosi operę w przestrzeń miasta. Spektakl rozgrywa się wśród codziennych sytuacji, w których nagle pojawia się śpiew i muzyka, zmieniając znane miejsca w scenę.
Opera na chwilę rozwija się w przestrzeni miejskiej jako seria krótkich, nieoczekiwanych zdarzeń. Punktem wyjścia są sytuacje codzienne – przejście przez rynek, rozmowa, praca – które stopniowo zaczynają przechodzić w formę operową. Głos pojawia się tam, gdzie nie jest oczekiwany, a zwykłe gesty zyskują inny ciężar i znaczenie.
Spektakl nie wyznacza wyraźnej granicy między sceną a widownią. Przestrzeń miasta staje się miejscem działania, a osoby znajdujące się w jej obrębie – uczestnikami wydarzenia, niezależnie od tego, czy są świadome jego struktury.
Forma opiera się na prostym mechanizmie: przekształceniu codzienności poprzez muzykę i obecność performera. To, co znane i powtarzalne, zostaje na chwilę przesunięte – z rzeczywistości w stronę fikcji, z obserwacji w stronę doświadczenia.
Opera na chwilę działa jako interwencja w przestrzeni publicznej – krótkotrwała, ale wyraźna. Zostawia po sobie zmianę w sposobie patrzenia na miejsce i sytuację, która jeszcze przed chwilą wydawała się zwyczajna.Dofinansowano ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego pochodzących z Funduszu Promocji Kultury.
Dofinansowano ze środków budżetowych Miasta Poznania. #poznanwspiera
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie: Stary Rynek
OPERA NA CHWILĘ
15:15
/ Plener
Stary Rynek w Poznaniu
czytaj więcej
Kulminacyjnym wydarzeniem programu teatralnego Malta Festival będzie The Second Woman, polska odsłona jednego z najgłośniejszych projektów współczesnego teatru ostatnich lat, autorstwa Nat Randall i Anny Breckon. To 24-godzinny spektakl na jedną aktorkę – Magdalenę Cielecką – i 100 mężczyzn wyłonionych w drodze otwartego naboru. Projekt prezentowany był wcześniej m.in. w Londynie, Nowym Jorku, Wiedniu i Barcelonie.
To wciągające przedstawienie, w którym aktorka powtarza tę samą scenę rozstania sto razy, za każdym razem z innym partnerem scenicznym. Spektakl angażuje 100 uczestników wyłonionych w otwartym naborze do którego zgłosiło się 705 chętnych.
The Second Woman rozgrywa się w czasie rzeczywistym przez 24 godziny. Struktura spektaklu opiera się na powtarzalności jednej sytuacji scenicznej – krótkiego spotkania dwojga ludzi w momencie rozstania. Każda odsłona trwa około dziesięciu minut i realizowana jest z innym partnerem scenicznym, bez prób i wcześniejszych ustaleń.
W kulminacyjnym momencie każdej sceny partner aktorki podejmuje decyzję: wypowiada zdanie „zawsze cię kochałem” albo „nigdy cię nie kochałem”. Powtarzalność tej samej sytuacji nie prowadzi do ujednolicenia, lecz odsłania różnice w zachowaniu, emocjach i dynamice relacji, przekształcając spektakl w proces badania bliskości, władzy i komunikacji.
Istotnym elementem projektu jest jego otwarta forma. Spektakl powstaje na żywo, w relacji między aktorką a kolejnymi partnerami scenicznymi, a jego przebieg pozostaje nieprzewidywalny. Widzowie mogą obserwować zarówno pojedyncze odsłony, jak i dłuższe fragmenty, śledząc narastanie napięcia, zmęczenia i znaczeń wynikających z powtórzenia.
Akcja jest rejestrowana przez kamery i transmitowana na ekran, co umożliwia równoległe doświadczenie sceny w skali mikro – poprzez detale gestów, spojrzeń i reakcji – oraz w długim trwaniu całego performansu.
Projekt Nat Randall i Anny Breckon był prezentowany m.in. w Brooklyn Academy of Music w Nowym Jorku, podczas Holland Festival w Amsterdamie oraz Wiener Festwochen. W każdej realizacji spektakl funkcjonował jako lokalnie zakorzeniony eksperyment performatywny, ujawniający odmienne napięcia i konteksty społeczne.
W poznańskiej odsłonie udział weźmie 100 uczestników wyłonionych w drodze otwartego naboru. Nie jest wymagane doświadczenie aktorskie – kluczowa pozostaje gotowość do wejścia w krótką, intensywną sytuację sceniczną.
Najważniejsze informacje:
Spektakl trwa 24 godziny bez przerwy.
Bilet uprawnia do wejścia w określonym slocie czasowym lub od początku (bilet 24-godzinny).
Po wejściu w ramach własnego slotu czasowego widz może pozostać do końca spektaklu.
Widz może opuścić salę na maksymalnie 30 minut, po pobraniu kuponu kontrolnego.
W przypadku posiadania biletu slotowego, po wyjściu na czas dłuższy niż 30 minut widz traktowany jest jak nowo przybyły i jego bilet traci ważność, z zastrzeżeniem że pozostaje ważny, jeśli powrót nastąpi w godzinach przypisanych do danego slotu.
Wejście do sali możliwe jest wyłącznie w między scenami, co ok. 10 min.
W przypadku osiągnięcia maksymalnej liczby osób na sali wejście może zostać czasowo wstrzymane. Obowiązuje kolejka + priority line dla posiadaczy biletów 24-godzinnych.
Zakup biletu oznacza akceptację regulaminu.
Na wydarzenie obowiązują dwa typy biletów.
Przeczytaj zanim kupisz:
FAQ: link
Regulamin: link
_______________
Dofinansowano ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego pochodzących z Funduszu Promocji Kultury – państwowego funduszu celowego.
Wejście do Sali Ziemi znajduje się od ul. Śniadeckich. Prosimy iść chodnikiem po prawej stronie od bramy nr 1 do wejścia B, które jest na tyłach budynku z napisem „Garden”
Możliwość zakupu biletu OzN uprawniającego do wstępu na wydarzenie wraz z osobą towarzyszącą
Tłumaczenie w Polskim Języku Migowym: 26.06.2026 w godz. 21:00-24:00 oraz 27.06.2026 w godz. 09:00-12:00
Możliwość wejścia i wyjścia podczas spektaklu co ok. 10 minut, między zmianami scen. Podczas wyjścia na przerwę konieczność pobrania kuponu kontrolnego u obsługi przy drzwiach.
Obostrzenia dotyczące wnoszenia jedzenia i picia – osoby, które ze względów zdrowotnych (np. choroby przewlekłe) muszą spożywać własne produkty prosimy o uprzednie zgłoszenie takiej potrzeby na adres e-mail: natalia.dabrowska@malta-festival.pl do dnia 19.06.2026. Zgoda na wniesienie prowiantu na teren wydarzenia zostanie potwierdzona zwrotną wiadomością e-mail.
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Sala Ziemi
THE SECOND WOMAN
/ Teatr
Sala Ziemi
czytaj więcej
To monumentalne, powstające przez kilkanaście lat, dzieło nagrodzone Angelusem jest jedną z najbardziej interesujących nowych powieści wydanych w Polsce.
Pulverkopf to złożona, intertekstualna próba poszukiwania własnej tożsamości, scalenia jej z różnych wątków, rozgrywających się na wielu planach czasowych i przestrzennych. Poprzez zgromadzone w powieści archiwum zapisków, szkiców, notatek i przypadkowych zdjęć, główny bohater Patryk Werhunt pragnie dotrzeć do źródeł własnej tożsamości, ułożyć ją niczym perecowską układankę i w końcu zrozumieć siebie. Tam jednak, gdzie pojawiają się brakujące elementy faktografii, swoiste luki w historii, pojawia się też wyobraźnia, która przynosi paradoksalne odkrycia. To za jej pośrednictwem nieustanna gra z własną tożsamością przybiera formę autokreacji, dotkliwej, bo podyktowanej chorobą i procesem umierania.
Tekst zapleciony na historii życia kompozytora Norberta von Hanneheima to konsekwentny wybór reżyserki zafascynowanej tworzeniem teatralnych esejów o poszukiwaniu tożsamości i napięć między biografią i twórczością.
Informacja o fabule powieści:
Patryk Werhunt, nastoletni bohater, dorasta w Międzyrzeczu (Meseritz), jednym z najstarszych polskich miast, zagarniętym przez Niemców i wyzwolonym w 1945 r. Pewnego dnia trafia na pływające w Obrze ciało jednego z sąsiadów. Okoliczności śmierci są niejasne, a cień podejrzenia pada na wkraczającego w dorosłość chłopaka. Traumatyczne wydarzenie staje się pretekstem do snucia rozległej i skomponowanej misternie niczym fuga opowieści o splątanych losach: Polaków, Żydów, Niemców, Sowietów oraz ich potomków. Opowieści, której motywem przewodnim jest obsesyjne poszukiwanie prawdy o losach niemieckiego kompozytora Norberta von Hannenheima.
Misternie skonstruowana, wciągająca, wielopoziomowa, intertekstualna… trzeba powiedzieć wprost i krótko: Pulverkopf Pasewicza to powieść wybitna. Być może jedna z najlepszych, jak nie najwybitniejsza polska powieść ostatnich lat.
Jeśli czekaliście i czekałyście na “wielką polską powieść”, która opowie o naszych, polskich problemach z historią i tożsamością, w której zarówno postaci męskie jak i kobiece będą napisane tak, że na długo zostaną wam pod powiekami, oto jest – pisał Wojciech Szot.
spektakl odbywa się na Dużej Scenie.
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Teatr Polski w Poznaniu
PULVERKOPF
18:00
/ Teatr
Teatr Polski w Poznaniu
czytaj więcej
Efterklang wystąpi 27 czerwca na Malta Festival. Duński kolektyw od ponad dwóch dekad rozwija swoją muzykę w oparciu o współpracę i nieustanne poszukiwanie nowych kierunków.
Na przestrzeni lat zespół stopniowo rozwijał swoje brzmienie, sięgając po elementy popu, indie rocka, post-rocka i elektroniki. W centrum ich twórczości pozostaje relacja między dźwiękiem, przestrzenią i wspólnotą. Elektronika, instrumenty akustyczne i wielowarstwowe wokale łączą się tu w kompozycje, które rozwijają się powoli i naturalnie.
To właśnie koncerty najlepiej pokazują ten sposób myślenia o muzyce. Efterklang buduje na scenie wyraźną więź z publicznością, a utwory rozwijają się tam w sposób dynamiczny i angażujący.
Efterklang to duński zespół założony w 2000 roku przez Madsa Brauera, Caspera Clausena i Rasmusa Stolberga. Od początku swojej działalności funkcjonuje jako projekt otwarty – z wyraźnym rdzeniem, ale stale poszerzany o nowych współpracowników i konteksty.
Na przestrzeni kolejnych albumów zespół konsekwentnie redefiniował swoje brzmienie, sięgając po elementy popu, muzyki elektronicznej, indie rocka i post-rocka. W ostatnich latach – szczególnie od płyty Altid Sammen – ich język muzyczny stał się bardziej oszczędny i bezpośredni, koncentrując się na relacjach: między ludźmi, naturą i wspólnotą. Najnowszy album Things We Have In Common rozwija ten kierunek, skupiając się na doświadczeniu przynależności i wspólnego przeżywania.
Charakterystyczną cechą Efterklang pozostaje sposób pracy – oparty na dialogu i współtworzeniu. W procesie powstawania nowych utworów istotną rolę ponownie odegrał Rune Mølgaard, współtwórca wczesnych płyt zespołu, który powrócił jako kompozytor i współautor części materiału. Do nagrań zapraszani są również muzycy z różnych środowisk, co wpływa na otwartą, wielowarstwową strukturę ich kompozycji.
Koncerty Efterklang mają formę dynamicznych, rozwijających się w czasie struktur – łączą nowe utwory z materiałem z wcześniejszych płyt i pozostawiają przestrzeń na improwizację oraz zmianę formy. Zespół występuje w poszerzonym składzie, a ich występy budowane są na relacji z publicznością i wspólnym doświadczeniu słuchania.
Program koncertowy Malta Festival potrwa cztery dni, a każdego dnia na scenie zobaczymy aż trzy koncerty.
25.06 – MARO, Devendra Banhart, Benjamin Clementine
26.06 – HAAi, The Blessed Madonna, The Blaze (DJ-set)
27.06 – Efterklang, Charlie Cunningham, Beirut
28.06 – King No-One, Kacperczyk, Two Door Cinema Club
Bilety w sprzedaży na eBilet.pl
18:00 Drzwi
19:00 Efterklang
20:30 Charlie Cunningham
22:15 Beirut
Możliwość zakupu biletu OzN uprawniającego do wstępu na wydarzenie wraz z osobą towarzyszącą
Dostępny sektor – aby skorzystać z dostępnego sektora należy posiadać bilet OzN lub zgłosić potrzebę skorzystania z miejsca siedzącego wysyłając maila na adres: natalia.dabrowska@malta-festival.pl i otrzymać z ww. adresu potwierdzenie rezerwacji miejsca
EFTERKLANG
19:00
/ Muzyka, Koncert
MTP, “Hala numer 6”
czytaj więcej
This resting, patience Ewy Dziarnowskiej to trzygodzinny spektakl choreograficzny funkcjonujący na styku performansu i instalacji. Od premiery w berlińskim Sophiensæle praca była prezentowana na najważniejszych festiwalach i scenach tańca w Europie, a pokaz na Malta Festival będzie jej pierwszą prezentacją w Polsce. Spektakl odchodzi od klasycznego modelu oglądania tańca, proponując doświadczenie oparte na trwaniu w czasie, a nie na narracji czy zamkniętej dramaturgii.
Dziarnowska buduje otwartą strukturę, w której sens wyłania się z uważnej obserwacji ruchu i relacji między ciałami. Performerki pozostają w nieustannym ruchu, a brak wyraźnego początku i zakończenia przesuwa akcent z oglądania widowiska na współobecność i wspólne doświadczanie czasu. Relacja między tancerkami a widzami opiera się na bliskości i uważności, stopniowo rozluźniając granicę między sceną a publicznością.
Ciało staje się tu narzędziem relacji – z innymi, z przestrzenią i z własnym doświadczeniem czasu. Powracający motyw piosenki What the World Needs Now buduje napięcie między nostalgią a intensywnością ruchu. This resting, patience proponuje taniec jako praktykę uważności i kolektywnego trwania.
BIOGRAMY
Ewa Dziarnowska
Artystka, choreografka i performerka mieszkająca w Berlinie. Pracuje na styku tańca, performansu i praktyki badawczej, rozwijając improwizację jako metodę twórczą i sposób myślenia o pracy z ciałem. Jej praktyka koncentruje się na relacji, rytmie, uważności i doświadczeniu czasu, a także na pytaniach o społeczne i estetyczne ramy, w których taniec powstaje i funkcjonuje. Swoje prace prezentowała na festiwalach i w instytucjach sztuki w całej Europie, m.in. w Sophiensæle w Berlinie, Tanzquartier Wien w Wiedniu, Santarcangelo Festival, MDT Moderna Dansteatern w Sztokholmie, czy na Festiwalu Mind Eater w Oslo. Jako performerka pracowała m.in. z Alexem Baczyńskim-Jenkinsen, Michele Rizzo, Enadem Maroufem i Eleną Francalanci. Jest autorką projektów choreograficznych i performatywnych, w tym This resting, patience, który od premiery w berlińskim Sophiensæle ugruntował jej pozycję na międzynarodowej scenie tańca współczesnego.
Leah Marojević
Performerka, choreografka, dramaturżka i mentorka artystyczna, pracująca w obszarze tańca współczesnego i performansu. Jej praktyka obejmuje choreografię, performans, działalność pedagogiczną oraz wsparcie i mentoring innych artystów. Realizowała zamówienia choreograficzne m.in. dla Sydney Dance Company (Pre-Professional Year, 2019), London Contemporary Dance School (Graduating Season, 2020), Mass Hysteria Collective (2020) oraz w ramach współpracy z Matilde Cerruti Quara Jupiter Woods (2020). Jako performerka i współtwórczyni współpracowała z wieloma artystami i choreografami międzynarodowej sceny tańca i sztuk wizualnych, m.in. Colette Sadler, Olą Maciejewską, Theo Clinkardem, Jeftą van Dintherem, Megan Rooney, Ewą Dziarnowską, Pauliną Ołowską, Emmilou Rößling, Sarah Browne, Samem Williamsem, Holly Blakey, Joe Moranem oraz zespołem Candoco Dance Company. W 2019 roku współtworzyła The Elsewhen Series we współpracy z Theo Clinkardem, a wcześniej brała udział w realizacjach dla Tanztheater Wuppertal Pina Bausch (2015), Danza Contemporánea de Cuba (2016) oraz Candoco Dance Company (2019).
Krzysztof Bagiński
Artysta dźwiękowy i organizator związany z Polską. Jest współkuratorem cyklu eksperymentalnych koncertów W Brzask (At Dawn) w Warszawie. W swojej praktyce koncentruje się na pracy z dźwiękiem w kontekście choreografii, performansu i działań interdyscyplinarnych. Jako twórca dźwięku blisko współpracuje z artystami tańca i performansu, tworząc kompozycje i środowiska dźwiękowe dla projektów prezentowanych w Polsce i za granicą.
Jacqueline Sobiszewski
Artystka wizualna pracująca z światłem, wideo, filmem i fotografią. Urodzona i wychowana w Niderlandach, absolwentka Wydziału Operatorskiego Państwowej Wyższej Szkoły Filmowej, Telewizyjnej i Teatralnej w Łodzi. W swojej pracy łączy różne techniki wizualne, poszukując nowych języków obrazu w teatrze, performansie, muzyce i sztukach wizualnych, współpracując z reżyserami, choreografami i muzykami oraz realizując projekty autorskie. Jej realizacje były prezentowane m.in. w Nowym Jorku, Los Angeles, Sydney, Londynie, Paryżu, Wiedniu, Madrycie, Lizbonie oraz São Paulo. Była nagradzana i wyróżniana za projekty światła w teatrze międzynarodowym, m.in. za realizację światła do Medei w reżyserii Grzegorza Jarzyny (nagroda na 15. Międzynarodowym Festiwalu Teatrów Małych Form w Rijece, spektakl nagrodzony także austriacką Nagrodą Nestroy) oraz za stworzenie spójnego krajobrazu wizualnego w ramach Międzynarodowego Festiwalu Teatralnego Boska Komedia.
Możliwość zakupu biletu OzN uprawniającego do wstępu na wydarzenie wraz z osobą towarzyszącą
Możliwość wejścia i wyjścia w dowolnym momencie spektaklu
Widownia jest mobilna – publiczności oferowane są różne miejsca na widowni. Performerzy przestawiają krzesła, dodają je lub usuwają wśród widzów. Jeśli chcesz pozostać w jednym miejscu zajmij miejsce pod ścianą. Krzesła ustawione przy ścianach najprawdopodobniej nie będą przestawiane
W jednej części przedstawienia może pojawić się kontakt fizyczny w zwolnionym tempie z publicznością (np. położenie głowy performerki na stopie lub kolanach widza)
W spektaklu wykorzystywana jest głośna muzyka i dźwięk. Sporadycznie mogą występować nagłe zmiany głośności.
Wykorzystywane jest zarówno jasne, jak i ciemne oświetlenie
Może być używane migoczące światło (bez efektu stroboskopowego)
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Stary Browar. Słodownia +3
THIS RESTING, PATIENCE
19:00
/ Taniec
Stary Browar. Słodownia +3
czytaj więcej
Efekty Specjalne brawurowo zamienią ulicę Półwiejską w plan filmowy realizowany na żywo! Plenerowy projekt argentyńskiego duetu Luciana Acuña & Alejo Moguillansky, rozgrywa się wśród przechodniów, łącząc choreografię, działania performatywne i język kina w jedno, dynamiczne wydarzenie, którego musisz doświadczyć.
Jak powstaje film akcji? Zobaczysz to na Malcie! Efekty Specjalne rozegrają się w przestrzeni miejskiej, na ulicy Półwiejskiej, która na czas trwania spektaklu zacznie funkcjonować jak plan filmowy. Artyści będą pracować na żywo, budując sceny z udziałem performerów, tancerzy i publiczności, która wejdzie w role statystów, świadków i współtwórców.
Projekt będzie operował językiem kina akcji, ale jego konstrukcja pozostanie otwarta – kolejne sytuacje będą powstawać w czasie rzeczywistym, reagując na przestrzeń, ruch i obecność publiczności. Znane elementy filmowej narracji – napięcie, tempo, powtórzenie, synchronizacja – zostaną przeniesione do rzeczywistości ulicy i poddane działaniu przypadkowości.
Istotną rolę odegra tu muzyka grana na żywo przez DJ-a, która wyznaczy rytm i dynamikę zdarzeń. Dźwięk zorganizuje przestrzeń i wpłynie na sposób, w jaki poruszać się będą zarówno performerzy, jak i widzowie.
Efekty Specjalne to spektakl, który zagarnia przestrzeń miasta. Półwiejska nie będzie jego tłem, ale aktywnym elementem działania – miejscem, w którym codzienność zostanie chwilowo przepisana na język filmu i wspólnego doświadczenia.
Dofinansowano ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego pochodzących z Funduszu Promocji Kultury.
Dofinansowano ze środków budżetowych Miasta Poznania. #poznanwspiera
Wydarzenie odbywa się na otwartej przestrzeni; ulica Półwiejska jest miejscem o dużym natężeniu ruchu pieszego; występują naturalne odgłosy miasta;
Wydarzenie częściowo odbywa się w ruchu
Z uwagi na brak statycznej widowni nie jesteśmy w stanie przedstawić wszystkich możliwych do wystąpienia barier architektonicznych
EFEKTY SPECJALNE
19:30
/ Plener
Ulica Półwiejska
czytaj więcej
Zapraszamy na premierę projektu Past Simple, który jest efektem pracy rezydentek: Alicji Cieryt i Zuzanny Jeglorz w Polskim Teatrze Tańca w ramach programu Narodowy Instytut Muzyki i Tańca Tancerz – rezydent – edycja 2025/2026.
Dwie postaci zanurzają się w przestrzeni wspomnień, gdzie przedmioty, gesty i emocje powracają jak echa minionych chwil. Spektakl to opowieść o tym, co było – i o tym, co wciąż nie chce odejść. Twórczynie przyglądają się naturze sentymentu – jego sile, ciężarowi i ulotności. Rozważają, czy trzymanie się tego, co było, pozwala ocalić to na zawsze – czy raczej odbiera przestrzeń na to, co dopiero może się wydarzyć. Past Simple zaprasza do zatrzymania się w kruchym momencie pomiędzy zachowaniem a utratą.
Rezydencja jest współorganizowana przez Narodowy Instytut Muzyki i Tańca w ramach Programu Tancerz Rezydent, współfinansowany ze środków Ministerstwa Kultury i Dziedzictwa Narodowego.
PAST SIMPLE
20:00
/ Wydarzenia towarzyszące
Polski Teatr Tańca
czytaj więcej
Stary Rynek jako scena opery? Oczywiście! Opera na chwilę to plenerowy projekt autorstwa Dirka Opstaele, z którym słoweński Bunker przenosi operę w przestrzeń miasta. Spektakl rozgrywa się wśród codziennych sytuacji, w których nagle pojawia się śpiew i muzyka, zmieniając znane miejsca w scenę.
Opera na chwilę rozwija się w przestrzeni miejskiej jako seria krótkich, nieoczekiwanych zdarzeń. Punktem wyjścia są sytuacje codzienne – przejście przez rynek, rozmowa, praca – które stopniowo zaczynają przechodzić w formę operową. Głos pojawia się tam, gdzie nie jest oczekiwany, a zwykłe gesty zyskują inny ciężar i znaczenie.
Spektakl nie wyznacza wyraźnej granicy między sceną a widownią. Przestrzeń miasta staje się miejscem działania, a osoby znajdujące się w jej obrębie – uczestnikami wydarzenia, niezależnie od tego, czy są świadome jego struktury.
Forma opiera się na prostym mechanizmie: przekształceniu codzienności poprzez muzykę i obecność performera. To, co znane i powtarzalne, zostaje na chwilę przesunięte – z rzeczywistości w stronę fikcji, z obserwacji w stronę doświadczenia.
Opera na chwilę działa jako interwencja w przestrzeni publicznej – krótkotrwała, ale wyraźna. Zostawia po sobie zmianę w sposobie patrzenia na miejsce i sytuację, która jeszcze przed chwilą wydawała się zwyczajna.Dofinansowano ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego pochodzących z Funduszu Promocji Kultury.
Dofinansowano ze środków budżetowych Miasta Poznania. #poznanwspiera
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie: Stary Rynek
OPERA NA CHWILĘ
20:00
/ Plener
Stary Rynek w Poznaniu
czytaj więcej
Charlie Cunningham po raz pierwszy wystąpi w Polsce podczas Malta Festival. 27 czerwca brytyjski wokalista i gitarzysta pojawi się na scenie muzycznej festiwalu w Międzynarodowych Targach Poznańskich, prezentując swoje charakterystyczne połączenie subtelnej gry na gitarze klasycznej z melancholijną, rytmiczną formą piosenki. Jego utwory zgromadziły ponad pół miliarda odtworzeń w serwisach streamingowych, a sam artysta regularnie występuje w najbardziej prestiżowych salach koncertowych w Europie.
Muzyka Cunninghama rozwija się na styku akustycznej wrażliwości i współczesnego songwritingu. W jego kompozycjach subtelne aranżacje i oszczędna produkcja łączą się z wyrazistymi melodiami i charakterystycznym, ciepłym brzmieniem gitary, tworząc intymną, skupioną atmosferę koncertu.
W sobotni wieczór Charlie Cunningham pojawi się na scenie przed koncertem Beirut.
Charlie Cunningham jest jednym z najciekawszych współczesnych brytyjskich songwriterów, łączącym akustyczną wrażliwość z nowoczesną formą piosenki.
Muzyka Charliego Cunninghama rozwija się na styku akustycznej subtelności i współczesnego songwritingu. Brytyjski artysta buduje swoje utwory wokół brzmienia gitary nylonowej, tworząc kompozycje o wyraźnie prowadzonym rytmie, a zarazem melancholijnym, introspektywnym charakterze.
Istotny wpływ na jego styl miał kilkuletni pobyt w Sewilli, gdzie Cunningham intensywnie pracował nad techniką gitarową i zetknął się z tradycją flamenco. Doświadczenie to pozostawiło ślad w jego twórczości – w sposobie prowadzenia melodii, rytmice utworów i charakterystycznym brzmieniu instrumentu.
Jego kompozycje rozwijają się w spokojnym tempie, opierając się na oszczędnych aranżacjach i wyraźnej relacji między głosem a instrumentem. Dzięki temu koncerty Cunninghama mają kameralny, skupiony charakter, w którym najważniejsze staje się napięcie między ciszą a dźwiękiem. Koncert na Malta Festival będzie pierwszą okazją, by usłyszeć go na żywo w Polsce.
O ARTYŚCIE:
Charlie Cunningham jest jednym z tych artystów, których sukces rozwijał się niemal poza głównym nurtem. Dzieląc czas między fortepian a gitarę klasyczną z nylonowymi strunami, tworzy melancholijne, a jednocześnie rytmiczne piosenki, dzięki którym stał się stałym gościem najbardziej prestiżowych sal koncertowych w Europie.
Choć z powodu dysleksji czytanie nut było dla niego niemal niemożliwe, Cunningham ukończył studia muzyczne. Około dwudziestego piątego roku życia pracował w różnych dorywczych zawodach, a w wolnym czasie pisał piosenki. Przełomem okazała się przeprowadzka do Sewilli, gdzie zanurzył się w świecie flamenco i intensywnie rozwijał swoją technikę gitarową. Planował zostać tam trzy miesiące – został trzy lata. Po powrocie do domu grał w barach w Londynie i Oksfordzie, stopniowo wracając do pisania własnych piosenek. Od tego czasu wydał trzy albumy i cztery EP-ki, które łącznie zgromadziły ponad pół miliarda odtworzeń w serwisach streamingowych.
Jego najnowszy album In Light to subtelne połączenie organicznej, pulsującej produkcji, wyrazistych melodii i charakterystycznej, mistrzowskiej gry na gitarze. Aranżacje są oszczędne, ale pełne dynamiki – naturalnie podążają za jego głosem, pojawiają się w nich nieoczekiwane zmiany tonacji, momenty delikatnego przesteru i nastrojowe, przestrzenne brzmienia. Przy płycie współpracowali m.in. Leo Abrahams (znany ze współpracy z Brianem Eno), który dograł partie gitary elektrycznej, perkusista Liam Hutton, a za produkcję i miks odpowiada Luke Smith (Keaton Henson, Foals, Everything Everything). Za oprawę wizualną albumu odpowiada Gary Barber.
Program koncertowy Malta Festival potrwa cztery dni, a każdego dnia na scenie zobaczymy aż trzy koncerty.
25.06 – MARO, Devendra Banhart, Benjamin Clementine
26.06 – HAAi, The Blessed Madonna, The Blaze (DJ-set)
27.06 – Efterklang, Charlie Cunningham, Beirut
28.06 – King No-One, Kacperczyk, Two Door Cinema Club
Bilety w sprzedaży na eBilet.pl
18:00 Drzwi
19:00 Efterklang
20:30 Charlie Cunningham
22:15 Beirut
Możliwość zakupu biletu OzN uprawniającego do wstępu na wydarzenie wraz z osobą towarzyszącą
Dostępny sektor – aby skorzystać z dostępnego sektora należy posiadać bilet OzN lub zgłosić potrzebę skorzystania z miejsca siedzącego wysyłając maila na adres: natalia.dabrowska@malta-festival.pl i otrzymać z ww. adresu potwierdzenie rezerwacji miejsca
CHARLIE CUNNINGHAM
20:30
/ Muzyka, Koncert
MTP, “Hala numer 6”
czytaj więcej
Kino kobiet to cykl pokazów filmowych i spotkań, podczas których kino staje się punktem wyjścia do rozmowy o relacjach, emocjach i doświadczeniach współczesnego świata.
Dom dobry zaczyna się jak historia wielkiej miłości, ale szybko zamienia się w przejmującą opowieść o przemocy ukrytej za fasadą pozornie idealnego życia. Wojciech Smarzowski zagląda za zamknięte drzwi „dobrych domów”, stawiając pytania o granice miłości, milczenia i odpowiedzialności.
Po seansie odbędzie się spotkanie z Joanna Gryza-Iskandar, ekspertką z Fundacji Feminoteka, oraz z reżyserem Wojciechem Smarzowskim.
Kiedy Gośka (Agata Turkot) poznaje w internecie Grześka (Tomasz Schuchardt), jest przekonana, że to w końcu Ten Jedyny. Grzesiek wariuje na jej punkcie, obsypuje kwiatami, oświadcza się w Wenecji. To musi być miłość, prawda? Ale na tym perfekcyjnym obrazku szybko zaczynają pojawiać się rysy. Wkrótce ich wspólny dom staje się dla Gośki najniebezpieczniejszym z miejsc. Smarzowski zagląda do „dobrych domów”, gdzie dzieją się rzeczy, o których większość woli milczeć. Dom dobry to film o granicach miłości, którego nie da się zapomnieć.
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Park Starego Browaru
KINO KOBIET: DOM DOBRY
21:30
/ Film, Panel
Park Starego Browaru
czytaj więcej
Beirut, projekt Zacha Condona – kompozytora, wokalisty i multiinstrumentalisty – rozpoczął swoją drogę od Gulag Orkestar (2006), który przyniósł mu natychmiastową i międzynarodową rozpoznawalność. Nagrany praktycznie samodzielnie, pełen bałkańskich inspiracji, nostalgii i zręcznie budowanych aranżacji, do dziś uznawany jest za jedno z najważniejszych wydawnictw w muzyce niezależnej. Dzięki niemu dał się poznać charakterystyczny styl Condona – ciepły, akustyczny, emocjonalny i głęboko zakorzeniony w umiłowaniu instrumentów z odległych, często kulturowo, punktów na mapie świata.
W kolejnych latach Beirut rozwijał swoje muzyczne uniwersum – od orkiestralnych aranżacji The Flying Club Cup (2007), przez minimalistyczną intymność No No No (2015), po nastrojowy, inspirowany podróżami po Europie, nagrany na odległej norweskiej wyspie i nazwany na jej cześć album Hadsel (2023).
Najświeższy rozdział w twórczości Condona, A Study of Losses (2025), to niezwykle przestrzenne brzmienie zanurzone w chórach i renesansowych harmoniach. Album powstał na zaproszenie szwedzkiego cyrku Kompani Giraff jako ilustracja do ich spektaklu inspirowanego książką An Inventory of Losses Judith Schalansky. A Study of Losses, to muzyczna ilustracja, dialog z pamięcią, melancholią i światłem. Wydawnictwo, jest jednocześnie najbardziej rozbudowanym dziełem Condona i naturalnym rozwinięciem niezwykle ciepłego i bogatego instrumentalnie brzmienia, z którego jest znany i ceniony.
Beirut powraca na scenę Malta Festival w wielkim stylu, artysta zagrał tu w swój pierwszy koncert w Polsce w 2007 roku.
Program koncertowy Malta Festival potrwa cztery dni, a każdego dnia na scenie zobaczymy aż trzy koncerty.
25.06 – MARO, Devendra Banhart, Benjamin Clementine
26.06 – HAAi, The Blessed Madonna, The Blaze (DJ-set)
27.06 – Efterklang, Charlie Cunningham, Beirut
28.06 – King No-One, Kacperczyk, Two Door Cinema Club
Bilety w sprzedaży na eBilet.pl
18:00 Drzwi
19:00 Efterklang
20:30 Charlie Cunningham
22:15 Beirut
Możliwość zakupu biletu OzN uprawniającego do wstępu na wydarzenie wraz z osobą towarzyszącą
Dostępny sektor – aby skorzystać z dostępnego sektora należy posiadać bilet OzN lub zgłosić potrzebę skorzystania z miejsca siedzącego wysyłając maila na adres: natalia.dabrowska@malta-festival.pl i otrzymać z ww. adresu potwierdzenie rezerwacji miejsca
BEIRUT
22:15
/ Muzyka, Koncert
MTP, “Hala numer 6”
czytaj więcej
28.06/niedziela
Wasi ulubieńcy znów zagrają na ulicach i placach Poznania!
Legendarny sygnał Malta Festival, autorstwa Jerzego Satanowskiego, dźwiękiem trąbki wyznaczył dominantę muzyczną Festiwalu, poruszającą ulice. W czerwcu włoska orkiestra uliczna BANDAKADABRA po raz kolejny będą zaskakiwać mieszkańców i mieszkanki w niecodziennych miejskich przestrzeniach – zapraszając do zabawy i do tańca w różnych lokalizacjach Poznania.
Bandakadarba
Carlo Petrini, dziennikarz i założyciel ruchu Slow Food, nazwał ich „miejską fanfarą” – trafne określenie dla zespołu, który uczynił miasto swoim naturalnym tłem, a ulicę nie tylko sceną występów, ale też źródłem inspiracji. Dęciaki i perkusje – to ich język.
Potężna, marszowa energia, która z rozmachem opanowuje każdy styl muzyczny, niosąc ze sobą falę żywiołowości i dobrej zabawy.
Powstała w Turynie Bandakadabra prowadzi intensywną działalność koncertową, która zaprowadziła ją na sceny całej Europy i przyniosła rosnące zainteresowanie fanów.
Od Paleo Festival po Suoni delle Dolomiti, przez Jazz sous les pommiers, Premio Tenco, Festival della Mente czy Musiculturę – w zaledwie kilka lat zagrali ponad czterysta koncertów: na festiwalach teatralnych i muzycznych, w przestrzeni ulicznej i na prywatnych wydarzeniach, zdobywając reputację zespołu jedynego w swoim rodzaju.
Dofinansowano ze środków budżetowych Miasta Poznania. #poznanwspiera
ZA MIŁOŚĆ! ❤️
Wydarzenie bez słów
Wydarzenie odbywa się na otwartej przestrzeni; występują naturalne odgłosy miasta
Wydarzenie częściowo odbywa się w ruchu
Z uwagi na brak statycznej widowni nie jesteśmy w stanie przedstawić wszystkich możliwych do wystąpienia barier architektonicznych
MUZYKA NA ULICACH: BANDAKADABRA
/ Muzyka, Plener
Poznań
czytaj więcej
Poranki Malta Festival ponownie rozpoczną się od jogi. W dniach koncertów na Scenie Muzycznej Malty zapraszamy na wspólną praktykę inspirowaną rytmem festiwalu i muzyką artystów występujących na Międzynarodowych Targach Poznańskich.
To moment na złapanie oddechu, rozciągnięcie ciała i spokojne wejście w dzień przed wieczornymi koncertami. Zajęcia są otwarte dla wszystkich – niezależnie od doświadczenia i poziomu zaawansowania.
Festiwalowa joga będzie oparta na łagodnej praktyce hatha jogi, skupionej na oddechu, równowadze i uważnym ruchu. Tempo zajęć pozostanie spokojne, a kolejne pozycje będą prowadzić raczej do rozluźnienia i regeneracji niż intensywnego wysiłku.
Tegoroczna edycja połączy praktykę z muzyką artystów występujących tego samego dnia na Scenie Muzycznej Malta Festival, tworząc poranne doświadczenie inspirowane atmosferą festiwalu i rytmem koncertowych dni.
Każde spotkanie będzie skupione na innym obszarze pracy z ciałem:
– 25 czerwca – praktyka dla każdego skoncentrowana na obszarze bioder
– 26 czerwca – praktyka dla każdego skupiona na otwarciu klatki piersiowej i wzmocnieniu pleców
– 27 czerwca – praktyka dla każdego skupiona na rozciągnięciu tylnej taśmy ciała
– 28 czerwca – praktyka dla każdego nastawiona na rozluźnienie po całym tygodniu festiwalowania
Zajęcia skierowane są zarówno do osób praktykujących jogę regularnie, jak i tych, które chcą spróbować jej po raz pierwszy. Wystarczy wygodny strój, mata i chwila czasu dla siebie.
Partnerem wydarzenia jest Kuchnia Vikinga. Po każdych zajęciach dostępna będzie także strefa regeneracji z przekąskami i koktajlami, które pozwolą odzyskać energię po treningu.
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie: Klub Festiwalowy
JOGA NA TARASIE
10:00
/ Inne
Klub Festiwalowy
czytaj więcej
Na wystawie zostaną zaprezentowane przykłady procesów ideowych i projektowych w postaci rysunków, analiz i modeli przestrzennych, prowadzących do powstania spektakli teatralnych prezentowanych, między innymi, w ramach Festiwalu „Malta”. Niektóre z wymienionych materiałów są częścią historii tego wydarzenia a dodatkowym uzupełnieniem są materiały fotograficzne ze spektakli. Prezentowane w postaci reprodukcji prace rysunkowe są w oryginale własnością Muzeum Śląskiego w Katowicach.
Część druga wystawy zaprezentuje cykle rysunkowe będące rodzajem „spektaklu potencjalnego” (in potentia) bez stanu realizacji. Ten rysunkowy materiał odnosi się częściowo do profetycznego dzieła literackiego Janusza Andrzeja Zajdla pt ”Limes Inferior” z 1979 roku będącego formą fantastyki socjologicznej osadzoną w przestrzeniach dystopijnego miasta Argoland. Pozostałe cykle rysunkowe są samodzielnymi autonomicznymi bytami rysunkowymi wynikającymi z wewnętrznej intuicji przestrzennej i formalnej autora.
Bohdan Cieślak – architekt wnętrz, scenograf, rysownik i malarz. Autor ponad 30stu scenografii teatralnych realizowanych na ważnych polskich scenach teatru dramatycznego, tańca i animacji. Współpraca z takimi twórcami jak Lech Raczak (wieloletni dyrektor artystyczny Międzynarodowego Festiwalu „Malta” w Poznaniu) czy Ewa Wycichowska (dyrektorka Polskiego Teatru Tańca w Poznaniu) Jego prace scenograficzne w postaci rysunków, projektów i makiet scenograficznych w liczbie kilkuset obiektów są częścią zbiorów Muzeum Śląskiego w Katowicach (Centrum Scenografii Polskiej) i były eksponowane podczas indywidualnych wystaw autora w Muzeum Śląskim oraz w Muzeum Narodowym w Poznaniu. Brał on również udział w wystawie zbiorowej pt „Wirtuozi wyobraźni. Rysunki przestrzeni i postaci artystów współczesnych ze zbiorów Muzeum Śląskiego” obok takich twórców jak Tadeusz Kantor, Jerzy Skarżyński, Jerzy Gurawski, Jan Berdyszak, Janusz Wiśniewski czy Jadwiga Mydlarska – Kowal.
PRZESTRZENIE SPEKTAKLU
10:00
Centrum Festiwalowe. Galeria Nowa Scena UAP
czytaj więcej
Very Very Hamlet nie rekonstruuje fabuły Szekspira. Zamiast tego wyciąga Hamleta z prosektoryjnej chłodni i sprawdza, czy tę postać da się jeszcze zagrać. Od wieków kolejne ciała i kolejne wcielenia zostawiają po sobie ślady, jednocześnie coraz bardziej rozszczelniając pierwowzór.
Spektakl Knapik i Kowańskiej staje się gotycko-trashową kapsułą czasu, w której patos miesza się z groteską, a współczesny język pasożytuje na szekspirowskiej frazie. Teatr funkcjonuje tu jako przestrzeń reprodukcji gestów, głosów i wyobrażeń – miejsce, w którym aktorzy nieustannie przymierzają role, cytują je, przetwarzają i porzucają.
Spektakl nie rekonstruuje fabuły Szekspira, zamiast tego wyciąga bohatera z prosektoryjnej chłodni, by sprawdzić: czy to jeszcze da się zagrać? Od wieków setki, tysiące i miliony ciał dźwigają ikoniczną postać Hamleta. Każde jego kolejne wcielenie zostawia po sobie ślad, ale także rozrzedza pierwowzór. Very Very Hamlet to gotycko-trashowa kapsuła czasu, w której ciało Hamleta poddawane jest performatywnej sekcji zwłok.
W klasycznym Hamlecie trup ściele się gęsto. Śmierć jest tam antycypowana, zanurzona w metafizyce. Rozważając sens istnienia, bohater rozszerza ją do kosmicznych rozmiarów, a w finale dramatu ciała padają jak muchy, bezbronne wobec trucizny i szpady.
Prędkość z jaką giną bohaterowie jest niemal zabawna. Śmiech i śmierć różni zaledwie parę liter…
Akty te są do siebie podejrzanie podobne, oba otwierają usta, zatrzymują oddech, wytrącają ciało z równowagi. Jeden jest wybuchem życia, drugi jego końcem, ale z zewnątrz potrafią wyglądać niemal tak samo. W obu przypadkach ludzkie ciało staje się niepoważne – albo na chwilę, albo na zawsze.
Na scenie można umierać bezkarnie, wielokrotnie, dlatego Very Very Hamlet to funeralna petarda: kompulsywny remix ciał i tożsamości, podbity absurdalnym poczuciem humoru i groteskową formą. Patos miesza się tutaj z komedią, współczesny język pasożytuje na szekspirowskiej frazie.
Knapik i Kowańska budują scenę jako palimpsest reprezentacji. Teatr w tym przedstawieniu to miejsce reprodukcji gestów i kompleksów, głosów i odgłosów. Aktorzy są tutaj jednocześnie pionkami i szachownicą. Przymierzają role, cytują je, przetwarzają i porzucają.
Spektakl dla widzów powyżej 18. roku życia.
spektakl odbywa się w Malarni
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Teatr Polski w Poznaniu
VERY VERY HAMLET
12:00
/ Teatr
Teatr Polski w Poznaniu
czytaj więcej
Stary Rynek jako scena opery? Oczywiście! Opera na chwilę to plenerowy projekt autorstwa Dirka Opstaele, z którym słoweński Bunker przenosi operę w przestrzeń miasta. Spektakl rozgrywa się wśród codziennych sytuacji, w których nagle pojawia się śpiew i muzyka, zmieniając znane miejsca w scenę.
Opera na chwilę rozwija się w przestrzeni miejskiej jako seria krótkich, nieoczekiwanych zdarzeń. Punktem wyjścia są sytuacje codzienne – przejście przez rynek, rozmowa, praca – które stopniowo zaczynają przechodzić w formę operową. Głos pojawia się tam, gdzie nie jest oczekiwany, a zwykłe gesty zyskują inny ciężar i znaczenie.
Spektakl nie wyznacza wyraźnej granicy między sceną a widownią. Przestrzeń miasta staje się miejscem działania, a osoby znajdujące się w jej obrębie – uczestnikami wydarzenia, niezależnie od tego, czy są świadome jego struktury.
Forma opiera się na prostym mechanizmie: przekształceniu codzienności poprzez muzykę i obecność performera. To, co znane i powtarzalne, zostaje na chwilę przesunięte – z rzeczywistości w stronę fikcji, z obserwacji w stronę doświadczenia.
Opera na chwilę działa jako interwencja w przestrzeni publicznej – krótkotrwała, ale wyraźna. Zostawia po sobie zmianę w sposobie patrzenia na miejsce i sytuację, która jeszcze przed chwilą wydawała się zwyczajna.Dofinansowano ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego pochodzących z Funduszu Promocji Kultury.
Dofinansowano ze środków budżetowych Miasta Poznania. #poznanwspiera
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie: Stary Rynek
OPERA NA CHWILĘ
12:15
/ Plener
Stary Rynek w Poznaniu
czytaj więcej
Kameralne spotkanie z udziałem dziesięciu partnerów scenicznych Magdaleny Cieleckiej, którzy podejmą próbę zmierzenia się z tym, co wydarzyło się chwilę wcześniej podczas spektaklu „Second Woman”.
Rozmowa będzie dotyczyć relacji, emocji i doświadczeń obecnych zarówno na scenie, jak i poza nią. Punktem wyjścia staną się osobiste refleksje uczestników związane ze związkami oraz momentami życiowej zmiany, a także wzorce przepraszania i męskości, które uruchomił udział w projekcie.
Interesuje nas nie tyle sam performans, co to, co pozostawił po sobie w uczestnikach. Spotkanie będzie próbą przyjrzenia się temu, jak mężczyźni przeżywają emocjonalną obecność, bliskość i kontakt z drugim człowiekiem; co ich porusza, z czym się konfrontują i jak to wpływa na ich sposób myślenia o sobie, o relacjach i o współczesnej męskości.
Rozmowa nie będzie miała z góry ustalonego scenariusza. Istotnym elementem stanie się wzajemne słuchanie, reagowanie na historie innych uczestników i budowanie refleksji w odpowiedzi na usłyszane doświadczenia. Nie będzie to debata ekspercka ani klasyczny panel dyskusyjny, lecz otwarte spotkanie poświęcone emocjom, relacjom i różnym sposobom przeżywania męskości.
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Klub Festiwalowy
BEZ SCENARIUSZA: RELACJE MĘŻCZYZN PO „SECOND WOMAN”
15:00
Klub Festiwalowy
czytaj więcej
Stary Rynek jako scena opery? Oczywiście! Opera na chwilę to plenerowy projekt autorstwa Dirka Opstaele, z którym słoweński Bunker przenosi operę w przestrzeń miasta. Spektakl rozgrywa się wśród codziennych sytuacji, w których nagle pojawia się śpiew i muzyka, zmieniając znane miejsca w scenę.
Opera na chwilę rozwija się w przestrzeni miejskiej jako seria krótkich, nieoczekiwanych zdarzeń. Punktem wyjścia są sytuacje codzienne – przejście przez rynek, rozmowa, praca – które stopniowo zaczynają przechodzić w formę operową. Głos pojawia się tam, gdzie nie jest oczekiwany, a zwykłe gesty zyskują inny ciężar i znaczenie.
Spektakl nie wyznacza wyraźnej granicy między sceną a widownią. Przestrzeń miasta staje się miejscem działania, a osoby znajdujące się w jej obrębie – uczestnikami wydarzenia, niezależnie od tego, czy są świadome jego struktury.
Forma opiera się na prostym mechanizmie: przekształceniu codzienności poprzez muzykę i obecność performera. To, co znane i powtarzalne, zostaje na chwilę przesunięte – z rzeczywistości w stronę fikcji, z obserwacji w stronę doświadczenia.
Opera na chwilę działa jako interwencja w przestrzeni publicznej – krótkotrwała, ale wyraźna. Zostawia po sobie zmianę w sposobie patrzenia na miejsce i sytuację, która jeszcze przed chwilą wydawała się zwyczajna.Dofinansowano ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego pochodzących z Funduszu Promocji Kultury.
Dofinansowano ze środków budżetowych Miasta Poznania. #poznanwspiera
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie: Stary Rynek
OPERA NA CHWILĘ
15:15
/ Plener
Stary Rynek w Poznaniu
czytaj więcej
Very Very Hamlet nie rekonstruuje fabuły Szekspira. Zamiast tego wyciąga Hamleta z prosektoryjnej chłodni i sprawdza, czy tę postać da się jeszcze zagrać. Od wieków kolejne ciała i kolejne wcielenia zostawiają po sobie ślady, jednocześnie coraz bardziej rozszczelniając pierwowzór.
Spektakl Knapik i Kowańskiej staje się gotycko-trashową kapsułą czasu, w której patos miesza się z groteską, a współczesny język pasożytuje na szekspirowskiej frazie. Teatr funkcjonuje tu jako przestrzeń reprodukcji gestów, głosów i wyobrażeń – miejsce, w którym aktorzy nieustannie przymierzają role, cytują je, przetwarzają i porzucają.
Spektakl nie rekonstruuje fabuły Szekspira, zamiast tego wyciąga bohatera z prosektoryjnej chłodni, by sprawdzić: czy to jeszcze da się zagrać? Od wieków setki, tysiące i miliony ciał dźwigają ikoniczną postać Hamleta. Każde jego kolejne wcielenie zostawia po sobie ślad, ale także rozrzedza pierwowzór. Very Very Hamlet to gotycko-trashowa kapsuła czasu, w której ciało Hamleta poddawane jest performatywnej sekcji zwłok.
W klasycznym Hamlecie trup ściele się gęsto. Śmierć jest tam antycypowana, zanurzona w metafizyce. Rozważając sens istnienia, bohater rozszerza ją do kosmicznych rozmiarów, a w finale dramatu ciała padają jak muchy, bezbronne wobec trucizny i szpady.
Prędkość z jaką giną bohaterowie jest niemal zabawna. Śmiech i śmierć różni zaledwie parę liter…
Akty te są do siebie podejrzanie podobne, oba otwierają usta, zatrzymują oddech, wytrącają ciało z równowagi. Jeden jest wybuchem życia, drugi jego końcem, ale z zewnątrz potrafią wyglądać niemal tak samo. W obu przypadkach ludzkie ciało staje się niepoważne – albo na chwilę, albo na zawsze.
Na scenie można umierać bezkarnie, wielokrotnie, dlatego Very Very Hamlet to funeralna petarda: kompulsywny remix ciał i tożsamości, podbity absurdalnym poczuciem humoru i groteskową formą. Patos miesza się tutaj z komedią, współczesny język pasożytuje na szekspirowskiej frazie.
Knapik i Kowańska budują scenę jako palimpsest reprezentacji. Teatr w tym przedstawieniu to miejsce reprodukcji gestów i kompleksów, głosów i odgłosów. Aktorzy są tutaj jednocześnie pionkami i szachownicą. Przymierzają role, cytują je, przetwarzają i porzucają.
Spektakl dla widzów powyżej 18. roku życia.
spektakl odbywa się w Malarni
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Teatr Polski w Poznaniu
VERY VERY HAMLET
17:00
/ Teatr
Teatr Polski w Poznaniu
czytaj więcej
To monumentalne, powstające przez kilkanaście lat, dzieło nagrodzone Angelusem jest jedną z najbardziej interesujących nowych powieści wydanych w Polsce.
Pulverkopf to złożona, intertekstualna próba poszukiwania własnej tożsamości, scalenia jej z różnych wątków, rozgrywających się na wielu planach czasowych i przestrzennych. Poprzez zgromadzone w powieści archiwum zapisków, szkiców, notatek i przypadkowych zdjęć, główny bohater Patryk Werhunt pragnie dotrzeć do źródeł własnej tożsamości, ułożyć ją niczym perecowską układankę i w końcu zrozumieć siebie. Tam jednak, gdzie pojawiają się brakujące elementy faktografii, swoiste luki w historii, pojawia się też wyobraźnia, która przynosi paradoksalne odkrycia. To za jej pośrednictwem nieustanna gra z własną tożsamością przybiera formę autokreacji, dotkliwej, bo podyktowanej chorobą i procesem umierania.
Tekst zapleciony na historii życia kompozytora Norberta von Hanneheima to konsekwentny wybór reżyserki zafascynowanej tworzeniem teatralnych esejów o poszukiwaniu tożsamości i napięć między biografią i twórczością.
Informacja o fabule powieści:
Patryk Werhunt, nastoletni bohater, dorasta w Międzyrzeczu (Meseritz), jednym z najstarszych polskich miast, zagarniętym przez Niemców i wyzwolonym w 1945 r. Pewnego dnia trafia na pływające w Obrze ciało jednego z sąsiadów. Okoliczności śmierci są niejasne, a cień podejrzenia pada na wkraczającego w dorosłość chłopaka. Traumatyczne wydarzenie staje się pretekstem do snucia rozległej i skomponowanej misternie niczym fuga opowieści o splątanych losach: Polaków, Żydów, Niemców, Sowietów oraz ich potomków. Opowieści, której motywem przewodnim jest obsesyjne poszukiwanie prawdy o losach niemieckiego kompozytora Norberta von Hannenheima.
Misternie skonstruowana, wciągająca, wielopoziomowa, intertekstualna… trzeba powiedzieć wprost i krótko: Pulverkopf Pasewicza to powieść wybitna. Być może jedna z najlepszych, jak nie najwybitniejsza polska powieść ostatnich lat.
Jeśli czekaliście i czekałyście na “wielką polską powieść”, która opowie o naszych, polskich problemach z historią i tożsamością, w której zarówno postaci męskie jak i kobiece będą napisane tak, że na długo zostaną wam pod powiekami, oto jest – pisał Wojciech Szot.
spektakl odbywa się na Dużej Scenie.
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Teatr Polski w Poznaniu
PULVERKOPF
18:00
/ Teatr
Teatr Polski w Poznaniu
czytaj więcej
King No-One wystąpi 28 czerwca na Malta Festival. Brytyjski zespół z Leeds buduje swoją muzykę na styku indie rocka, popu i alternatywy, łącząc chwytliwe melodie z gitarową energią i bezpośrednim brzmieniem.
Ich utwory opierają się na dynamice i wyraźnym przekazie — od bardziej kameralnych momentów po pełne, energetyczne formy. Na scenie King No-One stawia na bliski kontakt z publicznością i intensywność, która szybko udziela się słuchaczom.
King No-One to brytyjski zespół indie rockowy pochodzący z Leeds, działający od 2013 roku, który od początku buduje swoją tożsamość poza głównym nurtem. Ich muzyka wyrasta z doświadczeń i realiów, które znajdują bezpośrednie odbicie w tekstach i brzmieniu – bezpośrednim, szczerym i mocno osadzonym w tym, skąd pochodzą.
Zespół zaczynał od ulicznego grania, a kolejne lata spędził na intensywnym koncertowaniu i wydawaniu singli, zyskując coraz większe grono słuchaczy. To, jak otwarcie podchodzą do własnej tożsamości i tematów, które poruszają, wyraźnie wyróżnia ich na scenie niezależnej.
Ich muzyka łączy elementy indie rocka, popu i alternatywy, opierając się na wyrazistych melodiach, gitarowym brzmieniu i bezpośrednim przekazie. Brzmienie King No-One budują energetyczne riffy, wyraziste rytmy i narracyjne teksty, które nadają utworom emocjonalną intensywność.
Na scenie przekłada się to na koncerty surowe, szczere i bardzo energetyczne – oparte na bliskim kontakcie z publicznością i energii, która szybko udziela się słuchaczom.
Program koncertowy Malta Festival potrwa cztery dni, a każdego dnia na scenie zobaczymy aż trzy koncerty.
25.06 – MARO, Devendra Banhart, Benjamin Clementine
26.06 – HAAi, The Blessed Madonna, The Blaze (DJ-set)
27.06 – Efterklang, Charlie Cunningham, Beirut
28.06 – King No-One, Kacperczyk, Two Door Cinema Club
Bilety w sprzedaży na eBilet.pl
8:00 Drzwi
19:00 King No-One
20:30 Kacperczyk
22:15 Two Door Cinema Club
Możliwość zakupu biletu OzN uprawniającego do wstępu na wydarzenie wraz z osobą towarzyszącą
Dostępny sektor – aby skorzystać z dostępnego sektora należy posiadać bilet OzN lub zgłosić potrzebę skorzystania z miejsca siedzącego wysyłając maila na adres: natalia.dabrowska@malta-festival.pl i otrzymać z ww. adresu potwierdzenie rezerwacji miejsca
KING NO-ONE
19:00
/ Muzyka, Koncert
MTP, “Hala numer 6”
czytaj więcej
This resting, patience Ewy Dziarnowskiej to trzygodzinny spektakl choreograficzny funkcjonujący na styku performansu i instalacji. Od premiery w berlińskim Sophiensæle praca była prezentowana na najważniejszych festiwalach i scenach tańca w Europie, a pokaz na Malta Festival będzie jej pierwszą prezentacją w Polsce. Spektakl odchodzi od klasycznego modelu oglądania tańca, proponując doświadczenie oparte na trwaniu w czasie, a nie na narracji czy zamkniętej dramaturgii.
Dziarnowska buduje otwartą strukturę, w której sens wyłania się z uważnej obserwacji ruchu i relacji między ciałami. Performerki pozostają w nieustannym ruchu, a brak wyraźnego początku i zakończenia przesuwa akcent z oglądania widowiska na współobecność i wspólne doświadczanie czasu. Relacja między tancerkami a widzami opiera się na bliskości i uważności, stopniowo rozluźniając granicę między sceną a publicznością.
Ciało staje się tu narzędziem relacji – z innymi, z przestrzenią i z własnym doświadczeniem czasu. Powracający motyw piosenki What the World Needs Now buduje napięcie między nostalgią a intensywnością ruchu. This resting, patience proponuje taniec jako praktykę uważności i kolektywnego trwania.
BIOGRAMY
Ewa Dziarnowska
Artystka, choreografka i performerka mieszkająca w Berlinie. Pracuje na styku tańca, performansu i praktyki badawczej, rozwijając improwizację jako metodę twórczą i sposób myślenia o pracy z ciałem. Jej praktyka koncentruje się na relacji, rytmie, uważności i doświadczeniu czasu, a także na pytaniach o społeczne i estetyczne ramy, w których taniec powstaje i funkcjonuje. Swoje prace prezentowała na festiwalach i w instytucjach sztuki w całej Europie, m.in. w Sophiensæle w Berlinie, Tanzquartier Wien w Wiedniu, Santarcangelo Festival, MDT Moderna Dansteatern w Sztokholmie, czy na Festiwalu Mind Eater w Oslo. Jako performerka pracowała m.in. z Alexem Baczyńskim-Jenkinsen, Michele Rizzo, Enadem Maroufem i Eleną Francalanci. Jest autorką projektów choreograficznych i performatywnych, w tym This resting, patience, który od premiery w berlińskim Sophiensæle ugruntował jej pozycję na międzynarodowej scenie tańca współczesnego.
Leah Marojević
Performerka, choreografka, dramaturżka i mentorka artystyczna, pracująca w obszarze tańca współczesnego i performansu. Jej praktyka obejmuje choreografię, performans, działalność pedagogiczną oraz wsparcie i mentoring innych artystów. Realizowała zamówienia choreograficzne m.in. dla Sydney Dance Company (Pre-Professional Year, 2019), London Contemporary Dance School (Graduating Season, 2020), Mass Hysteria Collective (2020) oraz w ramach współpracy z Matilde Cerruti Quara Jupiter Woods (2020). Jako performerka i współtwórczyni współpracowała z wieloma artystami i choreografami międzynarodowej sceny tańca i sztuk wizualnych, m.in. Colette Sadler, Olą Maciejewską, Theo Clinkardem, Jeftą van Dintherem, Megan Rooney, Ewą Dziarnowską, Pauliną Ołowską, Emmilou Rößling, Sarah Browne, Samem Williamsem, Holly Blakey, Joe Moranem oraz zespołem Candoco Dance Company. W 2019 roku współtworzyła The Elsewhen Series we współpracy z Theo Clinkardem, a wcześniej brała udział w realizacjach dla Tanztheater Wuppertal Pina Bausch (2015), Danza Contemporánea de Cuba (2016) oraz Candoco Dance Company (2019).
Krzysztof Bagiński
Artysta dźwiękowy i organizator związany z Polską. Jest współkuratorem cyklu eksperymentalnych koncertów W Brzask (At Dawn) w Warszawie. W swojej praktyce koncentruje się na pracy z dźwiękiem w kontekście choreografii, performansu i działań interdyscyplinarnych. Jako twórca dźwięku blisko współpracuje z artystami tańca i performansu, tworząc kompozycje i środowiska dźwiękowe dla projektów prezentowanych w Polsce i za granicą.
Jacqueline Sobiszewski
Artystka wizualna pracująca z światłem, wideo, filmem i fotografią. Urodzona i wychowana w Niderlandach, absolwentka Wydziału Operatorskiego Państwowej Wyższej Szkoły Filmowej, Telewizyjnej i Teatralnej w Łodzi. W swojej pracy łączy różne techniki wizualne, poszukując nowych języków obrazu w teatrze, performansie, muzyce i sztukach wizualnych, współpracując z reżyserami, choreografami i muzykami oraz realizując projekty autorskie. Jej realizacje były prezentowane m.in. w Nowym Jorku, Los Angeles, Sydney, Londynie, Paryżu, Wiedniu, Madrycie, Lizbonie oraz São Paulo. Była nagradzana i wyróżniana za projekty światła w teatrze międzynarodowym, m.in. za realizację światła do Medei w reżyserii Grzegorza Jarzyny (nagroda na 15. Międzynarodowym Festiwalu Teatrów Małych Form w Rijece, spektakl nagrodzony także austriacką Nagrodą Nestroy) oraz za stworzenie spójnego krajobrazu wizualnego w ramach Międzynarodowego Festiwalu Teatralnego Boska Komedia.
Możliwość zakupu biletu OzN uprawniającego do wstępu na wydarzenie wraz z osobą towarzyszącą
Możliwość wejścia i wyjścia w dowolnym momencie spektaklu
Widownia jest mobilna – publiczności oferowane są różne miejsca na widowni. Performerzy przestawiają krzesła, dodają je lub usuwają wśród widzów. Jeśli chcesz pozostać w jednym miejscu zajmij miejsce pod ścianą. Krzesła ustawione przy ścianach najprawdopodobniej nie będą przestawiane
W jednej części przedstawienia może pojawić się kontakt fizyczny w zwolnionym tempie z publicznością (np. położenie głowy performerki na stopie lub kolanach widza)
W spektaklu wykorzystywana jest głośna muzyka i dźwięk. Sporadycznie mogą występować nagłe zmiany głośności.
Wykorzystywane jest zarówno jasne, jak i ciemne oświetlenie
Może być używane migoczące światło (bez efektu stroboskopowego)
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Stary Browar. Słodownia +3
THIS RESTING, PATIENCE
19:00
/ Taniec
Stary Browar. Słodownia +3
czytaj więcej
Stary Rynek jako scena opery? Oczywiście! Opera na chwilę to plenerowy projekt autorstwa Dirka Opstaele, z którym słoweński Bunker przenosi operę w przestrzeń miasta. Spektakl rozgrywa się wśród codziennych sytuacji, w których nagle pojawia się śpiew i muzyka, zmieniając znane miejsca w scenę.
Opera na chwilę rozwija się w przestrzeni miejskiej jako seria krótkich, nieoczekiwanych zdarzeń. Punktem wyjścia są sytuacje codzienne – przejście przez rynek, rozmowa, praca – które stopniowo zaczynają przechodzić w formę operową. Głos pojawia się tam, gdzie nie jest oczekiwany, a zwykłe gesty zyskują inny ciężar i znaczenie.
Spektakl nie wyznacza wyraźnej granicy między sceną a widownią. Przestrzeń miasta staje się miejscem działania, a osoby znajdujące się w jej obrębie – uczestnikami wydarzenia, niezależnie od tego, czy są świadome jego struktury.
Forma opiera się na prostym mechanizmie: przekształceniu codzienności poprzez muzykę i obecność performera. To, co znane i powtarzalne, zostaje na chwilę przesunięte – z rzeczywistości w stronę fikcji, z obserwacji w stronę doświadczenia.
Opera na chwilę działa jako interwencja w przestrzeni publicznej – krótkotrwała, ale wyraźna. Zostawia po sobie zmianę w sposobie patrzenia na miejsce i sytuację, która jeszcze przed chwilą wydawała się zwyczajna.Dofinansowano ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego pochodzących z Funduszu Promocji Kultury.
Dofinansowano ze środków budżetowych Miasta Poznania. #poznanwspiera
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie: Stary Rynek
OPERA NA CHWILĘ
20:00
/ Plener
Stary Rynek w Poznaniu
czytaj więcej
Duet Kacperczyk wystąpi 28 czerwca na Scenie Muzycznej Malta Festival. Bracia Maciek i Paweł Kacperczyk należą dziś do najciekawszych głosów młodej polskiej alternatywy. Od debiutu albumem Sztuki piękne w 2020 roku konsekwentnie rozwijają własny styl, łączący wrażliwość indie z popową energią i charakterystycznym, pokoleniowym językiem tekstów.
Już utwór Iggy z ich debiutanckiej płyty zwrócił uwagę samego Iggy’ego Popa, który wspomniał o duecie w swojej audycji w BBC. Kolejne wydawnictwa przynosiły zespołowi status złotych i platynowych płyt, a album Pokolenie Końca Świata zadebiutował na pierwszym miejscu zestawienia OLiS. W 2025 roku bracia wydali czwarty album WSZYSCY JESTEŚMY KACPERCZYK, promowany największą w ich dotychczasowej karierze halową trasą koncertową.
Na Malcie bracia Kacperczyk wystąpią przed Two Door Cinema Club.
Duet Kacperczyk – tworzony przez braci Maćka i Pawła – należy do najciekawszych głosów młodej polskiej sceny alternatywnej i będzie jedynym polskim akcentem w międzynarodowym line-upie czterech koncertowych dni Malta Festival.
Ich twórczość łączy wrażliwość indie z popową energią i charakterystycznym językiem tekstów, który balansuje między ironią a szczerością. Utwory Kacperczyk często opowiadają o doświadczeniu dorastania i relacjach międzyludzkich, osadzając osobiste historie w szerszym kontekście doświadczenia pokoleniowego. Dzięki temu ich muzyka trafia zarówno do słuchaczy poszukujących intymnych opowieści, jak i do publiczności festiwalowej.
Brzmienie duetu opiera się na energetycznych gitarach, syntezatorach i wyraźnym rytmie, który nadaje ich piosenkom koncertową dynamikę. Na scenie Kacperczyk budują atmosferę bezpośredniego kontaktu z publicznością, w której introspekcja spotyka się z energią wspólnego przeżywania muzyki.
O ARTYŚCIE:
Maciek i Paweł Kacperczyk zadebiutowali w 2020 roku płytą Sztuki piękne, a znajdujący się na debiucie utwór Iggy docenił sam zainteresowany, czyli Iggy Pop, m.in. wspominając o braciach podczas swojej audycji w radiu BBC. W listopadzie 2021 roku, duet powrócił z Kryzysem Wieku Wczesnego – krążek krótko po premierze pokrył się złotem, a chwile później podwójną platyną . Trzeci album pt. Pokolenie Końca Świata ukazał się latem czerwca 2023. Krążek, na którym znajdziemy takie utwory jak Syn okiennika, z gościnnym udziałem Artura Rojka, czy Jakbym zjadł mentosy i popił je colą, zadebiutował na pierwszym miejscu zestawienia OLiS i w pierwszych tygodniach premiery utrzymywał się na 1. miejscu najczęściej słuchanych polskich albumów na Spotify. Po sukcesach wydawniczych, bracia zagrali setki koncertów w całej Polsce, współtworzyli Męskie Granie Orkiestra wspólnie z Darią Zawiałow i Mrozem, a latem 2025 roku wspólnie z Kukonem wystąpili z projektem specjalnym na festiwalu ZORZA. Czwarty album Pawła i Maćka nosi tytuł WSZYSCY JESTEŚMY KACPERCZYK, a jego premiera odbyła się w październiku 2025 roku. Bracia promowali nową płytę podczas swojej największej, pierwszej halowej trasy koncertowej – WSZYSCY JESTEŚMY KACPERCZYK TOUR.
Program koncertowy Malta Festival potrwa cztery dni, a każdego dnia na scenie zobaczymy aż trzy koncerty.
25.06 – MARO, Devendra Banhart, Benjamin Clementine
26.06 – HAAi, The Blessed Madonna, The Blaze (DJ-set)
27.06 – Efterklang, Charlie Cunningham, Beirut
28.06 – King No-One, Kacperczyk, Two Door Cinema Club
Bilety w sprzedaży na eBilet.pl
8:00 Drzwi
19:00 King No-One
20:30 Kacperczyk
22:15 Two Door Cinema Club
Możliwość zakupu biletu OzN uprawniającego do wstępu na wydarzenie wraz z osobą towarzyszącą
Dostępny sektor – aby skorzystać z dostępnego sektora należy posiadać bilet OzN lub zgłosić potrzebę skorzystania z miejsca siedzącego wysyłając maila na adres: natalia.dabrowska@malta-festival.pl i otrzymać z ww. adresu potwierdzenie rezerwacji miejsca
KACPERCZYK
20:30
/ Muzyka, Koncert
MTP, “Hala numer 6”
czytaj więcej
Kino kobiet to cykl pokazów filmowych i spotkań, podczas których kino staje się punktem wyjścia do rozmowy o relacjach, emocjach i doświadczeniach współczesnego świata.
Klarnet to poetycka opowieść o pamięci, rodzinnych tajemnicach i poszukiwaniu własnego głosu. Wyruszając tropem historii wymazanej z rodzinnego albumu, Łucja stopniowo odkrywa prawdę, bez której nie będzie mogła rozpocząć własnego życia.
Po seansie odbędzie się spotkanie z aktorką Weroniką Humaj i reżyserką Tolą Jasionowską.
Na północno-wschodnim krańcu Polski, na skraju jeziora, stoi dom kobiet – matek, córek i sióstr. Kobiety z pokolenia na pokolenia przekazują sobie niedostępność, niezłomność i rodzinne tajemnice. Dwudziestoletnia Łucja będzie w stanie rozpocząć samodzielne życie dopiero wtedy, gdy zmierzy się z prawdą o swojej rodzinie. Nieoczekiwane spotkanie z tajemniczym Lekarzem uruchamia lawinę zdarzeń. Stary klarnet prowadzi Łucję do historii dawno wymazanej z kart rodzinnego albumu. Aby Łucja mogła usłyszeć melodię własnego życia, muszą zostać zerwane wszystkie zasłony, a przewiny wybaczone. W tle dzikie, polodowcowe krajobrazy przesmyku suwalskiego i Orkiestra Klezmerska z Sejn, której muzyka jest mostem pomiędzy przeszłością a teraźniejszością.
Dostępność miejsca, w którym odbywa się wydarzenie -> Park Starego Browaru
KINO KOBIET: KLARNET
21:30
/ Film, Panel
Park Starego Browaru
czytaj więcej
Pochodzący z Bangor i Donaghadee w Irlandii Północnej Two Door Cinema Club po raz pierwszy zwrócili na siebie uwagę debiutanckim albumem Tourist History (2010), który zawierał takie single jak What You Know, Something Good Can Work i Undercover Martyn, łączące gitarowe, postpunkowe riffy z tanecznym, elektronicznym brzmieniem.
Album, wydany w 2010 roku, trafił na pierwsze miejsce listy przebojów w Irlandii, pojawił się na liście BBC Sound of 2010 i stał się globalnie docenionym debiutem, który wyniósł ich z garażu w Bangor, gdzie powstał materiał, na największe festiwalowe sceny świata.
Two Door Cinema Club tworzą wokalista/gitarzysta/programujący Alex Trimble, gitarzysta/wokalista Sam Halliday oraz basista/wokalista Kevin Baird. Trimble i Halliday poznali się w szkole, a następnie połączyli siły z Bairdem dzięki wspólnym znajomym. Trio zaczęło pisać muzykę w garażu rodziców Trimble’a i zrezygnowało ze studiów, aby skupić się na zespole. Ryzyko się opłaciło – samodzielnie wydana debiutancka EP–ka Four Words to Stand On ukazała się w styczniu 2009 roku, zdobywając pozytywne recenzje i zainteresowanie blogów muzycznych, które jeszcze wzrosło po premierze utworu Something Good Can Work.
Po wydaniu Tourist History zespół nadal się rozwijał, osiągając 2. miejsce brytyjskiej listy przebojów dzięki drugiemu albumowi, Beacon (2012), oraz kolejnym wydawnictwom: Gameshow (2016), False Alarm (2019) i Keep on Smiling (2022), które wszystkie znalazły się w pierwszej dziesiątce brytyjskich list, umacniając pozycję zespołu jako globalnej gwiazdy arenowej i headlinera największych festiwali.
Ostatnio, w 2024 roku, zespół wyruszył w wyprzedaną, 30–koncertową trasę po amfiteatrach w Stanach Zjednoczonych, kończąc rok z przytupem podczas wyprzedanej trasy po australijskich arenach, zwieńczonej niezwykłym występem w kultowej Sydney Opera House.
Two Door Cinema Club na trwałe zapisali się w historii jako zespół swoich czasów – ulubieńcy fanów na całym świecie i festiwalowi headlinerzy.
What You Know zostało niedawno uhonorowane przez Spotify miliardem globalnych odtworzeń.
Program koncertowy Malta Festival potrwa cztery dni, a każdego dnia na scenie zobaczymy aż trzy koncerty.
25.06 – MARO, Devendra Banhart, Benjamin Clementine
26.06 – HAAi, The Blessed Madonna, The Blaze (DJ-set)
27.06 – Efterklang, Charlie Cunningham, Beirut
28.06 – King No-One, Kacperczyk, Two Door Cinema Club
Bilety w sprzedaży na eBilet.pl
8:00 Drzwi
19:00 King No-One
20:30 Kacperczyk
22:15 Two Door Cinema Club
Możliwość zakupu biletu OzN uprawniającego do wstępu na wydarzenie wraz z osobą towarzyszącą
Dostępny sektor – aby skorzystać z dostępnego sektora należy posiadać bilet OzN lub zgłosić potrzebę skorzystania z miejsca siedzącego wysyłając maila na adres: natalia.dabrowska@malta-festival.pl i otrzymać z ww. adresu potwierdzenie rezerwacji miejsca
TWO DOOR CINEMA CLUB
22:15
/ Muzyka, Koncert
MTP, “Hala numer 6”
czytaj więcej
29.06/poniedziałek
Na wystawie zostaną zaprezentowane przykłady procesów ideowych i projektowych w postaci rysunków, analiz i modeli przestrzennych, prowadzących do powstania spektakli teatralnych prezentowanych, między innymi, w ramach Festiwalu „Malta”. Niektóre z wymienionych materiałów są częścią historii tego wydarzenia a dodatkowym uzupełnieniem są materiały fotograficzne ze spektakli. Prezentowane w postaci reprodukcji prace rysunkowe są w oryginale własnością Muzeum Śląskiego w Katowicach.
Część druga wystawy zaprezentuje cykle rysunkowe będące rodzajem „spektaklu potencjalnego” (in potentia) bez stanu realizacji. Ten rysunkowy materiał odnosi się częściowo do profetycznego dzieła literackiego Janusza Andrzeja Zajdla pt ”Limes Inferior” z 1979 roku będącego formą fantastyki socjologicznej osadzoną w przestrzeniach dystopijnego miasta Argoland. Pozostałe cykle rysunkowe są samodzielnymi autonomicznymi bytami rysunkowymi wynikającymi z wewnętrznej intuicji przestrzennej i formalnej autora.
Bohdan Cieślak – architekt wnętrz, scenograf, rysownik i malarz. Autor ponad 30stu scenografii teatralnych realizowanych na ważnych polskich scenach teatru dramatycznego, tańca i animacji. Współpraca z takimi twórcami jak Lech Raczak (wieloletni dyrektor artystyczny Międzynarodowego Festiwalu „Malta” w Poznaniu) czy Ewa Wycichowska (dyrektorka Polskiego Teatru Tańca w Poznaniu) Jego prace scenograficzne w postaci rysunków, projektów i makiet scenograficznych w liczbie kilkuset obiektów są częścią zbiorów Muzeum Śląskiego w Katowicach (Centrum Scenografii Polskiej) i były eksponowane podczas indywidualnych wystaw autora w Muzeum Śląskim oraz w Muzeum Narodowym w Poznaniu. Brał on również udział w wystawie zbiorowej pt „Wirtuozi wyobraźni. Rysunki przestrzeni i postaci artystów współczesnych ze zbiorów Muzeum Śląskiego” obok takich twórców jak Tadeusz Kantor, Jerzy Skarżyński, Jerzy Gurawski, Jan Berdyszak, Janusz Wiśniewski czy Jadwiga Mydlarska – Kowal.
PRZESTRZENIE SPEKTAKLU
10:00
Centrum Festiwalowe. Galeria Nowa Scena UAP
czytaj więcej
30.06/wtorek
Na wystawie zostaną zaprezentowane przykłady procesów ideowych i projektowych w postaci rysunków, analiz i modeli przestrzennych, prowadzących do powstania spektakli teatralnych prezentowanych, między innymi, w ramach Festiwalu „Malta”. Niektóre z wymienionych materiałów są częścią historii tego wydarzenia a dodatkowym uzupełnieniem są materiały fotograficzne ze spektakli. Prezentowane w postaci reprodukcji prace rysunkowe są w oryginale własnością Muzeum Śląskiego w Katowicach.
Część druga wystawy zaprezentuje cykle rysunkowe będące rodzajem „spektaklu potencjalnego” (in potentia) bez stanu realizacji. Ten rysunkowy materiał odnosi się częściowo do profetycznego dzieła literackiego Janusza Andrzeja Zajdla pt ”Limes Inferior” z 1979 roku będącego formą fantastyki socjologicznej osadzoną w przestrzeniach dystopijnego miasta Argoland. Pozostałe cykle rysunkowe są samodzielnymi autonomicznymi bytami rysunkowymi wynikającymi z wewnętrznej intuicji przestrzennej i formalnej autora.
Bohdan Cieślak – architekt wnętrz, scenograf, rysownik i malarz. Autor ponad 30stu scenografii teatralnych realizowanych na ważnych polskich scenach teatru dramatycznego, tańca i animacji. Współpraca z takimi twórcami jak Lech Raczak (wieloletni dyrektor artystyczny Międzynarodowego Festiwalu „Malta” w Poznaniu) czy Ewa Wycichowska (dyrektorka Polskiego Teatru Tańca w Poznaniu) Jego prace scenograficzne w postaci rysunków, projektów i makiet scenograficznych w liczbie kilkuset obiektów są częścią zbiorów Muzeum Śląskiego w Katowicach (Centrum Scenografii Polskiej) i były eksponowane podczas indywidualnych wystaw autora w Muzeum Śląskim oraz w Muzeum Narodowym w Poznaniu. Brał on również udział w wystawie zbiorowej pt „Wirtuozi wyobraźni. Rysunki przestrzeni i postaci artystów współczesnych ze zbiorów Muzeum Śląskiego” obok takich twórców jak Tadeusz Kantor, Jerzy Skarżyński, Jerzy Gurawski, Jan Berdyszak, Janusz Wiśniewski czy Jadwiga Mydlarska – Kowal.
PRZESTRZENIE SPEKTAKLU
10:00
Centrum Festiwalowe. Galeria Nowa Scena UAP
czytaj więcej
